MODERNISTA TANSSISTA (Hyvin lyhyt & tiivistetty historia)

Moderni tanssi on termi, joka kuvaa monenlaisia tanssitekniikoita. Se on tanssityylien luokka, jota usein kutsutaan tanssilajiksi. Monet tämän tyylilajin päätyyleistä ovat tiettyjen koreografien ansiota, jotka ovat olleet edelläkävijöitä uusissa ja ainutlaatuisissa tavoissa liikkua ja luoneet uusia liikesanastoja, jotka perustuvat heidän henkilökohtaisiin filosofioihinsa; heidän näkemyksiinsä siitä, miten tanssi toimii taiteellisena välineenä. Yksityisissä tanssistudioissa koulutetuilla tanssijoilla on usein taipumus yhdistää tai viitata moderniin tanssiin termeillä lyyrinen tai nykytanssi. Vaikka näillä studioilla ja kilpailumuodoilla voi olla joitakin yhteisiä liikkeitä ammattilaisten konserttimaisen nykytanssin kanssa, lyyrinen tanssi viittaa itse asiassa liikkeen laatuun. Nykytanssi tarkoittaa yleensä sitä, että se on luotu hiljattain, sitä esitetään nykymusiikin tahtiin ja se on baletin, jazzin ja modernin tyylin yhdistelmä.

Mikä sitten tekee jostakin nykytanssista nykytanssin? Ammattitanssin maailmassa ei ole olemassa absoluuttisia rajoja, mutta tätä kurssia varten tässä on rajattuja määritelmiä nykytanssin muodoista, joilla on vähintään yksi seuraavista ominaisuuksista:

• Perustuu johonkin varhaisten mestareiden, kuten Grahamin, Humphreyn, Limónin, Dunhamin, Hortonin tai Cunninghamin, koodattuun tekniikkaan
• Perustuu liikkeisiin, jotka on luotu hengityksen, vartalon artikulaation (kuten linjassa, teittyneenä tai supistuneena), lattian käytön tai improvisoinnin avulla, ilman tarvetta jalkojen käännettyihin asentoihin tai teräviin jalkoihin
• Tanssityylien fuusio, jossa käytetään baletin, jazzin, modernin, hiphopin, afro-karibialaisen, capoeiran ja postmodernin tanssin liikesanastoa samassa koreografiassa
• Vahva assosiaatio maahan liikevalinnoissa; maanläheisen liikkeen korostaminen seistessä ja lattialla maaten tai istuen tehtyjen liikkeiden sanasto.

Ennemmin kuin tiivis määritelmä siitä, mitä nykytanssi on, sinulle on ehkä tärkeämpää se, mitä se voi edistää elämäsi rikastuttamista. Se voi tutustuttaa sinut uuteen tekniikkamuotoon, jossa koet liikkeen iloa. Se voi lisätä musiikin, muiden taiteiden ja liikuntamuotojen arvostusta. Se voi lisätä kunnioitustasi ja ymmärrystäsi tanssijan ammattia kohtaan. Se voi myös laajentaa tietoisuuttasi ja arvostustasi siitä, miten sinä ja muut liikkuvat.

Jokainen taiteilija on sen ajan tuote, jossa hän luo. Vaikka varhaisen modernin tanssin taiteilijat olivat usein muutoksen kärjessä, monet heistä heijastivat myös aikansa sosiaalisia ja poliittisia ennakkoluuloja ja olosuhteita. Monien 1900-luvun alun taiteilijoiden liikkeellepanevana voimana oli tanssin elementtien etsiminen.

Vaikka ei ole mahdollista antaa riittävää tunnustusta kaikille modernia tanssia muokanneille koreografeille, tuottajille, kasvattajille ja tanssijoille, useat merkittävät henkilöt voivat auttaa jäljittämään taidemuodon kehittymistä sellaiseksi kuin sitä harjoitetaan studiossa ja esitetään usein nykyään.

• 1900 – 1920: Denis
• 1920 – 1940: Matriarkat, Loie Fuller, Isadora Duncan ja Ruth St.Denis
• 1920 – 1940: Pioneerit, Ted Shawn, Doris Humphrey, Martha Graham, Mary Wigman, Katherine Dunham
• 1940 – 1960: 2. sukupolvi, perinnönrakentajat, José Limón, Hanya Holm
• 1940 – 1960: 2. sukupolvi, ikonoklastit, Merce Cunningham, Lester Horton, Alwin Nikolais
• 1960 – 1980: Tharp
• 1980 – 2000: Syntetisaattorit, Alvin Ailey, Paul Taylor, Twyla Tharp
• 1980 – 2000: Aiemmin ”moderni tanssi” edusti useiden tanssijoiden tai koreografien näkemyksiä ja liikekäsityksiä. … Martha Grahamin tekniikka, Doris Humphreyn tekniikka tai Lestor Hortonin tekniikka. Kun tanssitaiteilijan horisontti on laajentunut, myös liikemuodot ovat laajentuneet, ja ne näyttävät enemmän samanlaisilta kuin ainutlaatuisen erilaisilta. Nykytanssi on balettia nuorempi taidemuoto, ja liiketyyli keskittyy tanssijan omiin tulkintoihin klassisen tai perinteisen baletin standardoitujen liikkeiden ja strukturoitujen askelten sijaan. Moderni tanssi käyttää kuitenkin paljon klassista sanastoa ja terminologiaa. Nykyään monet balettikoreografit hyödyntävät modernin tanssijan liikekäsitteitä, ja balettitanssijan harjoitteita käytetään nykyään ”moderneissa” tekniikoissa. Moderni tanssi tunnetaan itsenäisyydestään, kekseliäisyydestään ja ei-perinteisestä asenteestaan. Monet koreografit sisällyttävät nykyään teoksiinsa paitsi vaikeasti lähestyttäviä modernin tanssin tekniikoita, myös jazzin, afrikkalaisen, baletin ja muun etnisen tanssin periaatteita.

  Modernin tanssin kehittyminen taidemuotona sai alkunsa rikkomalla ”sääntöjä” siitä, mitä tanssin ”kuuluisi” olla. 1900-luvulla eurooppalaiset tanssijat alkoivat kapinoida klassisen baletin jäykkiä sääntöjä, strukturoituja tekniikoita, pukuja ja balettikenkiä vastaan. 1800-luvun loppupuolella omistautuneet henkilöt, kuten Loie Fuller, Ruth St. Denis, Isadora Duncan ja Ted Shawn, esiintyivät säännöllisesti. Paremman nimen puuttuessa ”klassinen” tanssi liitettiin niiden taiteilijoiden työhön, jotka suunnittelivat teoksiaan kreikkalaisten tai roomalaisten ihanteellisten mallien mukaan. Nämä uudet tanssijat suosivat rennompaa, vapaampaa tanssityyliä. Modernin tanssin pioneerit tanssivat paljain jaloin ja vapaasti virtaavissa, usein paljastavissa puvuissa.

  Modernismi vs. realismi

  Monet taiteilijat ryhtyivät tietoisesti irtautumaan realistisesta kuvauksesta taiteessa siihen, mikä tunnettiin nimellä modernismi. Tämä uusi tyyli tutki subjektiivisia kokemuksia, kuten omia tunteita ja käsityksiä, pikemminkin kuin havainnoitua tosielämää. Teokset näyttivät abstrakteilta toisin kuin realistisilta. Esimerkiksi taidemaalari Pablo Picasson teokset, jotka sisältävät tunnistettavia ruumiinosia mutta eivät naisen realistisia kasvoja, ovat esimerkki tästä modernistisesta taidesuuntauksesta. Uusi tanssi tai moderni tanssi, kuten sitä myöhemmin alettiin kutsua, oli kiinnostunut kuvaamaan inhimillisen kokemuksen abstraktiota realistisen tarinan uudelleenkertomisen sijaan. Uusi tanssimuoto tutki persoonan tuntemuksia maailmasta abstrahoidun, selkeän ja kirjaimettoman liikkeen avulla. Aivan kuten modernismi taiteessa, myös moderni tanssi ilmeni kapinana menneisyyden taiteellisia perinteitä vastaan.

  St. Denis ja Ted Shawn tulivat ammatillisesti yhteen ja perustivat Los Angelesin Westlaken kaupunginosaan koulun, joka houkutteli oppilaita ympäri maata. St. Denis oli muusana, esikuvana ja joskus opettajana, kun taas Shawn keskittyi lähinnä yksityiskouluun. Heidän Denishawn-niminen seurueensa kiersi suosituilla vaudeville-piireillä ja oli maan merkittävin vakavasti otettava tanssiryhmä.

  2000-luvun toiselle vuosikymmenelle tultaessa nimitystä ”moderni tanssi” oli alettu käyttää kuvaamaan Denishawnin seuraajien, kuten Martha Grahamin, Doris Humphreyn, Charles Weidmanin, Hanya Holmin, Helen Tamrisiksen ja Lester Hortonin, työtä. Modernin tanssin tärkein piirre on, että se rohkaisee tanssijoita käyttämään tunteitaan ja mielialojaan askeltensa, yhdistelmiensä ja tanssinsa suunnittelussa sen sijaan, että he noudattaisivat strukturoitua tekniikkakoodistoa kuten baletissa. Liikekouluja muodostettiin yksittäisen koreografin liikesanastoon perustuen, jotka olivat peräisin hänen omasta käsityksestään siitä, mistä liikeimpulssi sai alkunsa ja miten sitä tuli loogisesti kehittää.

  Graham, Humphrey ja Weidman hylkäsivät Denishawnin estetiikan, jota he nimittivät ”tanssiviksi jumaliksi ja jumalattariksi”, ja valitsivat henkilökohtaisia tai sosiaalisia teemoja, jotka esitettiin puvustuksessa, joka oli lähempänä nykypukeutumista, kuin aikaisempien esiintyjien käyttämät eksoottiset puvut tai perinteiset klassisen baletin tutut. Tämän sukupolven koreografit kehittivät liiketyylejä, jotka olivat perkussiivisia ja lähes vailla edelliselle sukupolvelle tyypillisiä dramaattisia ”mykkäelokuvamaisia” eleitä sekä klassisen tekniikan jäykkiä sääntöjä. Toinen baletin vastakohtainen piirre modernille tanssille on painovoiman tietoinen käyttö. Kun taas klassisessa baletissa tanssija pyrkii jatkuvasti olemaan koko ajan kevyt ja ilmava jaloillaan. Moderni tanssija halusi painavaa liikettä, sillä hän piti lattiaa, jolla hän tanssi, pikemminkin voiman lähteenä, jota piti kosiskella kuin tukena, josta piti vapautua. He käyttävät usein kehonpainoaan tehostaakseen liikettä. Nykytanssija hylkää klassisen pystyasennon, jossa vartalo on pystyssä, ja valitsee sen sijaan usein tarkoitukselliset kaatumiset ja pyörähdykset lattialla.

  Vuonna 1934 alkanut Bennington Collegen kesätanssikoulu tarjosi opiskelijoille mahdollisuuden opiskella ”neljän suuren” tanssijan kanssa: Grahamin, Humphrey Weidmanin ja Holmin kanssa. (Hanya Holm muutti Saksasta ja avasi New Yorkiin vuonna 1933 studion, joka perustui Mary Wigmanin kehittämiin periaatteisiin). Tekniikan lisäksi tarjottiin sävellys-, näyttämötaidon ja musiikin historian kursseja. Opiskelijakunta koostui paljolti liikuntaosastojen opettajista (hyvin harvat koulut tarjosivat tanssin tutkintoa) eri puolilla maata.

  Julkinen hyväksyntä tuli hitaasti 1930-luvulla, mutta lisääntyi 1940-luvulla, kun tätä koreografisukupolvea kutsuttiin koreografioimaan musikaaleja populaariteattereihin ja esittelemään omaa ryhmäänsä populaarimmissa teatteritiloissa.

  Läntisellä rannikolla Lester Horton, jonka alkuperäinen kiinnostus amerind-kulttuuriin (Amerikan alkuperäiskansojen intiaaniryhmä) toi hänet nykytanssin pariin. Hän perusti Los Angelesiin kokonaan tanssin esittämiselle omistetun ryhmän ja teatterin. Hän hyödynsi koreografisia lahjojaan myös useissa elokuvissa. Horton koulutti tanssijoita värisokeasti, ja hänellä oli Yhdysvaltojen ensimmäinen integroitu modernin tanssin ryhmä. Hän edisti muun muassa Alvin Aileyn, Carmen de Lavalladen ja Janet Collinsin työtä. Ailey, kuten Pearl Primus ja Katherine Dunham ennen häntä, käsitteli mustien kokemuksista kumpuavia teemoja rotujen tasa-arvosta, sosiaalisesta epäoikeudenmukaisuudesta ja uskonnollisesta kiihkosta. Tyylillisesti he pitivät Denishawnin jälkeisen ajan kerronnallista rakennetta hyödyllisimpänä työssään, kuten myöhemmätkin koreografit, kuten Talley Beatty, Donald McKayle, George Faison, Garth Fagan ja Bill T. Jones.

  1960-luvulla koreografit irtautuivat kaikista edeltäjiensä teatterillisista konventioista ja keskittyivät ensisijaisesti kehon liikkeisiin, treenattuihin tai treenaamattomiin. He esiintyivät sisätiloissa, ulkona, katoilla ja katujen varsilla, lähes kaikkialla muualla paitsi näyttämökaarellisissa teattereissa. Puvustuksena suosittiin usein arkivaatteita ja toisinaan myös alastomuutta. Tämä liike sai alkunsa 1960-luvun alussa, kun pianisti, säestäjä ja säveltäjä Robert Dunn opetti sävellyskurssia Cunninghamin studiossa. Se oli tuomitsematonta opetusta, joka rohkaisi kurssilaisia ymmärtämään omien valintojensa logiikan ja tutkimaan niitä täysimittaisesti.

  Moderni tanssi on otettu ja otetaan edelleen käyttöön vapautuneena vakavan tanssi-ilmaisun muotona jokaisessa maassa, jossa sille on altistuttu. Amerikkalaisten seurueiden tarmokkaan luovan elämän vaikutus stimuloi laajalti modernin tanssin kehitystä kaikkialla maailmassa 1900-luvun jälkipuoliskolla. Tämä vaikutus on rohkaissut koreografeja kehittämään liikekieltä, joka puhuttelee suorimmin heidän yleisöään. Moderni tanssi on alusta alkaen kannustanut yksilölliseen ilmaisuun aiheiden ja esitystapojen valinnassa.

  Martha Grahamia, Ruth St. Dennisin entistä oppilasta, pidetään yhtenä amerikkalaisen modernin tanssin tärkeimmistä pioneereista. Ilmaistakseen ihmisen intohimoa, raivoa ja ekstaasia hän kehitti aivan oman liikekielensä. Hän loi uuden tanssitekniikan, joka muistuttaa balettia mutta jossa on useita eroja. Hän keskittyi voimakkaasti ihmisen perusliikkeisiin ja keskittyi supistumisen ja vapautumisen liikkeisiin. Pitkien sujuvien liikkeiden sijaan Grahamin liikkeet olivat teräviä ja rosoisia. Hänen tanssinsa pyrki paljastamaan ihmisen perustunteita liikkeen kautta. ”Liike ei koskaan valehtele.” Grahamin rohkea ja rohkea näkemys modernista tanssista toi hänelle monia palkintoja, kunnianosoituksia ja maailmanlaajuista tunnustusta.

  Modernin tanssin historia on sidoksissa sen aikakauden yhteiskunnallisiin, poliittisiin ja taiteellisiin suuntauksiin, jolloin se luotiin. Modernia tanssia, joka alkoi uutena tanssina 1900-luvun alkupuolella, muokkasivat naisliike, kuvataiteen uudet suuntaukset ja kasvava rakkaus tieteelliseen lähestymistapaan. Isadora Duncanin, Lorie Fullerin ja Ruth St. Denisin matriarkaalinen sukupolvi innoitti tanssimaailman mielikuvitusta sen irrottautuessa edellisen vuosisadan perinteistä.

  Kun jokainen 1900-luvun aikakausi muuttui, niin muuttui myös moderni tanssi. 1920-1930-luvut olivat taidemuodon uraauurtavaa aikaa. Martha Grahamin, Doris Humphreyn ja Katherine Dunhamin kaltaiset valovoimaiset taiteilijat alkoivat muokata ja määritellä, mitä tämä uusi tanssilaji tulisi olemaan. 1940- ja 1950-luvuilla edelläkävijöiden seuraajat synnyttivät uusia tyylillisiä variaatioita José Limónin ja Merce Cunninghamin kaltaisten taiteellisten jättiläisten työn kautta. Vuodesta 1960 aina 1980-luvulle asti koreografit ja tanssijat syntetisoivat ja tarkastelivat uudelleen pioneerien työtä tuoden uudenlaista liikesanastoa modernin tanssin lajityyppiin. Alvin Aileyn ja Twyla Tharpin kaltaiset ikonit ovat tämän ajan symboleita. 1900-luvun loppupuoli toi esiin yhteistyön arvon todella kekseliäiden tekijöiden, kuten Bill T. Jonesin ja Piloboluksen, työn kautta.

  Voidaan nähdä yhtäläisyyksiä ja eroja perinteisen modernin tanssin ja postmodernin tanssin välillä:

  SIMILAARISUUDET:

  • Kummatkin esittivät tansseja, jotka osoittivat innovatiivista liikettä.
  • Kumpikin hyödynsi sosiaalisia, poliittisia ja globaaleja teemoja.
  • Kumpikin hyödynsi tilan, ajan ja energian elementtejä baletista poikkeavalla tavalla.

  EROT:

  • Jotkut postmoderneista tansseista olivat juonettomia ja vailla tarinankerrontaa; monissa perinteisissä modernitansseissa oli vahvat kerronnalliset linjat.
  • Traditionaaliset modernit tanssit käyttivät koulutettuja tanssijoita; jotkut postmodernit koreografit käyttivät kouluttamattomia tanssijoita.
  • Traditionaaliset modernit tanssit hyödynsivät useimmiten pukuja; postmoderneja tansseja esitettiin usein jokapäiväisissä katuvaatteissa.
  • Traditionaaliset modernit tanssit esitettiin usein teattereissa; postmoderneja tansseja esitettiin useissa erilaisissa tiloissa.

  Postmodernin taiteilijan panoksella tanssimaailmaan on ollut suuri vaikutus siihen, miten ihmiset koreografoivat ja katsovat tanssia.

  Modernit tanssijat käyttävät nykyään tanssia ilmaistakseen sisäisimpiä tunteitaan, usein päästäkseen lähemmäs omaa sisintään. Ennen kuin nykytanssija yrittää koreografoida yhdistelmän tai tanssin, hän päättää, mitä tunteita hän yrittää välittää yleisölle. Monet nykytanssijat valitsevat aiheen, joka on lähellä heidän sydäntään, kuten menetetty rakkaus tai henkilökohtainen epäonnistuminen. Tanssija säveltää musiikkia tai käyttää jo sävellettyä musiikkia, joka kuvastaa tai liittyy tarinaan, jonka hän haluaa kertoa, tai hän voi päättää olla käyttämättä musiikkia lainkaan. Lisäksi he valitsevat puvun, joka kuvastaa heidän valitsemiaan tunteita.

  Moderni tanssi on edelleen ajankohtainen ja elinvoimainen taidemuoto 2000-luvulla. Sen yhdistäviä piirteitä ovat sen reagointi aikaan, jossa sitä luodaan, sen vastarinta menneisiin perinteisiin ja sen jatkuva merkityksellisyyden ja merkityksen uudelleenarviointi. Nykytanssin perinteet ja tekniikat kehittyvät jatkuvasti uusien lahjakkaiden taiteilijoiden muuttaessa sääntöjä.

  Tällainen muutos on terve asia. Taidemuoto voi kasvaa vain, kun siihen tulee uusia ideoita ja ilmaisutapoja!

  Moderni tanssi on aina kertonut ja tulee aina kertomaan maailmasta, jossa elämme,

  heijastaen liikkeen muodossa kaikkea, mitä maailma sisältää.