• Ornette Coleman

Coleman, der betragtes som en af grundlæggerne af free jazzen, havde en unik improvisatorisk stemme.

Hans kvartets ankomst til New York med et meget omdiskuteret ophold på Five Spot var enormt kontroversiel, og bandets lyd var ulig noget, der var kommet før det.

Kvartetten spillede et af Ornettes mindeværdige temaer som “head in” i begyndelsen og “head out” i slutningen, ligesom et almindeligt jazzband ville gøre det. Men de improviserede soloer mellem disse melodier undlodede akkordskift og form i en teknik kendt som “time, no changes”.

Trods den radikale karakter af denne måde at spille på er musikken swingende, bluesy og meget præget af jazzens historie.

Coleman ville senere eksperimentere med andre instrumenter og spillede trompet og violin ud over saxofonen. Han omtalte sin tilgang og filosofi som “harmolodics”, selv om den præcise praktiske betydning af dette er noget mystisk.

Anbefalet album med Ornette Coleman: The Shape of Jazz to Come

Dette album, der blev udgivet i 1959, er Colemans mest berømte og indeholder med numre som “Peace” og “Lonely Woman” nogle af hans mest varige kompositioner.

Reaktionen på Coleman-kvartetten var blandet, idet nogle kritikere hyldede en revolutionerende ny retning i jazzen, mens Miles Davis og Charles Mingus var blandt de mest kendte kritikere.

Ornette var autodidakt og kan ikke betragtes som en skolet virtuos i traditionel forstand, men hans skrigende alterlyd er dybt udtryksfuld, og de melodier, han komponerede, er unægteligt stærke.

The Shape of Jazz To Come er hans klassiske tidlige kvartet med Billy Higgins (som senere skulle blive erstattet af Ed Blackwell) på trommer, Charlie Haden på kontrabas og Don Cherry, som nok er Ornettes vigtigste samarbejdspartner, på cornet.

Colemans album Free Jazz fra 1961 gav bevægelsen sit navn.

• Eric Dolphy

Dolphy er en multiinstrumentalist og er bedst kendt som altsaxofonist og for at være en af de første musikere, der spillede basklarinet i jazzmiljøet.

Han spillede også fløjte og, mindre hyppigt, klarinet & piccolo.

Initialt var han forankret i bebop – der findes en privat optagelse af ham, hvor han øver sig med den store trompetist Clifford Brown – men han blev interesseret i avantgarden, og hans spil var kendetegnet ved en noget vild tone og brede intervaller, som måske var påvirket af den moderne klassiske musik.

Sørgeligt nok døde han som kun 36-årig under en turné i Tyskland efter at være faldet i koma som følge af udiagnosticeret diabetes.

Som sideman spillede han med på vigtige album af John Coltrane, Charles Mingus og Oliver Nelson.

Anbefales Eric Dolphy-album: Out To Lunch

Alle musikere på dette album fra 1964 havde en seriøs jazzstamtavle – især trompetisten Freddie Hubbard, der måske snarere betragtes som en hard bop-spiller – men dette er en af de mest fremsynede plader i 1960’ernes Blue Note-katalog.

Kombinationen af Dolphys basklarinet med Bobby Hutcherson’s vibrafon er en særlig karakteristisk lyd.

Drommeslageren Tony Williams (der er med på denne liste over de bedste trommeslagere i jazzhistorien) var lige fyldt 18 år og havde for nylig påbegyndt sin tid i det andet store Miles Davis Quintet.

• John Coltrane

En musiker, der ikke behøver meget introduktion, Coltranes karakteristiske tenorsaxofonlyd kunne høres i en række stilistiske sammenhænge gennem 1950’erne og 60’erne, både som kapelmester og som sideman.

Den hårde bop i First Great Miles Davis Quintet og hans eget Blue Train blev efterfulgt af den nye modale tilgang i Milestones og Kind of Blue og derefter den komplekse, hurtigt bevægende harmoni i kompositioner som Giant Steps og Countdown.

Hans klassiske kvartet, som producerede A Love Supreme, spillede intens modal jazz med en stadig mere spirituel dimension, som antydede den mere frie retning, som Coltranes musik ville tage i de sidste to år af hans liv.

Fra 1965 og frem til sin død af leverkræft i 1967 var hans musik ofte helt improviseret, idet han undlod akkordsekvenser og organiserede tempi.

På sine sidste indspilninger samarbejdede han med musikere som pianisten og harpespilleren Alice Coltrane (som han giftede sig med i 1965), saxofonisterne Archie Shepp og Pharoah Sanders og trommeslageren Rashied Ali, med hvem han indspillede duoalbummet Interstellar Space.

Anbefalet John Coltrane-album: Ascension

Consideret som et skelsættende øjeblik i Coltranes karriere, der signalerede hans bevægelse i retning af free jazz og væk fra hans klassiske kvartetformat med McCoy Tyner, Jimmy Garrison og Elvin Jones.

Det 11-mand store band veksler mellem mere strukturerede ensemblepassager og soloafsnit, der i bund og grund er frie, hvor solisterne får skeletformede harmoniske oplysninger samt instruktionen om at slutte med et crescendo.

Coltranes arbejde fortsatte med at bygge videre på den brølende dissonans, der høres her, og hans sidste par album deler fortsat meningerne blandt fans og kritikere.

• Alice Coltrane

Født som Alice McLeod i Detroit, Michigan, arbejdede hun som jazzpianist i forskellige straight-ahead og swingende sammenhænge, bl.a. med Lucky Thompson, Kenny Clarke og vibrafonisten Terry Gibbs’ kvartet.

Når hun mødte John Coltrane, blev parrets liv og musik mere åbenlyst spirituelle, og hun erstattede McCoy Tyner som pianist i Johns band i 1966, da hans musik tog mere frie former til sig.

Efter sin mands død begyndte hun at indspille som leder.

Nu kan man høre hende på harpe såvel som på klaver & orgel og ledsaget af frodige strygerarrangementer og store ensembler, og disse kosmiske lyde har vist sig at være meget indflydelsesrige.

Anbefales Alice Coltrane-album: Universal Consciousness

Denne indspilning fra 1971 er Alice Coltranes femte soloalbum, hvor orkesterlederen spiller harpe, orgel og bidrager med strygerarrangementer.

Den mystiske og meget spirituelle musik kombinerer elementer fra modal jazz, fri improvisation og mere struktureret komposition. I et essay om “100 Records That Set The World On Fire” i The Wire hedder det, at Universal Consciousness “har en klar forbindelse til andre dyspeptiske jazztraditioner – orgeltrioen, solisterne med strygere – men skyder dem alligevel ud i det ydre rum, det gamle Egypten, Ganges, det hinsides.”

• Cecil Taylor

En anden vigtig pioner inden for amerikansk free jazz, Cecil Taylor, var kendt for sit radikale, perkussive klaverspil og spillede ligesom Ornette Coleman meget eksperimenterende former for jazz allerede i slutningen af 1950’erne i New York.

Klassisk uddannet viste han indflydelse fra moderne europæiske komponister som Bela Bartók og Karlheinz Stockhausen.

Det i 1959 udgivne album Coltrane Time (oprindeligt udgivet under Taylors navn som Stereo Drive) er en mærkelig lytter, hvor pianistens atonale stil står i ekstrem kontrast til et band, der, efter at være blevet sammensat af pladeselskabet, har mere konservative spillere som trompetisten Kenny Dorham på et program af standarder.

Spå et senere tidspunkt, da han ledede sine egne bands, blev han anerkendt som en meget vigtig amerikansk musiker, der optrådte i de store koncertsale og vandt forskellige højtprofilerede priser og stipendier. Han skrev også musik til dans og indarbejdede sin egen poesi i sine musikalske optrædener.

Anbefalet Cecil Taylor-album: Unit Structures

Dette album fra 1966 var Taylors debut for Blue Note Records. Det er et af de mest intense tidlige free jazz-album, og det er stort på atonal dissonans, tunge akkordklynger og komplekse polyrytmer, spillet af en septet med to kontrabassister: bestemt ikke nogen let lytter, men det betragtes nu som en af de vigtigste plader i det årti.

Et essay af Taylor, Sound Structure of Subculture Becoming Major Breath/Naked Fire Gesture, ledsager albummet.

• Albert Ayler

Efter at have spillet R&B i begyndelsen prioriterer Albert Aylers freejazz-indspilninger fra 1960’erne det rene, rå udtryk.

Hans tenorsaxofonlyd er som ingen andres: dyttende, overjordisk og urmenneskelig. Han blev oprindeligt mentor for John Coltrane, lavede åbenlyst spirituel musik og henvendte sig til Coltrane for at få økonomisk hjælp, da han var fattig, men den ældre saxofonists senere indspilninger var til gengæld stærkt påvirket af Ayler.

Ayler påstod faktisk, at “Trane var faderen. Pharoah var sønnen. Jeg var den hellige ånd.”

Han blev undertiden beskyldt for charlatanisme i sin levetid, og han havde ikke megen kommerciel succes. I sidste ende har han dog vist sig at have stor indflydelse på et væld af musikere inden for free jazz og improvisation samt på forskellige eksperimentelle rock- og “noise”-stilarter.

Anbefalet Albert Ayler-album: Spiritual Unity

På dette album fra 1964 er tenorsaxofonisten i selskab med Sunny Murray – en pioner inden for free jazz-trommespil – og bassisten Gary Peacock, der også spillede i mere konventionelle jazztrioer med Bill Evans og Keith Jarrett.

Trioen holder sig sjældent til et strengt tempo, og der er en høj grad af interaktion i gruppen på spil. Ayler jamrer gennem sin saxofon og udnytter instrumentets ekstremiteter og udvidede teknikker, herunder mikrotoner.

Pladen indeholder to gengivelser af den iørefaldende, hymniske Ghosts, en hymne til 60’ernes avantgarde. Trods al Aylers radikalisme og kaos indeholder hans musik også sangbare melodier og elementer fra kirkemusik og blues.

• Sun Ra

Sun Ras meget idiosynkratiske musik trækker på hele jazzens historie – fra ragtime, lyden fra New Orleans, bebop, modal jazz, fusion og free jazz – for at skabe en kosmisk lydverden, der blev forstærket af hans meget teatralske liveoptrædener.

Født Herman Poole Blount, tog han navnet Le Sony’r Ra, som senere blev forkortet til Sun Ra.

Han betragtes som en pioner inden for den afrofuturistiske æstetik og hævdede at være et rumvæsen på en mission fra Saturn. Han er bedst kendt for at lede The Arkestra, hvor han var en tidlig bruger af elektriske keyboards og synthesizere.

Sun Ra døde i 1993, men bandet, som altid har haft en skiftende besætning af spillere, fortsætter med at turnere under ledelse af hans mangeårige discipel, saxofonisten Marshall Allen. De er kendt for at bære kunstfærdige kostumer inspireret af det gamle Egypten og rumalderen.

Rekommenderet Sun Ra-album: Space is the Place

Sun Ra efterlod sig en enorm diskografi, selv om mange af hans tidligere indspilninger var egenproducerede forsøg, der kun blev trykt i små partier; mange havde ikke engang en liste over spornavne eller medvirkende musikere!

Det store ensemble på denne indspilning fra 1972, som ikke må forveksles med soundtrack-albummet til spillefilmen af samme navn fra 1974, omfatter de mange Arkestra-medlemmer Marshall Allen, John Gilmore og Pat Patrick.

Det hypnotiske, sanglignende titelnummer er et af bandets største hits.

• Anthony Braxton

En af de mange bemærkelsesværdige musikere, der kom ud af Association for the Advancement of Creative Musicians (AACM), den Chicago-baserede fortalergruppe & for uddannelse, blev saxofonisten Anthony Braxton, der senere vandt et “Genius Grant” fra MacArthur Foundation (1994) og blev udnævnt til Jazz Master (2004) af National Endowment for the Arts.

Hans enorme diskografi spænder fra avantgardekomposition, skrivning for orkester og opera og venstreorienterede fortolkninger af jazzstandarder og musik af Charlie Parker og Tristano-skolen.

Han spillede også i bands ledet af jazzstjerner som Chick Corea og Dave Holland, med hvem han indspillede den skelsættende Conference of the Birds, selv om han har taget afstand fra ordet ‘jazz’.

Anbefalet album med Anthony Braxton: 3 Compositions of New Jazz

Braxtons debutalbum fra 1968 viser ham sammen med tre andre utroligt vigtige figurer i den amerikanske avantgarde, som alle også stammer fra Chicago og har forbindelser til AACM: violinisten Leroy Jenkins, trompetisten Wadada Leo Smith og Muhal Richard Abrahams, selv om de alle fire kan høres på en række forskellige instrumenter her. T

To af de tre eksperimentelle numre er betitlet med diagrammer, hvilket er noget Braxton er kendt for. Hans efterfølgende plade For Alto (1969) er det første album udelukkende med solosaxofon.

• Archie Shepp

Tenorsaxofonisten Archie Shepp brød ind på den spirende avantgardejazzscene i 1960’ernes New York med optrædener i højt profilerede bands under ledelse af Cecil Taylor og John Coltrane.

Sammen med tenorkollegaen Pharoah Sanders stod han i spidsen for en bevægelse, der tog indflydelse fra forskellige afrikanske kulturer og traditioner.

Han har været involveret i borgerrettighedskampen og har også skrevet og optrådt med poesi og spoken word.

Selv om han primært forbindes med en afrocentrisk form for free jazz, har han også spillet repertoire hentet fra R&B, blues og spirituals, og han har indspillet hyldestalbum til Charlie Parker og Sidney Bechet.

Anbefalet Archie Shepp-album: The Magic of Ju-Ju

Dette var Shepps tiende album som orkesterleder var hans ottende for Impulse! pladeselskabet, der producerede mange af de vigtigste plader fra 1960’ernes amerikanske avantgarde.

I det episke åbningsnummer på denne session fra 1967 kan man se hans lidenskabelige tenor vokse oven på pulserende afrikanske trommer i et ensemble, der omfatter fem percussionister.

• Peter Brötzmann

Den tyske saxofonist og klarinettist Peter Brötzmann var en af de første europæiske musikere, der tog de nye free jazz-lyde fra midten af 1960’erne til sig, da de amerikanske pionerer inden for denne form fandt ud af, at de fik en varmere modtagelse, når de turnerede i Europa end i USA.

Brötzmanns brutale tenorlyd er primært inspireret af Albert Ayler, og efter at have medvirket på over 100 albums fortsætter han med at turnere og indspille. Han er oprindeligt uddannet billedkunstner og har designet coverne til de fleste af sine albums.

Anbefalet Peter Brötzmann-album: Nipples

På dette album fra 1968 spiller Brötzmann sammen med en kraftfuld sekstet af europæiske avantgarde-giganter, herunder den hollandske trommeslager Han Bennink og englænderne Derek Bailey og Evan Parker på henholdsvis guitar og tenorsaxofon.

En anmeldelse på Pitchfork af Scott Hreha sammenligner musikken med “lyden af kød, der bliver revet ud af et spinkelt sæt knogler.”