• Ornette Coleman

Uznawany za jednego z założycieli free jazzu, Coleman posiadał unikalny głos improwizacyjny.

Przyjazd jego kwartetu do Nowego Jorku, z budzącą wiele kontrowersji rezydencją w Five Spot, był ogromnie kontrowersyjny, a brzmienie zespołu było niepodobne do żadnego innego, który pojawił się przed nim.

Kwartet grał jeden z pamiętnych tematów Ornette’a jako „head in” na początku i „head out” na końcu, tak jak standardowy zespół jazzowy. Jednak improwizowane solówki pomiędzy tymi melodiami zrezygnowały ze zmian akordów i formy, w technice znanej jako „time, no changes”.

Pomimo radykalnej natury tego sposobu grania, muzyka jest swingująca, bluesowa i bardzo dobrze poinformowana przez historię jazzu.

Coleman później eksperymentował z innymi instrumentami, grając na trąbce i skrzypcach oprócz saksofonu. Określił swoje podejście i filozofię jako „harmolodics”, choć dokładne praktyczne znaczenie tego jest nieco tajemnicze.

Polecany album Ornette Coleman: The Shape of Jazz to Come

Wydany w 1959 roku, jest to najbardziej znany album Colemana i w utworach takich jak 'Peace’ i 'Lonely Woman’, zawiera niektóre z jego najbardziej trwałych kompozycji.

Reakcja na kwartet Colemana była mieszana, z niektórymi krytykami hołdującymi rewolucyjnemu nowemu kierunkowi w jazzie, podczas gdy głośni krytycy obejmowali Milesa Davisa i Charlesa Mingusa.

Ornette był samoukiem i nie może być uważany za szkolonego wirtuoza w tradycyjnym sensie, ale jego płaczliwy dźwięk altowy jest głęboko ekspresyjny, a melodie, które skomponował są niezaprzeczalnie silne.

The Shape of Jazz To Come zawiera jego klasyczny wczesny kwartet z Billym Higginsem (który później został zastąpiony przez Eda Blackwella) na perkusji, Charlie Hadenem na kontrabasie i Donem Cherry, prawdopodobnie najważniejszym współpracownikiem Ornette’a, na kornecie.

Coleman w 1961 roku album Free Jazz dał ruchowi jego nazwę.

• Eric Dolphy

Wieloinstrumentalista, Dolphy jest najbardziej znany jako saksofonista altowy oraz jako jeden z pierwszych muzyków grających na klarnecie basowym w środowisku jazzowym.

Grał również na flecie oraz, rzadziej, na klarnecie & piccolo.

Początkowo zakorzeniony w bebopie – istnieje prywatne nagranie, na którym ćwiczył z wielkim trębaczem Cliffordem Brownem – zainteresował się awangardą, jego gra charakteryzowała się nieco dzikim tonem i szerokimi interwałami, na które mogła mieć wpływ współczesna muzyka klasyczna.

Smutno, zmarł w wieku zaledwie 36 lat podczas trasy koncertowej w Niemczech, zapadłszy w śpiączkę w wyniku niezdiagnozowanej cukrzycy.

Jako sideman grał na ważnych albumach Johna Coltrane’a, Charlesa Mingusa i Olivera Nelsona.

Polecany album Erica Dolphy’ego: Out To Lunch

Wszyscy muzycy na tym albumie z 1964 roku mieli poważny jazzowy rodowód – zwłaszcza trębacz Freddie Hubbard, o którym być może myśli się bardziej jako o hard bopowym graczu – ale jest to jedna z najbardziej przyszłościowych płyt w katalogu Blue Note z lat 60.

Połączenie klarnetu basowego Dolphy’ego z wibrafonem Bobby’ego Hutchersona to szczególnie charakterystyczne brzmienie.

Perkusista Tony Williams (umieszczony na tej liście najlepszych perkusistów w historii jazzu) właśnie skończył 18 lat i niedawno rozpoczął swoją przygodę z Drugim Wielkim Kwintetem Milesa Davisa.

• John Coltrane

Muzyk, którego nie trzeba przedstawiać, charakterystyczne brzmienie saksofonu tenorowego Coltrane’a można było usłyszeć w wielu stylistykach w latach 50. i 60., zarówno jako bandleadera, jak i sidemana.

Po hard bopie Pierwszego Wielkiego Kwintetu Milesa Davisa i jego własnym Blue Train nastąpiło nowe modalne podejście Milestones i Kind of Blue, a następnie złożona, szybko poruszająca się harmonia kompozycji takich jak Giant Steps i Countdown.

Jego klasyczny kwartet, który wyprodukował A Love Supreme, grał intensywny modalny jazz z coraz bardziej duchowym wymiarem, co wskazywało na swobodniejszy kierunek, jaki muzyka Coltrane’a miała obrać przez ostatnie dwa lata jego życia.

Od 1965 roku do śmierci z powodu raka wątroby w 1967 roku jego muzyka była często całkowicie improwizowana, rezygnując z sekwencji akordów i zorganizowanych temp.

Jego ostatnie nagrania pokazują jego współpracę z muzykami, w tym pianistką i harfistką Alice Coltrane (którą poślubił w 1965 roku), saksofonistami Archie Sheppem i Pharoah Sandersem oraz perkusistą Rashiedem Ali, z którym nagrał duetowy album Interstellar Space.

Polecany album Johna Coltrane’a: Ascension

Uważany za przełomowy moment w karierze Coltrane’a, sygnalizował jego ruch w kierunku free jazzu i odejście od klasycznego formatu kwartetu z McCoyem Tynerem, Jimmym Garrisonem i Elvinem Jonesem.

11-częściowy zespół przeplata bardziej ustrukturyzowane pasaże zespołowe z sekcjami solowymi, które są zasadniczo wolne, z solistami, którzy otrzymują szkieletowe informacje harmoniczne, plus instrukcje, aby zakończyć z crescendo.

Praca Coltrane’a kontynuowała budowanie na ryczącym dysonansie słyszanym tutaj, a jego ostatnie kilka albumów nadal dzieli opinie wśród fanów i krytyków.

• Alice Coltrane

Urodzona jako Alice McLeod w Detroit, Michigan, pracowała jako pianistka jazzowa w różnych ustawieniach straight-ahead i swingujących, w tym z Lucky Thompsonem, Kennym Clarke’em i kwartetem wibrafonisty Terry’ego Gibbsa.

Po tym, jak poznała Johna Coltrane’a życie pary i muzyka stały się bardziej jawnie duchowe, a ona zastąpiła McCoya Tynera jako pianistka w zespole Johna w 1966 roku, gdy jego muzyka objęła swobodniejsze formy.

Po śmierci męża zaczęła nagrywać jako liderka.

Teraz słyszalna na harfie, jak również na fortepianie & organach, z towarzyszeniem bujnych aranżacji smyczkowych i dużych zespołów, te kosmiczne dźwięki okazały się bardzo wpływowe.

Polecany album Alice Coltrane: Universal Consciousness

To nagranie z 1971 roku jest piątym solowym albumem Alice Coltrane, na którym bandleaderka gra na harfie, organach i współtworzy aranżacje smyczkowe.

Mistyczna i wysoce uduchowiona muzyka łączy elementy modalnego jazzu, swobodnej improwizacji i bardziej ustrukturyzowanej kompozycji. Esej na temat „100 Records That Set The World On Fire” w The Wire stwierdza, że Universal Consciousness „wyraźnie łączy się z innymi dyspeptycznymi tradycjami jazzowymi – trio organowe, soliści ze smyczkami – a jednak wystrzeliwuje je w przestrzeń kosmiczną, starożytny Egipt, Ganges, wielkie zaświaty.”

• Cecil Taylor

Kolejny ważny pionier amerykańskiego free jazzu, Cecil Taylor był znany ze swojej radykalnej, perkusyjnej gry na fortepianie i, podobnie jak Ornette Coleman, grał wysoce eksperymentalne formy jazzu już pod koniec lat 50. w Nowym Jorku.

Klasycznie wykształcony, wykazywał wpływ nowoczesnych kompozytorów europejskich, w tym Bela Bartók i Karlheinz Stockhausen.

Album Coltrane Time z 1959 roku (początkowo wydany pod nazwiskiem Taylora jako Stereo Drive) jest dziwnym słuchowiskiem, z atonalnym stylem pianisty kontrastującym skrajnie z zespołem, który, po złożeniu przez wytwórnię, zawiera bardziej konserwatywnych graczy, takich jak trębacz Kenny Dorham w programie standardów.

Później, gdy prowadził własne zespoły, został uznany za bardzo ważnego amerykańskiego muzyka, występującego w głównych salach koncertowych i zdobywającego różne prestiżowe nagrody i stypendia. Pisał również muzykę do tańca i włączał własną poezję do swoich występów muzycznych.

Polecany album Cecila Taylora: Unit Structures

Ten album z 1966 roku był debiutem Taylora dla Blue Note Records. Jest to jeden z najbardziej intensywnych wczesnych albumów free jazzowych, z dużą ilością atonalnego dysonansu, ciężkimi klastrami akordów i złożonymi polirytmami, grany przez septet, w skład którego wchodzi dwóch kontrabasistów: z pewnością nie jest to łatwy odsłuch, ale obecnie uważany jest za jedną z najważniejszych płyt dekady.

Do albumu dołączony jest esej Taylora, Sound Structure of Subculture Becoming Major Breath/Naked Fire Gesture.

• Albert Ayler

Po początkowym graniu R&B, w nagraniach free jazzowych Alberta Aylera z lat 60. priorytetem jest czysta, surowa ekspresja.

Jego brzmienie saksofonu tenorowego jest jak niczyje inne: trąbiące, inne niż świat i pierwotne. Początkowo był mentorem Johna Coltrane’a, tworząc jawnie duchową muzykę i zwracając się do Coltrane’a o pomoc finansową, gdy był bez środków do życia, ale późniejsze nagrania starszego saksofonisty były z kolei pod silnym wpływem Aylera.

Indeed, Ayler twierdził, że, „Trane był ojcem. Pharoah był synem. I was the holy ghost.”

He was sometimes accused of charlatanism during his lifetime and he enjoyed little commercial success. Jednak ostatecznie okazał się bardzo wpływowy na wielu muzyków w świecie free jazzu i improv, a także na różne eksperymentalne style rockowe i 'noise’.

Polecany album Alberta Aylera: Spiritual Unity

Ten album z 1964 roku widzi saksofonistę tenorowego w towarzystwie Sunny’ego Murraya – pioniera perkusji free jazzowej – i basisty Gary’ego Peacocka, który grał również w bardziej konwencjonalnych ustawieniach tria jazzowego z Billem Evansem i Keithem Jarrettem.

Trio rzadko trzyma się ścisłego tempa i w grze jest wysoki stopień interakcji grupowej. Ayler zawodzi przez swój saksofon, wykorzystując skrajności instrumentu i rozszerzone techniki, w tym mikrotony.

Na płycie znajdują się dwa wykonania chwytliwego, hymnicznego Ghosts, hymnu awangardy lat 60-tych. Przy całym radykalizmie i chaosie Aylera, jego muzyka zawiera również śpiewne melodie oraz elementy muzyki kościelnej i bluesa.

• Sun Ra

Wysoko idiosynkratyczna muzyka Sun Ra czerpie z całej historii jazzu – od ragtime’u, dźwięków Nowego Orleanu, bebopu, jazzu modalnego, fusion i free jazzu – tworząc kosmiczny świat dźwięków, który został wzmocniony przez jego wysoce teatralne występy na żywo.

Urodzony jako Herman Poole Blount, przyjął nazwisko Le Sony’r Ra, które później zostało skrócone do Sun Ra.

Uważany za pioniera estetyki afrofuturyzmu, twierdził, że jest kosmitą na misji z Saturna. Jest najbardziej znany z prowadzenia The Arkestra, w którym był wczesnym przyjęciem elektrycznych instrumentów klawiszowych i syntezatorów.

Sun Ra zmarł w 1993 roku, ale zespół, który zawsze miał rotacyjną obsadę graczy, kontynuuje trasę pod przewodnictwem swojego długoletniego ucznia, saksofonisty Marshalla Allena. Są oni znani z noszenia wyszukanych kostiumów inspirowanych starożytnym Egiptem i epoką kosmiczną.

Polecany album Sun Ra: Space is the Place

Sun Ra pozostawił po sobie ogromną dyskografię, chociaż wiele z jego wcześniejszych nagrań było wysiłkami produkowanymi samodzielnie, które były drukowane tylko w małych partiach; wiele z nich nie zawierało nawet listy nazw utworów lub występujących muzyków!

Nie mylić z albumem soundtrackowym do filmu fabularnego z 1974 roku o tej samej nazwie, duży zespół na tym nagraniu z 1972 roku zawiera długoletnich członków Arkestry: Marshalla Allena, Johna Gilmore’a i Pata Patricka.

Hipnotyczny, śpiewny utwór tytułowy jest jednym z największych hitów zespołu.

• Anthony Braxton

Jeden z wielu godnych uwagi muzyków, którzy wyłonili się z Association for the Advancement of Creative Musicians (AACM), chicagowskiej grupy edukacyjnej, saksofonista Anthony Braxton miałby zdobyć „Genius Grant” od Fundacji MacArthura (1994) i zostać nazwany National Endowment for the Arts Jazz Master (2004).

Jego ogromna dyskografia obejmuje kompozycje awangardowe, pisanie dla orkiestry i opery oraz lewicowe interpretacje standardów jazzowych i muzyki Charliego Parkera oraz szkoły Tristano.

Grał również w zespołach prowadzonych przez wielkich jazzmanów, w tym Chicka Coreę i Dave’a Hollanda, z którymi nagrał przełomową Conference of the Birds, choć dystansował się od słowa „jazz”.

Polecany album Anthony’ego Braxtona: 3 Compositions of New Jazz

Debiut Braxtona z 1968 roku przedstawia go obok trzech innych niesłychanie ważnych postaci amerykańskiej awangardy, z których wszyscy również pochodzą z Chicago i mają związki z AACM: skrzypka Leroya Jenkinsa, trębacza Wadada Leo Smitha i Muhala Richarda Abrahamsa, choć całą czwórkę słyszymy tu na całym wachlarzu instrumentów. T

Dwa z trzech eksperymentalnych utworów zatytułowane są schematami, z czego Braxton jest znany. Jego następna płyta For Alto (1969) jest pierwszym całkowicie solowym albumem saksofonowym.

• Archie Shepp

Saksofonista tenorowy Archie Shepp pojawił się na rodzącej się scenie awangardowego jazzu w Nowym Jorku w latach 60. dzięki występom w zespołach prowadzonych przez Cecila Taylora i Johna Coltrane’a.

Wraz z kolegą tenorem Pharoah Sanders, był na czele ruchu, który wziął wpływ z różnych kultur i tradycji afrykańskich.

Był zaangażowany w walkę o prawa obywatelskie, a także pisał i wykonywał poezję oraz słowo mówione.

Chociaż jest przede wszystkim kojarzony z afrocentryczną marką free jazzu, grał również repertuar czerpiący z R&B, bluesa i spirituals, a także nagrał albumy w hołdzie Charliemu Parkerowi i Sidneyowi Bechetowi.

Polecany album Archie Shepp: The Magic of Ju-Ju

To był dziesiąty album Sheppa jako bandleadera był jego ósmym dla Impulse! wytwórni płytowej, która wyprodukowała wiele z najważniejszych płyt amerykańskiej awangardy lat sześćdziesiątych.

Eposy otwierające tę sesję z 1967 roku widzą jego beznamiętny tenor warczący na szczycie pulsującej afrykańskiej perkusji, w zespole, który obejmuje pięciu perkusistów.

• Peter Brötzmann

Niemiecki saksofonista i klarnecista Peter Brötzmann był jednym z pierwszych europejskich muzyków, którzy przyjęli nowe dźwięki free jazzu w połowie lat 60-tych, ponieważ amerykańscy pionierzy tej formy odkryli, że otrzymali cieplejszy odzew podczas tras koncertowych w Europie niż w Stanach Zjednoczonych.

Polecany album Petera Brötzmanna: Nipples

Ten album z 1968 roku przedstawia Brötzmanna w potężnym sekstecie europejskich gigantów awangardy, w tym holenderskiego perkusistę Hana Benninka oraz Anglików Dereka Baileya i Evana Parkera, odpowiednio na gitarze i saksofonie tenorowym.

Recenzja Pitchforka autorstwa Scotta Hrehy porównuje muzykę do „dźwięku ciała wyrywanego z wrzecionowatego zestawu kości”

.