By Todd Whitesel

Ian AndersonはJethro Tullのフルート奏者とシンガーとして世界中のロックファンの間で知られている人物である。 タルの音楽はハードロック、あるいはヘビーメタルというジャンルで括られることが多いのですが、アンダーソンはアコースティックな音楽を演奏することに最も慣れています。

長年タルのフロントマンを務めた彼の最新プロジェクト「Ian Anderson Plays The Orchestral Jethro Tull」では、フランクフルト交響楽団とともに「Aqualung」や「Locomotive Breath」といった名曲を作り直しています。

ゴールドマインはスコットランドの自宅からアンダーソンに、クラシックな訓練を受けたアンサンブルとの演奏、そこから生まれる挑戦や報酬について語っています。 CDのライナーには、オーケストラの上にロックバンドを乗せるのではなく、同じアコースティック・ミュージシャンとしてシンフォニック・オーケストラの楽器と出会うことでこのプロジェクトにアプローチしようとしたと書かれていましたね。 他のバンドもそうしていますが、あなた方のアプローチのほうがより興味深いのではないかと思います。 それはご親切にありがとうございます。 それは、私が違うバックグラウンドを持っていることで、そうしようとしているのだと思います。 ロック・バンドはロック・バンドなんです。 どんな音楽をやっているのかと聞かれると、いつも困ってしまいますし、不愉快になります。 ロックという言葉は、60年代から今日に至るまで、比較的大きな音で増幅された音楽を包括する用語であるように思われるからだ。 しかし、長年にわたるジェスロ・タルの作品の多く、特に「Aqualung」や「Thick As A Brick」といった大ヒットしたアルバムには、多くのアコースティック音楽が含まれているので、私はそれを不快に感じています。

私たちは非常に多くの異なる種類のものをやっているので、ジェスロ・タルをアコースティックバンドとは呼べません。 僕は大音量のエレキミュージシャンと大音量のドラマーと一緒に演奏しているから、ロックバンドの中ではアンプラグドな男なんだ。 でも、ジェスロ・タルやソロ、オーケストラと一緒にステージ外でアコースティックな音楽を演奏することは別として、私は37年間、それを続けてきたんだ。 私がやっているような音楽をやり、私が演奏する曲や楽器を演奏することは、他のラウドなロックバンドと演奏するよりも、オーケストラの仲間と演奏する方がずっと自然で簡単なことなのです。 私は心地よいロックミュージシャンではありませんし、これまでもそうでした。 ジェスロ・タルの文脈の中でさえ、しばらくはとても楽しいのですが、2時間もステージで大音量のロックミュージックだけを演奏するのは好きではありません。

この環境は、あなたに自分の音楽を再評価する機会を与えるだけでなく、あなたにとってこの環境での演奏は本当に快適な要素であるように聞こえます。

より細かい音が聞こえるので、より快適です。 もちろん、私たちは会場で増幅されたオーケストラと演奏しますが、その際、小さな伝統的なコンサートホールで演奏するレベルよりも高い音を出さなければなりません。 私たちは、かなり頻繁に、より大きな会場、ロックサイズの会場で演奏しているのです。 つまり、クラシックのコンサートでもオーケストラを増幅しなければなりません。 通常、オーケストラの上にマイクを2本ぶら下げるだけですが、それを少し持ち上げるために、70～75dBのレベルまで上げると、オーケストラにとっては大きく聞こえます。 ロックコンサートの場合、85〜90dBは比較的静かです。

音楽というものは、耳をつんざくような747の大音量でなくても、パワフルでエキサイティングなものになり得るということは、常に言えることだと思います。

あなたは曲作りの共同作業についてとても苦手だと述べていますね。

アレンジの共同作業についてはいかがでしょうか。 というのも、それはすでに書いてあることだからです。 ですから、それを提示する他の方法を検討し、さまざまな楽器やさまざまなヴォイシングで利用可能な音楽ラインを分割する方法を考え、さまざまな楽器の範囲-楽器の音域の限界、どこでよく聞こえるか、どんな楽器の組み合わせが有効かを認識する必要があるのです。 私は楽譜を読んだり書いたりしたことはありませんし、大学で絵の勉強をしたこともありませんから、大勢のミュージシャンのためにオーケストレーションを行い、完成したものを提供できるような人間ではありません。 その一方で、私は通常、どのようにすればいいかという合理的な実務知識を持っています。私はたまたま、それをまとめるスキルを持った人々とコラボレーションし、最終的に-私と一緒に-意味のあるアレンジにたどり着いただけです。

Elizabeth Purnellは、私が「ビッグ4」と呼んでいる、「Aqualung」、「Locomotive Breath」、「My God」および「Budapest」についてあなたとコラボレーションしましたね。

彼女はトロンボーン奏者で、イギリス西部のブリストルという町でテレビ音楽のような仕事をやっています。

「Aqualung」の演奏は飽きないとおっしゃっていましたが、リスナーにとっては、新しいアレンジが聴けるのは嬉しいことですね。

あの曲は、ほとんど私が作ったものです。 My God」では、エリザベスがその曲のいくつかの部分に彼女自身の創造的な付加を加えた面白いラインをやってくれました。 Aqualung」の曲の中には、彼女が16小節のオーケストラ曲を作ったものがありますが、これは私の創作ではありません。 でも、これがコラボレーションなんだ。アイデアを出して、その人が自分のアイデアやライン、考えを出せるように、少しスペースを与えてあげる。 それがうまくいけば、うまくいく。

オーケストラのメンバーの多くは、このプロジェクトの前にあなたの音楽を知っていたのでしょうか？

私がこれまで一緒に演奏したオーケストラは、たいてい私が誰であるか知っていて、いくつか音楽を聴いたことがあるようです。 最初のリハーサルが終わると、自分のCDや友人のCDにサインをしてもらうために、たくさんのCDが作られるんだ。 オーケストラが私のことをまったく知らないということは、まずないですね。 旧ソ連や東欧のオーケストラの場合、クラシックしか聴いたことがないような真空地帯で生きてきた人たちが、私のことを全く知らないということがあります。

彼らがリハーサルの最初の10分で、簡単にはいかないということがわかると思います。 この曲は、最高のオーケストラに音楽的な挑戦を提供するために、かなり意図的に、そしてそれなりに巧みに書かれていると思いますし、また、リハーサルの時間的制約を考えると、いくつかの曲は、一度通して演奏すれば、彼らにとってかなり簡単になるように書かれています。 2回目に演奏する頃には、その曲について知っておくべきことの90パーセントは身についているはずです。 3088>

そうすると、演奏しなければならない曲の30～40パーセントは、彼らにとって非常に簡単で、意図的にそうなるように書かれていることになります。 それから、もっと難しい曲に集中しなければならず、それがリハーサル時間のほとんどを占めています。 25パーセントの曲は、リハーサル時間の60パーセントを費やしています。何度も繰り返して、うまくいかない原因を突き止めなければならないからです。 というのも、クラシックの奏者の多くは、テンポや入力、ダイナミクスの面で指揮者に全面的に頼っているからです。 一方、私たちは、特にドラマーとのアンサンブルに期待をしています。 特定の楽器の音を聴いて演奏することに慣れていない彼らにとって、これは非常に難しいことなのです。 また、クラシック音楽のバックボーンであるメトロノミックな時間感覚を持たないため、リズム感のない人もいます。 しかし、ロックやポップスでは、かなり優れたタイムキーパーでなければ、馬鹿にされ、仕事を得ることも、長く続けることもできません。 クラシック音楽家は、リズムの正確さやフレージング、特に拍子記号やリズム感について、少し物足りないところがある。

私たちが演奏する音楽の中には、オーケストラにシンコペーションやスイングの世界へ踏み込むことを要求するものがあり、それは本質的に難しいことなのです。 これはかなり難しいことなのです。 それを理解する人もいれば、しない人もいる。 決してできない人もいる。 その人たちができる限り近づけるように、そしてそれがあなたが手に入れようとしているものと同じくらい良いものだと受け入れなければならない。 だから、完全に成功することはないのです。 常に程度の問題で、ひとつのユニットとしてまとまって仕事をし、ある音楽的なアイデアを受け入れるという地点に近づこうとするものなんだ。 だからといって、それを試したり楽しんだりすることを止めるつもりはない。

古典的な訓練を受けたミュージシャンと演奏するとき、自分のフルート演奏や歌を意識することはありますか？

自分の歌を意識することはない。 バンドの中で誰も歌えないから私が歌う、そのために私が歌うのです。 仕事としてやるならともかく、コンサートやリハーサルで歌うのは全く恥ずかしくありません。

フルート奏者としては、もちろん、時には有名なオーケストラの首席フルート奏者の前に立ったり、有名なフルートソリストと一緒に演奏したりしなければならないこともありますね。 その時、彼らは私が何をするのか、期待しているのだということを強く意識する。 というのも、私の演奏方法は、完全に独学で学んだものであり、彼らの演奏方法とは多少異なるからです。 その大きな違いは、リズミカルで、よりパーカッシブな呼吸とアンブシュアの使い方で、クラシック音楽では絶対に要求されないような音を出していることです。 私がやっていることが、おそらく彼らよりも優れていることを、彼らは短期間のうちに知っていると思います。 でも、モーツァルトのフルート協奏曲の複雑な音階のモチーフを演奏して、彼らと競い合おうとは思いません。

民族音楽の世界にも、インド古典音楽のような他の伝統の世界にも、素晴らしいフルート奏者がいます。 私は伝説的なハリパサド・チャウラシアという、現存するインドで最も有名なフルート奏者と一緒に演奏したことがあります。 彼と私は、まるで第一次世界大戦中のソッピース・キャメルとフォッカー・トライプレーンのように、どちらが先に銃のボタンに指をかけるか、どちらが先に弾を発射するか、お互いの周囲を回っていたような気がするんです。 そんな、ちょっとした決闘のような感覚を味わうことができます。 しかし、自分のテリトリーを確保しながら、そのメンタリティーを素早く乗り越え、異なる世界をいかに近づけるかを考えなければなりません。 それが、老いぼれたテストステロンが飛び交うような二人の老人では、かなり難しいことなのです。 ハリパサド・チャウラシアと3回ほどコンサートをした後、彼は最後に私を抱きしめて、私と一緒に演奏した経験についてとても褒めてくれました。 彼は私よりかなり年上で、生涯現役で、音楽的にも技術的にもまったく異なる楽器を演奏してきた、紛れもない巨匠です。 ギターのアル・ディメオラ、サックスのビル・エヴァンス、ベースのアンソニー・ジャクソンやヴィクター・ベイリーなど、ジャズ・ミュージシャンと一緒に演奏したことがあるんだ。 世界最高峰の人たちと一緒に演奏しているんですね。 場合によっては、私と同年代かそれ以下であることもある。 競争心や緊張感を乗り越えて、流れに身を任せなければならないのです。 一度落ち着くと、特に即興演奏の場合は、ちょっとした瞬間を見つけることに集中できるようになります。

今回のアルバムにはガブリエル・フォーレの「パヴァーヌ」が収録されていますが、バッハの「ブーレー」は以前からあなたのセットに入っていますね。

他の作曲家の曲を演奏することについては、他の人が私の曲を演奏したときに何が起こるかという私の反応に基づいて、理論を持っています。 誰かが私の曲を演奏したときの最初の反応は、彼らが私の曲を録音するために時間と労力、そして実際にお金を費やしてくれることを光栄に思うことだと思います。 でも、彼らが時間と労力をかけて録音してくれたという事実を否定することはできない。 でも、もし彼らが私の曲を私がやった方法と全く違う方法でやってくれたら、私はもっと最終的な結果を楽しみ、もっと嬉しいと思うでしょう。 だから、キーや拍子記号を変えても、メロディーを少し変えても、それが神聖に聞こえるかもしれないが、言葉をいくつか変えても、私は気にならない。 むしろ、私の曲をまったく別の方法で解釈してくれる人がいるという事実のほうが、はるかに興味深い。 耳も肥えて、さらに嬉しい。 しかし、もし彼らが私と同じようにやってくれたら–ただ、おそらく、それほどうまくはないでしょうが–、私はお世辞を言うかもしれませんが、「何の意味があるのだろう？ なぜ悩むのか」と。

私は、ちょっと変わったことをしたほうが面白いと思っています。 だから、誰かの曲を取り上げるとき、たいていはクラシックか伝統か教会音楽でやっているのですが、良い曲で何ができるのか興味があるんです。 いい曲を壊すことはできないと思っています。ひどく着飾ることはできるし、ひどい服を着せることもできる。 しかし、良い曲の本当の本質を壊すことはできない。 私は、その曲を別の地域に散歩に連れ出して、別の方法で着飾り、新しい友人に紹介することに興味があるのです。 バッハやフォーレ、あるいは伝統的な民謡や教会音楽の作曲家たち、あるいはこれから演奏するモーツァルトの曲のように、今まで一度も演奏したことのない曲を演奏してみたいのです。 私の曲を演奏するときに他の人にやってほしいこと、自分のものにするためにやってほしいことを、これらのクラシック音楽の作曲家にもやってみたいのです」

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