ABOUT MODERN DANCE (A very brief & condensed history)
モダンダンスは、多くの種類のダンス技術を表す用語である。 ダンススタイルのカテゴリーであり、ダンスのジャンルと呼ばれることもあります。 このジャンルの主なスタイルの多くは、新しいユニークな動き方を開拓した特定の振付師の功績によるもので、彼らの個人的な哲学、つまりダンスが芸術的ツールとしてどのように機能するかについての見解に基づいて、新しい動きの語彙を作り出したものである。 個人のダンススタジオでトレーニングを受けたダンサーは、しばしばモダンダンスをリリカルダンスやコンテンポラリーダンスと関連付けたり、言及したりする傾向があります。 これらのスタジオやコンペティションの形式は、プロのコンサート用モダンダンスと共通する動きもあるかもしれませんが、リリカルダンスは実際には動きの質を指しています。 コンテンポラリーダンスは通常、最近創作されたもので、現代音楽に合わせて演じられ、バレエ、ジャズ、モダンスタイルが融合されたものを意味します。 プロのダンスの世界に絶対的な線引きはありませんが、このクラスの目的のために、以下の特徴の少なくとも1つを持つモダンダンスの限定的な定義を紹介します。
- グラハム、ハンフリー、リモン、ダンハム、ホートン、カニングハムなど、初期の巨匠たちの体系化されたテクニックのひとつをベースにしている
- 呼吸、体幹の関節（アライン、タイトル、収縮など）、床の使用、または即興によって生み出される動きをベースにしている
- 動きの選択において地面との強い関連性を持つこと。 立っているときの地に足の着いた動きと、床に寝たり座ったりしているときの動きのボキャブラリーに重点が置かれている。
。 バレエ、ジャズ、モダン、ヒップホップ、アフロカリビアン、カポエイラ、ポストモダンダンスの動きのボキャブラリーを同じ振付で使用するダンススタイルの融合
モダンダンスとは何かという簡潔な定義よりも、おそらくあなたにとってより重要なのは、モダンダンスがあなたの人生を豊かにするために貢献できることです。 動くことの喜びを経験する新しい形のテクニックを紹介することができます。 音楽、他の様々な芸術、動きの形式への理解を深めることができます。 ダンサーという職業への尊敬と理解を深めることができる。
すべてのアーティストは、その人が創作する時代の産物である。 初期のモダンダンス作家は、しばしば変化の最先端にいましたが、多くは当時の社会的・政治的偏見や状況を反映したものでもありました。 20世紀初頭の多くのアーティストの原動力は、ダンスの要素の探求でした。
モダンダンスを形成した振付家、プロデューサー、教育者、ダンサーをすべて適切に評価することはできませんが、スタジオで実践され、今日しばしば上演されている芸術形式の発展をたどる上で、いくつかの著名人を参考にすることができます
- 1900 – 1920。 母系：ロイ・フラー、イサドラ・ダンカン、ルース・セント・ドニ
- 1920 – 1940年。 先駆者たち：テッド・ショーン、ドリス・ハンフリー、マーサ・グラハム、メアリー・ウィグマン、キャサリン・ダナム
- 1940 – 1960：第2世代、レガシー・ビルダーたち：ホゼ・リモン、ハニャ・ホルム
- 1940 – 1960：第2世代、イconoclasts：マース・カニングハム、レスター・ホートン、アルウィン ニコライ
- 1960 – 1980：第2世代。 シンセサイザー、アルヴィン・エイリー、ポール・テイラー、トワイラ・サープ
- 1980 – 2000年。 コラボレーション、ピロボラス、ビル・T・ジョーンズ
かつて「モダンダンス」は、複数のダンサーや振付家それぞれの視点やムーブメントコンセプトを表していました。 マーサ・グラハム・テクニック、ドリス・ハンフリー・テクニック、レストア・ホートン・テクニックなど。 ダンスアーティストの視野が広がるにつれて、ムーブメントの形態もユニークなものというよりは、似ているものが多くなってきました。 モダンダンスはバレエよりも若い芸術形態で、クラシックや伝統的なバレエの標準的な動きや構成されたステップの代わりに、ダンサー自身の解釈を中心とした動きをします。 しかし、モダンダンスはクラシックの語彙や用語を多く使っている。 今日、多くの「バレエ」振付家は、モダンダンサーの動きのコンセプトを利用し、バレエダンサーのエクササイズが「モダン」テクニックに使用されています。 モダンダンスは、その独立性、発明性、非伝統的な態度で知られています。 現在、多くの振付家が、とらえどころのないモダンダンスのテクニックだけでなく、ジャズ、アフリカン、バレエ、その他の民族舞踊の原理も作品に取り入れています。
芸術としてのモダンダンスの発展は、ダンスが「こうあるべき」という「ルール」を破ることでもたらされました。 1900年代、ヨーロッパのダンサーたちは、クラシックバレエの厳格なルール、体系化されたテクニック、衣装、バレエシューズに反抗し始めました。 19世紀末には、ロイ・フラー、ルース・セント・デニ、イサドラ・ダンカン、テッド・ショーンといった献身的な人々が、定期的に公演を行っていました。 より良い名前を求めて、「クラシック」ダンスは、理想化されたギリシャやローマのモデルに作品を模したアーティストたちの作品に付けられたのである。 新しいダンサーたちは、よりリラックスした、自由なスタイルのダンスを好みました。
モダニズム対リアリズム
多くの芸術家は、芸術における現実的な描写から意図的に離れ、モダニズムとして知られるようになった。 この新しいスタイルは、観察された現実の生活ではなく、自分の感情や認識といった主観的な経験を探求するものでした。 作品は、現実的なものとは対照的に、抽象的に見える。 例えば、画家パブロ・ピカソの作品には、女性のリアルな顔ではなく、認識できる体の部分が描かれていますが、これは芸術におけるこのモダニズム運動の一例です。 新舞踊（後にモダンダンスと呼ばれる）は、物語をリアルに再現するのではなく、人間の経験を抽象化して描くことに興味を持ちました。 新しいダンスは、抽象化された、すっきりした、文字どおりの動きではない動きによって、世界に対するペルソナの感情を探ったのです。 美術におけるモダニズムと同様に、モダンダンスは過去の芸術的伝統に対する反抗として現れたのです。
セント・デニとテッド・ショーンはプロとして協力し、ロサンゼルスのウエストレイク地区に学校を設立し、全米から生徒を集めました。 セントドニがミューズであり、ロールモデルであり、時には教師であり、ショーンは主にディテールスクールに力を注いだ。 20世紀後半には、マーサ・グレアム、ドリス・ハンフリー、チャールズ・ワイドマン、ハニャ・ホルム、ヘレン・タムリス、レスター・ホートンなど、デニショーンの後継者の作品を「モダンダンス」という名称で表現するようになった。 モダンダンスの最大の特徴は、バレエのように体系化されたテクニックのコードに従うのではなく、ダンサーが自分の感情や気分を使ってステップやコンビネーション、ダンスをデザインすることを奨励している点である。 グラハム、ハンフリー、ワイドマンは、デニショーンの美学を否定し、「踊る神々と女神」と呼び、個人的あるいは社会的なテーマを選び、以前のパフォーマーが着ていたエキゾチックなガウンや伝統的なクラシックバレエのチュチュよりも現代風ドレスに近いコスチュームで上演しました。 この世代の振付家は、パーカッシブで、前世代の特徴であった劇的な「無声映画」のようなジェスチャーや、古典技法の厳格なルールをほとんど排除したムーブメントスタイルを開発しました。 バレエと対立するモダンダンスのもうひとつの特徴は、重力を意図的に利用することである。 クラシック・バレエでは、ダンサーは常に足元が軽く、風通しのよい状態であろうと努めているのに対し、モダン・ダンスでは、重力を意図的に利用している。 モダンダンサーは、踊る床を解放されるための支えではなく、求愛されるための力の源と考え、重みのある動きを望んだのです。 彼らはしばしば自分の体重を利用して動きを強化する。 1934年に始まったベニントン・カレッジ・サマースクール・オブ・ダンスでは、「ビッグ4」に師事する機会を学生に与えた。 グラハム、ハンフリー・ワイドマン、ホルム。 (ハニャ・ホルムはドイツから移住し、1933年にメアリー・ウィグマンが開発した原理に基づいてニューヨークにスタジオを開設した）。 テクニックだけでなく、作曲、舞台美術、音楽史のクラスも設けられていた。
1930年代には一般大衆に徐々に受け入れられるようになったが、1940年代には、この世代の振付家が大衆演劇のミュージカルの振付や、より大衆的な劇場で自分たちのカンパニーを発表するために招待されるようになり、増加した。
西海岸では、レスター・ホートンがアメリンド文化（アメリカ先住民の集団）に興味を持ったことがきっかけで、モダンダンスに出会います。 彼はロサンゼルスにダンス発表のみを目的としたカンパニーと劇場を設立した。 また、その振付の才能を活かして、さまざまな映画にも出演している。 色彩にとらわれずダンサーを育成し、アメリカ初の統合されたモダンダンス・カンパニーを設立した。 彼は、アルビン・エイリー、カルメン・デ・ラバレード、ジャネット・コリンズなどの作品を奨励した。 エイリーは、彼以前のパール・プリムスやキャサリン・ダンハムと同様に、黒人の経験に由来する人種的平等、社会的不公正、宗教的熱狂というテーマを扱った。 1960年代には、振付家は先人の演劇的な慣習から切り離され、訓練された、あるいはされていない身体の動きに集中するようになった。 屋内、屋外、屋上から街頭まで、プロセニアムアーチの劇場を除けば、ほぼすべての場所で上演された。 衣装は日常着が好まれ、時には裸体も見られた。 この運動は、1960年代初頭、カニンガムのスタジオでピアニスト、伴奏者、作曲家のロバート・ダンが教えた作曲コースに端を発している。
モダンダンスは、それに触れたそれぞれの国で、シリアスなダンス表現の解放された形として取り上げられ、今も続いている。 20世紀後半、アメリカのカンパニーの活発な創作活動の影響は、広く世界のモダンダンスの発展を促した。 この影響により、振付家は観客に最も直接的に語りかけるようなムーブメント言語を開発するようになった。
マーサ・グラハムは、ルース・セント・デニスの教え子であり、アメリカのモダンダンスの先駆者の一人とみなされている。 人間の情熱、怒り、恍惚感を表現するために、彼女は独自の動きに関する言語を開発しました。 彼女は、バレエに似た新しいダンステクニックを生み出しましたが、いくつかの点で異なっていました。 彼女は人間の基本的な動きに重点を置き、収縮と解放の動きに集中した。 長い流動的な動きの代わりに、グラハムの動きは鋭くギザギザしていました。 彼女のダンスは、人間の基本的な感情を動きを通して露わにすることを目的としていました。 “ムーブメントは決して嘘をつかない”
モダンダンスの歴史は、それが作られた時代の社会的、政治的、芸術的動向と結びついている。 20世紀初頭に新舞踊として始まったモダンダンスは、女性運動、視覚芸術の新しい傾向、科学的アプローチへの愛の高まりによって形作られました。 イサドラ・ダンカン、ロリー・フラー、ルース・セント・デニといった母系世代は、前世紀の伝統から離れ、ダンス界の想像力を刺激しました。
20世紀の各時代の変化とともに、モダンダンスも変化していきました。 1920年代から1930年代にかけては、芸術の草分け的な時代であった。 マーサ・グラハム、ドリス・ハンフリー、キャサリン・ダナムといった著名人が、この新しいジャンルのダンスがどうあるべきかを形作り、定義し始めたのです。 1940年代から1950年代にかけては、先駆者の後継者であるホゼ・リモンやマース・カニングハムといった巨匠の作品によって、新しいスタイルのバリエーションが生まれました。 1960年から1980年代にかけては、振付家やダンサーが先駆者たちの作品を統合し、再検討することで、モダンダンスのイディオムに新しい種類の動きのボキャブラリーがもたらされました。 アルビン・エイリーやトワイラ・サープなどは、この時代を象徴する存在である。 20世紀末には、ビル・T・ジョーンズやピロボラスなど、真に独創的なクリエイターの作品を通じて、コラボレーションの価値を前進させた。
相違点：
- ポストモダンのダンスには筋書きがなく、物語がないものもあったが、伝統的なモダンダンスには強い物語性があるものが多かった。
- 伝統的なモダンダンスは訓練されたダンサーを起用していたが、ポストモダンの振付師の中には訓練されていないダンサーを起用する者もいた。
- 伝統的なモダンダンスは衣装を用いることが多かったが、ポストモダンは普段着で上演されることが多かった。
ポストモダンのアーティストがダンス界にもたらした貢献は、人々のダンスの振り付けや見方に大きな影響を与えた。
今日のモダンダンサーは、自分の内面の最も深い感情を表現するために、しばしば自分の内面に近づくためにダンスを使用している。 モダンダンサーは、コンビネーションやダンスの振り付けをする前に、どのような感情を観客に伝えようとするかを決めます。 多くのモダンダンサーは、失恋や個人的な失敗など、身近な題材を選びます。 ダンサーは、伝えたいストーリーを反映した、あるいは関連する音楽を作曲したり、すでに作曲された音楽を使用したり、あるいはまったく音楽を使用しないことを選択します。
モダンダンスは、21世紀においても、関連性が高く、活気のある芸術形態であり続けています。 その特徴は、創作される時代への対応、過去の伝統への抵抗、そしてその関連性と意義の絶え間ない再評価にある。 モダンダンスの伝統とテクニックは、新しい才能あるアーティストがルールを変えることで、進化し続けています。
モダンダンスは、これまでも、そしてこれからも、私たちの住む世界について、
世界が包含するすべてを動きという形で反映させるものである。