フランス語やイタリア語には、ボウイングテクニック別のかっこいい用語がたくさんあるんですね。 テキストには、それぞれの弓のストロークについての説明がありますが、これらの説明は、素晴らしいものから、分かりにくいもの、そして、単なる矛盾したものまであります（détachéでググってみてください）。 これらの用語は、セクションが「ボンネットの下」で行うことを指している。 オーケストレーターとして、弦楽器演奏の初歩であるこれらを理解することは重要です。

弓のテクニックを議論するとき、演奏者がストロークを表現するために使ういくつかの用語は、楽譜で使われる用語でもあり、この場合、少し異なる意味を持っていることに注意することが重要です。

ボウイングのデフォルトは、弦の上で演奏し、それぞれの音で方向を変えることです。

ロングノート
ロングノートは、弦の上で演奏、または速記され、音と音の間に弓が弦から離れず、むしろ接触を保つことを意味します。 弓は新しい音符が出るたびに方向を変えます。 1ストロークで複数の音を出したい場合は、スラーを使用して、各弓にいくつの音が入るかを指定します。

1回の弓でいくつの音を書けるかは、いくつかの変数に依存します。 例えば、大きなダイナミクスでは、完全なトーンを維持するために弓を速く動かす必要があるので、より少ない音符が可能になります。 柔らかい音域では、より多くの音符を演奏することができ、その変化の数と弓の速さによって、美しい色彩を作り出すことができます。 セクションボウを見ると、スピードが常に変化しており、これがフレーズに生命力を与えています。 3つ目の変化として、配置があります。 奏者は、弦の上の微妙に異なる位置に弓を置くことで、異なる音を出します。

サンプルに「生命」がないのは、すべての音が同じような速度と圧力で録音されているからで、テクニックと音楽の文脈の間に関係がないのです。 重く、弦の上で演奏したい場合は、マルカートと表示することができます。 マルカートとはアタックを指す言葉で、弦楽器の場合はマルテレ・ストロークで演奏します。 弦の上で音が鳴り始め、余分な圧力がかかるため、大きなアタックがかかる。 マルカートは必ずしも短いという意味ではなく、アタックに影響し、物理的に音符が分離するため、デフォルトでは短くなることに注意してください。 8分音符の連続は、スタッカートのような印象を与えます。

弦の上でボーイングする代わりに、もちろん弦の外でボーイングすることもできます。 これは、音と音の間に弓が弦から離れることである。 オフ・ザ・ストリングボウイングの最も一般的な例は、スピッカートです。 よくある誤解は、スピッカートそのものが、パッセージをオフ・ザ・ストリングと表示する方法であるということです。 そうではありません。 スピッカートとは、オフ・ザ・ストリングボウイングのひとつのスタイルに過ぎません。

私は、マルカートとスピッカートという用語の誤解と誤用は、特定の弦楽器ライブラリが短い音のパッチにこれらの名前を使用していることに起因すると考えています。 現実世界では、これらのパッチで聞こえるような大きく重いスピカートを演奏することは不可能です。前述のように、歴史的にマルカートは攻撃のタイプであり、継続時間ではありません。

「オフっぽい」
スピカートは非常に便利で一般的な弓のストロークですが、その物理を見ると、重い攻撃と大きなダイナミクスには役に立ちません。 このような場合、弦との接触が必要ですが、弓を跳ね返すと、これができません。 しかし、音符と音符の間には、たとえわずかでも弓を離すことが必要です。 これはスピッカートとマルカートの中間のようなストロークです。 あまり議論されませんが、セクションを見ると、短くて重い音を弾かなければならないときに、自然にそうなっていることがわかります。 また、弦楽器で演奏するように言われても、音楽が速く、大きくなると、同じことが起こり、この同じストロークに引き寄せられ、弓が方向を変えるときに少し持ち上がるように見えることに気がつきました。 また、わかりやすくするために、このようなことをすることも多い。 チェロやベースでは、弦の上で速く弾いても、ヴァイオリンほどには投影されないし、伝わらない。

Under Pressure: 弓を見る

上のフレーズをどのように弓で弾いたかに注目してください。 クレッシェンドと書いていなくても、弓の速度と強調が変わり、音が激しくなるにつれて、わずかにクレッシェンドすることになります。 もし、これをクレッシェンドとした場合、同じようなボウイングをしたいと思います。 音が大きければ大きいほど、質の高い音色を維持するために弓の速度は速くなければならない。

ボウイングのことを考えると、音に微妙な違いがたくさんありますね。

これらのストロークを実演するEndre Granate氏。

ボウイングは必ずしもフレーズに沿ったものではなく、ボウイングの仕方がフレーズを作るのです。

1.ボウイングを考える。 長いスラーをフレーズマークとして使えば、セクションが整理してくれるという考え方があります。 確かに、彼らは何かを解決することができますが、あなたが時間をかけて自分で通路をボウイングする場合、あなたが望む結果を得ることができます。 この場合、校長がボウイングを決めることになる。 しかし、彼らは音楽を知らないし、私がどのようにそれぞれの音を激しくしたいかも知らない。
2.これは、彼らがおそらく演奏する方法であり、もちろんアップボウで始まる。 また、CからAbにスラーをかけるかもしれません。 各小節は同じ弓の量を使い、音も一定になります。
3.私がやるかもしれない方法。 の均等なボウイングに比べ、フレーズにメリハリがつきます。 音数が多いほど弓の速度は遅くなりますが、圧力は強くなります。 音数が少ないと、あるいは単音だと、弓の動きが速くなり、圧力も弱くなるので、強弱がつき、いいフレーズになる。 例えば、AbとGの6拍子を全弓で弾くセクションでも、Ebだけは半弓から4分の3弓で弾く。

たとえノートがスラーであっても、演奏者はしばしば弦を変えなければならない場所があることを心に留めておいてください。 これらの音は、次の音が始まる前に新しい弦が振動していないため、「スラー」サウンドにはなりません。 多くの場合、弦の交換を避けるようなポジションで演奏することで、この問題を回避することができますが、音程が広い場合はそうもいきません。 これは非常に微妙な効果で、上手な人はほとんど隠すことができますが、それでも考えておく必要があります。 これはヴァイオリンでは非常に簡単ですが、大きな楽器になると難しくなります。 ヴァイオリンの場合、弦は振動しながらあまり動かないのですが、ベースの場合は大きく動くので、弓の向きを変えるときに弦を止めたり始めたりすると、より認識しやすくなります。

時には、弓の切り替えを聞かずに、完全に滑らかで均一なラインだけを聞きたい場合もあります。 この効果を得るためには、セクションが異なるタイミングで弓を変える必要があります。 そのためには、2つの弓のパターンを重ねて書き、1つは上に、もう1つは下にスラーを書けばよいのです。 これは変化を隠すことになり、「ディビジボーイング」と呼ばれることもあります。 スタジオでは、長いスラーでフレーズをマークし、セクションに「自由な弓」を要求することがよくあります。 そうすると、グループとしてではなく、異なるタイミングでボウイングを変更することになります。 残念ながら’free bow’は世界共通語ではありません。 この練習を説明する一般的な方法は見つかっていないので、セクションが一斉にボウイングをしないようにするために、何らかの明確化がしばしば必要です。

先に述べたように、いくつの音がそれぞれの弓の下に入ることができるか（物理的に）、あるいは入るべきであるか（音楽的に）に影響を与えるものはたくさんあり、最も経験のあるオーケストレーターでさえ、常にそれを正しくすることはできません。 幸いなことに、私たちはコンピュータではなく、人間のために作曲しています。 彼らは判断し、音楽的な状況に合わせてボーイングを調整することができます。

ボウイングを学ぶには、見て聴いて学ぶのが一番です。

Useful articulation

a. 強調しない、音と音の間にスペースがない。
b. わずかな強調、強調のための弓の充電による非常に小さなスペース。
c. 離鍵、弓はストローク間で停止する。
d. 重い攻撃で、弓が次の攻撃のために再充電するため、少しのスペースにドロップオフ。 テヌートを加えて空間を制限することもできますが、アクセントは少なくなります。
e. ルレ 一本の弓ですべての音を出す。 弓は音を減速させ、圧力を解放し、再び圧力をかけ、加速させることによって、音を脈打たせます
f.

弓の切り替えをよりスムーズにしたい場合は、sostenutoとマークします。 これは管楽器のレガート・タンギングに相当します。

表記
前述のように、デフォルトは弦で演奏することなので、それが希望であれば特別な表記は必要ありません。 しかし、ここで、弦楽器の用語が、演奏者にとってはある意味でも、表記上は別の意味になり始める領域に入ります。

また、レガートという言葉を使うときにも注意が必要です。 一般的にはただ音をつなげるという意味だが、スラーをかけるという意味に解釈されることも多い。 ヨーロッパではレガートは文字通りスラーを意味します。

私の楽譜では、もし弦を止めたいなら、スタッカート（ドットかstacc.の文字）を付けます。 私は点でなく、単語を使うのが好きです。 その方がすっきりしているし、違う演奏にしたいときに変更しやすいし、アクセントをつけたいときに音符をはっきりさせておくことができます。 2550>

弦楽器が軽いダイナミクスで8分音符を演奏する場合、スピッカートで演奏し、ダイナミクスが高くなったり、より強度が必要になると、上で述べたような「オフっぽい」スタイルになるのです。 演奏者は音楽のダイナミックさと強さに弓のスタイルを適応させ、私は彼らをマイクロマネジメントする必要はありません。

If I want it heavy, I label it stacc. すべての音にアクセントをつけると、本当にアクセントが欲しいときに、アクセントをつける方法がありません。 これは「泣きっ面に蜂」に相当します。

私は楽譜に「On」「Off」という言葉をほとんど使いませんが、デフォルトや上記の表記はどう演奏すべきかを暗示しているのです。 スタッカートと書いてあったのに、次の部分がそうでない場合は、いくつかのテヌートを使うだけですし、繰り返しの音符であれば、レガートを使うのが無難でしょう。 演奏者を信頼してください。 明確な出発点を与えれば、あとは周りの状況にも耳を傾けて、音楽の状況に応じたベストなストロークを考えてくれるはずです。 その結果、いろいろなストロークを組み合わせることになることが多いのです。

These simple indications have gotten me through hundreds of sessions, from the lightest happy cue to the loudest aggressive boss battles.

Accents
Accents is performed by adding pressure, speed and duration to the contact of the bow and string.このランダムに、しばしば意図しないブレンドは音楽に命を与え、サンプルで再現することができないものなのです。 下の例では、アクセントのある音はアクセントのない音より少し長くなります。

これはとても自然に聞こえるので、130bpmくらいまでのスローテンポやミドルテンポでは簡単に演奏することができます。 しかし、もっと速くなると、あるいはこれが16分音符だとすると、アクセントをつけるのに必要な労力のために、アクセントのない音を滑らかに、かつメトリックに保つことが難しくなることがあります。 スタジオでこの問題を聞いたとき、私はプレイヤーにアクセントのことだけを考えさせます。

このようなパターンが問題を起こすとは思わないでしょうし、そう思わない人もいるかもしれませんが、ドラマーとして、私はすべてをできるだけ均一かつ計量的にしたいので、バイオリンの演奏を聞くと、時間がわずかにアクセントを押したり引いたりすることになるのです。 この問題に対しては、いくつかの解決策がある。 この場合、アクセントのついた音はピッチが違うので、どうせはみ出るので、最近セッションでこの問題が出てきたときは、アクセントを無視してもらっています。 しかし、すべてが同じ音程である場合、あるいは作曲家がどうしても大きなアクセントをつけたい場合を考えてみましょう。 こうします。

最初の部分からアクセントを取り除き、秒はアクセントのある音だけを演奏しています。 すべての音でセコンドを見逃すことはありませんし、ファーストはアクセントを許容する必要がないため、実際には今より重く演奏することができます。 最後に、タイミングも完璧になります。 仕上がりはずっと良くなり、演奏しやすくなります。 もしオーケストラに弦楽器以外の楽器がある場合は、木管楽器も加えてもよいでしょう。 パーカッションも役に立ちます。 実際、打楽器や金管楽器にアクセントを打たせれば、弦楽器にアクセントは必要ありませんし、全体としてアクセントのある音になります。 上の音は拍子上にあり、最も高い音ですから、自然に突き出るでしょう。 ここでは多くのことが起こっています。上弓と下弓でビートが落ちているだけでなく、演奏者は弦を変えています。

Labeling Bow Direction and Bow Position
99% of the time this is not needed.But note, no accent is in the score.

Labeling Bow Direction and Bow Position
Labeling Bow Position is not needed. 弦楽器奏者は4歳のときから弓を引いており、アップボウやダウンボウで始めることはごく自然なことです。 一般的に、弱い拍で始まるフレーズ（例えば、ピックアップ）は、アップボウになります。 強拍で始まる場合は、ダウンになります。 ソフト・ダイナミクスの長い音はアップ・ボウで始める。 一般的にラベルを付けるのは、重い音を連続して出したいときで、その場合はすべて下げ弓をマークします。 実際には、プレイヤーはどちらかの方向に重いアタックをするのが得意ですが、ダウンボウの連続は、プレイヤーがそれぞれの音の間にリテイクしなければならないので、音と音の間にギャップがあることを保証するものです。 また、フロッグで演奏することもあります。 私がダウンボウの連打を見たときの半分以上は、演奏者に無視されていました！

弓はフロッグで持つので、演奏者が最も弦に圧力をかけやすい場所です。 先端は手から最も遠いので、結果として最も軽い圧力をかけて演奏しやすく、最も軽い音色を生み出す場所です。 オーケストレーターの中には、先端やフロッグで弾くようにマークする人もいます。 方向と同じように、奏者もダイナミック以外の情報を入力せずにベストポジションを選ぶ傾向があることがわかった。 彼らは、先端で静かなトレモロを弾き、フロッグでffを刺すのは、第二の天性だからです。

Styles
Ordinario (ord.) – デフォルト、以下のいずれかをキャンセルするにはord.を使用します。 弓はニュートラルな位置、つまり指板とブリッジの間の「スイートスポット」にあります。 これは弦長によって変化するため、決まった位置ではありません。

Sul Tasto – 指板上。 弓が指板の端の上で弾かれ、エッジの効いたアタックや高い倍音が少なく、柔らかい音色を奏でる。
スル・ポンティチェロ（Sul Pont.）- ブリッジの上。 Sul Tastoの反対側の音。 弓が駒に近づくと、荒々しい、エッジの立った音色になる。 基本音は少なく、高次倍音が多い。

Flautando – 弓を通常より速く、非常に軽い圧力で動かし、フルートのような純粋な音色を出す.

Col Legno – 「木で」。 コル・レニョには2つのタイプがある。 トラットは、弓の木の部分で弦を弓で弾く。 Battutoは、木の部分で弦を打つところです。 デフォルトはbattutoです。 col legnoのサンプルの音は、現実の世界では決して再現されないことを覚えておいてください。 プレイヤーは10万円の弓を20万円の楽器にぶつけることを好まない。 時には、2本目のあまり貴重でない弓を出したり、定規やダボで弾くように言われることもあります。 そんなことは関係なく、彼らは何でも「それなりに」強く楽器を叩く。 作曲家が大音量で非現実的なコル・レグノを望んでいるような楽譜では、通常、サンプルを使うだけで、演奏しようとはしないんだ。 孤立音だけのパッセージなら、スナップピズで代用できます。 Trattoに至っては、ほとんど音を出さないし、出す音もあまり高くない。 これを実現するために、奏者は通常、弓の毛を少し弦に接触させる。 col legno trattoが聞こえたと思ったあの録音、そうではなかったかもしれません！

Ricochet と jeté は、弓が弾むことによって一方向に複数の音を出すオフザストロークです。 スタジオワークでは、エフェクトでない限り、これらは実用的でないことがわかりました。 中高速のテンポで複数のバウンスをするのは、現代のレコーディングで必要とされる精度には程遠い。

左手
最低音と最高音を除けば、他のすべての音は2つ以上のポジションで演奏することが可能です。 弦の上の方にあるポジションほど（無理のない範囲で）、音色は暗く、エッジの効いたものになります。 これは表記することができます。 バイオリンではスルG（「G線上」）のパッセージが一般的ですが、他の多くの場合、演奏者が音楽の状況に応じて判断することになります。 2550>

Sul Tasto – Not So Fasto
ヴァイオリンがSul Tastoを弾くように言われたとき、彼らはしばしば指板の上を弾いていないように見えることに、私は指揮台から気づかされたのです。 この記事を調べて初めて、その実態を知ることになった。 指板の上を弾くには、技術的、音響的に考慮すべきいくつかの要素がある。

ヴァイオリンの場合、弦が比較的短いので、弓が最高の音を出す「スイートスポット」は非常に小さいのです。 また、手の位置によって常に変化しています。 指が弦を短くすると、スイートスポットは駒寄りに移動します。 実際、バイオリンの最高音域で演奏する場合、正しい比率、つまりスイートスポットを維持するために、弓は実際にはブリッジに位置しています。 高音域で本当にスルータストで弾くと、弦がうまく振動しません。 弦の真ん中あたりで弓を引くことになり、良い音色を出すことができなくなるのです。 ブリッジやノーマルポジションでは、弦はきれいな弧を描いていて、演奏者は弓で他の弦に触れることなく、どの弦でも弾くことができます。 ファーストポジション以外で、弓を指板の上に置いたり近づけたりすると、弦を押さえることでこの弧が平らになり、他の弦を鳴らすことが難しくなります（不可能な場合もあります）。 ヴァイオリンやヴィオラでは、外側の弦を弾くときに、弓が楽器のボディに当たることがあります。

ヴァイオリンのスル・タストの本当の音は、うっすらとした、ほとんど曖昧な音です。 多くの場合、スル・タストに本当に求められているのは、よりソフトで、エッジの効いた音色ではないでしょうか。 それをミュートと呼ぶ人もいるが、実際のコン・ソルディーノ演奏の音とスル・タストの音は、それほど近くはない。 この音を出すには、いくつかの方法がある。 ヴァイオリニストは軽い弓圧と遅い弓速の組み合わせでスル タストの効果を達成する。 確かに音程によっては指板に近づくこともありますが、常にそうとは限りません。 楽器が大きくなるにつれて、スイートスポットも大きくなり、実際に指板上で演奏することは全く問題なくなる。 ヴィオラはヴァイオリンと同じような問題がありますが、チェロやベースにはありません。

スタジオでは、他の楽器と調和し、マイクによく映るような充実した音を出すために、スル タストの本質を捉え、技術的な困難を避けながら、演奏者が判断することがある。 コンサートホールでは、ヴァイオリニストはレコーディングスタジオで行うよりも、より文字通りのスル・タストを試みるでしょう。 ある演奏家は「指揮者が望むほど極端ではないが、少し指板の上を弾くようにする」と言う。 また、同じ奏者でも、人によって楽器が少し違うので、アプローチも違う必要があるかもしれないとも言っている。 このあたりは、ダブルストップやディヴィジと同じで、実際に何が行われているのか、教科書の著者にはまだ伝わっていないようです。

音楽の環境に応じて、言われなくてもスルータスト（偽）を演奏することがある。 実際、ピッチや音量、状況によって、スイートスポットは音ごとに違う場所にあるため、常に少しずつ調整している。

このテクニックを「指板上」と呼ぶのではなく、「指板に向かって」と定義したほうがよいでしょう。 2550>

ここで、Endre Granatが「スイートスポット」、Sul TastoとSul Ponticello、Con Sordinoについて説明し、実演しています

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