Om MODERNE DANS (En meget kort & sammenfattet historie)

Moderne dans er et begreb, der beskriver mange typer danseteknikker. Det er en kategori af dansestilarter, der ofte omtales som en genre af dans. Mange af de vigtigste stilarter i denne genre tilskrives specifikke koreografer, som var pionerer inden for nye og unikke måder at bevæge sig på og skabte nye bevægelsesvokabularer baseret på deres personlige filosofier; deres syn på, hvordan dans fungerer som et kunstnerisk redskab. Dansere, der er uddannet i private dansestudier, har ofte en tendens til at forbinde eller henvise til moderne dans med begreberne lyrisk eller moderne dans. Selv om disse studier og konkurrenceformer kan have nogle bevægelser til fælles med professionel moderne dans til koncerter, henviser lyrisk dans faktisk til en kvalitet af bevægelse. Moderne dans betyder normalt, at den er blevet skabt for nylig, udføres til moderne musik og er en fusion af ballet, jazz og moderne stilarter.

Hvad gør så noget til moderne dans? Der er ingen absolutte grænser i verden af professionel dans, men med henblik på dette kursus er her begrænsede definitioner af moderne danseformer, der har mindst et af følgende kendetegn:

• Baseret på en af de kodificerede teknikker fra de tidlige mestre, såsom Graham, Humphrey, Limón, Dunham, Horton eller Cunningham
• Baseret på bevægelser skabt ved brug af åndedrættet, artikulation af torsoen (f.eks. justeret, titreret eller sammentrukket), brug af gulvet eller improvisation, uden behov for udadvendte benpositioner eller spidse fødder
• En fusion af dansestilarter, der bruger bevægelsesvokabularet fra ballet, jazz, moderne, hiphop, afrocaribisk, capoeira og postmoderne dans i den samme koreografi
• En stærk tilknytning til jorden i bevægelsesvalg; en vægt på jordbaserede bevægelser, når man står, og et ordforråd af bevægelser, der udføres, mens man ligger eller sidder på gulvet.

Snarere end en kortfattet definition af, hvad moderne dans er, er det måske mere vigtigt for dig, hvad den kan bidrage til at berige dit liv. Den kan introducere dig til en ny form for teknik, hvor du oplever glæden ved at bevæge dig. Den kan øge din forståelse for musik, andre forskellige kunstarter og bevægelsesformer. Det kan øge din respekt og forståelse for danserens erhverv. Det kan også udvide din bevidsthed og påskønnelse af den måde, du og andre bevæger sig på.

Hver kunstner er et produkt af den tid, han eller hun skaber. Selv om de tidlige moderne dansekunstnere ofte var på forkant med forandringerne, afspejlede mange af dem også de sociale og politiske fordomme og omstændigheder i deres tid. Drivkraften for mange kunstnere i begyndelsen af det 20. århundrede var deres søgen efter elementer i dansen.

Selv om det ikke er muligt at give tilstrækkelig anerkendelse til alle de koreografer, producenter, undervisere og dansere, der har formet den moderne dans, kan flere fremtrædende personer hjælpe med at spore udviklingen af kunstformen, som den praktiseres i studiet og ofte opføres i dag.

• 1900 – 1920: Matriarkerne, Loie Fuller, Isadora Duncan og Ruth St.Denis
• 1920 – 1940: Pionererne, Ted Shawn, Doris Humphrey, Martha Graham, Mary Wigman, Katherine Dunham
• 1940 – 1960: 2. generation, arvebyggerne, José Limón, Hanya Holm
• 1940 – 1960: 2. generation, ikonoklasterne, Merce Cunningham, Lester Horton, Alwin Nikolais
• 1960 – 1980: 2. generation, ikonoklasterne, Merce Cunningham, Lester Horton, Alwin Nikolais
• 1960 – 1980: Synthesizers, Alvin Ailey, Paul Taylor, Twyla Tharp
• 1980 – 2000: Samarbejdspartnere, Pilobolus, Bill T. Jones

Tidligere repræsenterede “Modern Dance” de synspunkter og bevægelseskoncepter, som hver enkelt af flere dansere eller koreografer havde. … Martha Graham-teknik, Doris Humphrey-teknik eller Lestor Horton-teknik. I takt med at dansekunstnerens horisont er blevet udvidet, er bevægelsesformerne også blevet udvidet, og de ligner hinanden mere end de er unikt forskellige. Moderne dans er en yngre kunstform end ballet, og bevægelsesstilen er centreret om danserens egne fortolkninger i stedet for de standardiserede bevægelser og strukturerede trin i den klassiske eller traditionelle ballet. Moderne dans anvender dog mange af det klassiske ordforråd og den klassiske terminologi. I dag bruger mange “ballet”-koreografer den moderne dansers bevægelseskoncepter, og balletdansernes øvelser anvendes nu i de “moderne” teknikker. Moderne dans er kendt for sin uafhængighed, sin opfindsomhed og sin utraditionelle holdning. Mange koreografer inddrager nu i deres værker ikke kun de flygtige moderne danseteknikker, men også principperne fra jazz, afrikansk, ballet og anden etnisk dans.

Udviklingen af moderne dans som kunstform skete ved at bryde ‘reglerne’ for, hvad dans ‘skulle’ være. I løbet af 1900-tallet begyndte europæiske dansere at gøre oprør mod den klassiske ballets stive regler, de strukturerede teknikker, kostumer og balletsko. Mod slutningen af det 19. århundrede optrådte dedikerede personer som Loie Fuller, Ruth St. Denis, Isadora Duncan og Ted Shawn regelmæssigt. I mangel af en bedre betegnelse blev “klassisk” dans sat på de kunstneres arbejde, som mønstrede deres værker på idealiserede græske eller romerske modeller. Disse nye dansere foretrak en mere afslappet og fri dansestil. Moderne dansepionerer dansede med bare fødder og frit flydende, ofte afslørende kostumer.

Modernisme versus realisme

Mange kunstnere gik bevidst væk fra realistiske gengivelser i kunsten og gik over til det, der blev kendt som modernisme. Denne nye stil udforskede subjektive oplevelser, som f.eks. ens følelser og opfattelser snarere end det observerede virkelige liv. Værket så abstrakt ud i modsætning til realistisk. For eksempel er maler Pablo Picassos værker, som indeholder genkendelige kropsdele, men ikke et realistisk ansigt af en kvinde, et eksempel på denne modernistiske bevægelse i kunsten. Den nye dans, eller moderne dans, som den senere blev kendt, var interesseret i at skildre abstraktionen af den menneskelige erfaring snarere end en realistisk genfortælling af en historie. Den nye danseform udforskede personers følelser om verden gennem abstrakte, uoverskuelige og ikke-bogstavelige bevægelser. Ligesom modernismen i kunsten manifesterede den moderne dans sig som et oprør mod fortidens kunstneriske traditioner.

St. Denis og Ted Shawn fandt sammen professionelt og etablerede en skole i Westlake-distriktet i Los Angeles, som tiltrak elever fra hele landet. St. Denis var muse, rollemodel og til tider lærer, mens Shawn primært fokuserede på detaljerne i skolen. Deres kompagni, der fik navnet Denishawn, turnerede i de populære vaudeville-kredse og var det vigtigste seriøse dansekompagni i landet.

Men i det 20. århundredes andet årti var man begyndt at bruge betegnelsen “Modern Dance” for Denishawns efterfølgeres arbejde som Martha Graham, Doris Humphrey, Charles Weidman, Hanya Holm, Helen Tamrisis og Lester Horton. Det vigtigste kendetegn ved moderne dans er, at den opfordrer danserne til at bruge deres følelser og stemninger til at udforme deres trin, kombinationer og danser i stedet for at følge en struktureret teknikkodeks som i balletten. Der blev dannet bevægelsesskoler baseret på den enkelte koreografs bevægelsesvokabular, som var afledt af deres egen opfattelse af, hvor bevægelsesimpulsen opstod, og hvordan den skulle udvikles logisk.

Graham, Humphrey og Weidman afviste Denishawns æstetik og kaldte den “Dansende guder og gudinder” og valgte personlige eller sociale temaer, udført i en udklædning, der lå tættere på moderne klædedragter end de eksotiske kjoler, som tidligere udøvere bar, eller de traditionelle klassiske ballet-tutus. Koreograferne i denne generation udviklede bevægelsesstile, der var slagkraftige og stort set uden den dramatiske “stumfilm”-gestus, der kendetegnede den foregående generation, og uden de stive regler for klassisk teknik. Et andet karakteristisk træk ved moderne dans i modsætning til ballet er den bevidste brug af tyngdekraften. Hvorimod danseren i den klassiske ballet konstant stræber efter at være let og luftig på sine fødder hele tiden. Den moderne danser ønskede at bevæge sig med vægt, da han betragtede gulvet, som han dansede på, som en kilde til styrke, der skulle kurtiseres, snarere end en støtte, som han skulle frigøres fra. De bruger ofte deres kropsvægt til at forstærke bevægelsen. Den moderne danser forkaster den klassiske holdning med en oprejst oprejst krop og vælger i stedet ofte at falde og rulle bevidst på gulvet.

Med start i 1934 tilbød Bennington College Summer School of Dance de studerende mulighed for at studere med de “fire store”: Graham, Humphrey Weidman og Holm. (Hanya Holm emigrerede fra Tyskland og åbnede et studie i New York i 1933, der var baseret på de principper, som Mary Wigman havde udviklet). Ud over teknikken blev der også tilbudt undervisning i komposition, scenekunst og musikhistorie. De studerende kom i høj grad fra lærere på gymnastikafdelinger (meget få skoler tilbød en grad i dans) rundt om i landet.

Offentlig accept kom langsomt i løbet af 1930’erne, men steg i 1940’erne, da denne generation af koreografer blev inviteret til at koreografere musicals til det populære teater og præsentere deres eget kompagni på mere populære teaterscener.

På vestkysten var Lester Horton, hvis oprindelige interesse for Amerind-kulturen (en gruppe af oprindelige indianske indianere) bragte ham til moderne dans. Han etablerede et kompagni og et teater, der udelukkende var helliget dansepræsentation i Los Angeles. Han udnyttede også sine koreografiske talenter i en række film. Horton var farveblind i sin uddannelse af dansere og havde det første integrerede moderne dansekompagni i USA. Han støttede bl.a. Alvin Ailey, Carmen de Lavallade og Janet Collins’ arbejde. Ailey, ligesom Pearl Primus og Katherine Dunham før ham, behandlede temaer som racemæssig lighed, social uretfærdighed og religiøs glød, der stammede fra de sortes erfaringer. Stilistisk set fandt de den narrative struktur fra perioden efter Denishawn mest nyttig for deres arbejde, ligesom senere koreografer som Talley Beatty, Donald McKayle, George Faison, Garth Fagan og Bill T. Jones.

I 1960’erne tog koreograferne afstand fra alle deres forgængeres teatralske konventioner og koncentrerede sig primært om kropsbevægelser, trænede eller utrænede. De optrådte indendørs, udendørs, fra hustage til gaderum, næsten overalt undtagen i prosceniumbuede teatre. Hverdagstøj blev ofte foretrukket som udklædning og til tider også nøgenhed. Denne bevægelse havde sin rod i begyndelsen af 1960’erne med et kursus i komposition, som blev undervist af pianisten, akkompagnatøren og komponisten Robert Dunn på Cunninghams studie. Det var en ikke-fordømmende undervisning, der opmuntrede kursisterne til at forstå logikken i deres egne valg og til at udforske dem fuldt ud.

Moderne dans er blevet og bliver fortsat taget op som en frigjort form for seriøs danseudfoldelse i hvert land, der har været udsat for den. Indflydelsen fra det energiske kreative liv i amerikanske kompagnier stimulerede i vid udstrækning udviklingen af moderne dans i hele verden i anden halvdel af det 20. århundrede. Denne indflydelse har tilskyndet koreograferne til at udvikle det bevægelsessprog, der taler mest direkte til deres publikum. Moderne dans har lige fra begyndelsen tilskyndet til individuel udfoldelse i valg af temaer og opførelsesformer.

Martha Graham, en tidligere elev af Ruth St. Dennis, anses for at være en af de førende pionerer inden for amerikansk moderne dans. For at kunne udtrykke menneskets lidenskab, vrede og ekstase udviklede hun sit helt eget bevægelsessprog. Hun skabte en ny danseteknik, der ligner ballet, men med flere forskelle. Hun fokuserede stærkt på grundlæggende menneskelige bevægelser og koncentrerede sig om bevægelser, hvor man trækker sig sammen og slipper op. I stedet for lange flydende bevægelser var Grahams bevægelser skarpe og takkede. Hendes dans havde til formål at afdække grundlæggende menneskelige følelser gennem bevægelse. “Bevægelse lyver aldrig.” Grahams modige og dristige vision for moderne dans gav hende mange priser, hædersbevisninger og verdensomspændende anerkendelse.

Den moderne dans’ historie er bundet til de sociale, politiske og kunstneriske tendenser i den æra, hvor den blev skabt. Den moderne dans, der begyndte som ny dans i begyndelsen af det 20. århundrede, blev formet af kvindebevægelsen, nye tendenser inden for billedkunst og en voksende kærlighed til den videnskabelige tilgang. Den matriarkalske generation af Isadora Duncan, Lorie Fuller og Ruth St. Denis inspirerede danseverdenens fantasi, da den trak sig væk fra traditionerne fra det foregående århundrede.

Da hver æra i det 20. århundrede ændrede sig, ændrede den moderne dans sig også. 1920’erne til 1930’erne var kunstformens banebrydende æra. Koryfæer som Martha Graham, Doris Humphrey og Katherine Dunham begyndte at forme og definere, hvad denne nye genre af dans skulle være. I 1940’erne og 1950’erne var det pionerernes efterfølgere, der gav anledning til sådanne nye stilistiske variationer gennem kunstneriske giganter som José Limón og Merce Cunningham. Fra 1960 til 1980’erne syntetiserede og genovervejede koreografer og dansere pionerernes arbejde og bragte nye former for bevægelsesordforråd til det moderne danseidiom. Ikoner som Alvin Ailey og Twyla Tharp er emblematiske for denne tid. Den sidste del af det 20. århundrede bragte værdien af samarbejde frem gennem virkelig opfindsomme skaberes arbejde, herunder Bill T. Jones og Pilobolus.

Man kan se ligheder og forskelle mellem traditionel moderne dans og postmoderne dans:

SIMILARITETER:

• Både præsenterede danser, der viste innovative bevægelser.
• Både benyttede temaer, der var sociale, politiske og globale.
• Både benyttede elementerne rum, tid og energi på en måde, der var forskellig fra ballet.

DIFFERENSER:

• En del postmoderne danse var plotløse og uden fortælling; mange traditionelle moderne danse havde stærke fortællende linjer.
• Traditionelle moderne danse anvendte trænede dansere; nogle postmoderne koreografer anvendte utrænede dansere.
• Traditionelle moderne danse anvendte oftest kostumer; postmoderne danse blev ofte præsenteret i hverdagstøj fra gaden.
• Traditionel moderne dans blev ofte præsenteret i teatre; postmoderne dans blev præsenteret mange forskellige steder.

Den postmoderne kunstners bidrag til danseverdenen har haft en dybtgående effekt på den måde, folk koreograferer og ser på dans.

Moderne dansere bruger i dag dansen til at udtrykke deres inderste følelser, ofte for at komme tættere på deres indre selv. Før den moderne danser forsøger at koreografere en kombination eller en dans, beslutter han/hun, hvilke følelser han/hun vil forsøge at formidle til publikum. Mange moderne dansere vælger et emne, der ligger dem meget på sinde, f.eks. en tabt kærlighed eller en personlig fiasko. Danseren får komponeret musik eller bruger allerede komponeret musik, som afspejler eller relaterer til den historie, han/hun ønsker at fortælle, eller han/hun vælger måske slet ikke at bruge musik. Desuden vælger de et kostume, der yderligere afspejler deres valgte følelser.

Moderne danser er fortsat en relevant og levende kunstform i det 21. århundrede. Dens samlende kendetegn er dens reaktion på den tid, den skabes i, dens modstand mod tidligere traditioner og dens konstante revurdering af dens relevans og betydning. Traditionerne og teknikkerne i moderne dans fortsætter med at udvikle sig i takt med, at nye dygtige kunstnere ændrer reglerne.

Sådanne forandringer er sunde ting. En kunstform kan kun vokse, når nye ideer og udtryksformer kommer ind i den!

Moderne dans har og vil altid handle om den verden, vi lever i,

og afspejler alt, hvad verden rummer, i form af bevægelse.