Lata 80-te były przełomową dekadą w kinie. Era blockbusterów rozkwitła, a franczyzy zaczęły się rozwijać. Komedie wywoływały łzy, dramaty prowokowały do myślenia. Pojawiły się głosy w kukurydzy, a w Ameryce nie było absolutnie żadnych kotów. Filmy z lat 80. były również wybitnie cytowalne, od puenty po szokujące rewelacje z trzeciej części filmu i nie tylko. Te filmowe cytaty z lat 80. odcisnęły się na sercach i duszach dzieciaków z lat 80. na całym świecie.

Postać Faye Dunaway jako Joan Crawford, despotycznej gwiazdy filmowej i matki w filmie Mommie Dearest z 1981 roku jest jedną z najbardziej przerażających i niezatartych ekranowych kreacji w historii. Przez cały czas balansuje na granicy między przesadną błyskotliwością a upiorną porażką. Jej wybuch gniewu na córkę za używanie nędznie pospolitych drucianych wieszaków to kwestia, która zdefiniowała kariery dwóch aktorek.

Jeśli myślisz, że ta kwestia brzmi: „Luke, jestem twoim ojcem”, musisz poszukać na swojej półce płyt DVD z trylogią Gwiezdnych Wojen i przyjrzeć się jej jeszcze raz. Ale bez względu na to, co dokładnie brzmiało, objawienie, że ostateczny złoczyńca galaktyki jest ojcem jej największego bohatera, wywołało szok wśród publiczności filmowej. Od tamtej pory każdy szokujący zwrot akcji na końcu filmu goni za wyznaniem ojcostwa Dartha Vadera (James Earl Jones).

Wybranie tylko jednej linijki ze słynnego, gęstego od żartów Samolotu jest zadaniem prawie niemożliwym. A przynajmniej byłoby, gdyby nie nieskazitelna, martwa natura Leslie Nielsena w odpowiedzi na pytanie „Chyba nie mówisz poważnie!” nie sprawiła, że ta kwestia wybija się ponad resztę.

To, co sprawia, że linia taka jak „E.T. phone home” jest tak wspaniała, to jak wiele różnych emocji wyczarowuje. Za pierwszym razem, gdy to mówi, jest zachwyt nad tym, że to zabawne małe stworzenie z kosmosu mówi. Drugi raz, gdy to mówi – po tym, jak wszyscy myśleliśmy, że nie żyje – to po prostu najbardziej ekscytujący moment, inspirujący w równej mierze podniecenie i łzy. Film Stevena Spielberga zależy od tego, czy widzowie nawiążą więź z E.T., a ta jedna linijka naprawdę to przypieczętowuje.

Matczyna panika i wściekłość, którą Shirley MacLaine dostarcza, gdy rzuca się na personel szpitala, aby dać swojej córce (Debra Winger) środki przeciwbólowe, podczas gdy ona umiera w szpitalu, stoi w sprzeczności z reputacją filmu jako pięciogodzinnego płaczu. W fachowych rękach MacLaine (która zdobyła za ten występ Oscara), moment ten jest jednocześnie zabawny i wstrząsający.

Celie (Whoopi Goldberg) w końcu stawia czoła znieważającemu ją Misterowi (Danny Glover) przy stole, przykładając mu nóż do gardła i przeklinając go. Jest to długo oczekiwany moment dla Celie, jak ona bierze z powrotem swoją moc i obiecuje nic, ale ruiny do człowieka, który trzymał ją w dół na tak długo.

Director James L. Brooks „komediowy widok zmieniającego się przemysłu wiadomości telewizyjnych – przesuwając się z grubej substancji do krzykliwego stylu – jest nadziewane z wielkich linii. Ale ta jedna, w której Holly Hunter odpowiada na dołowanie szczerym współczuciem dla samej siebie, jest jednocześnie rozkosznie zabawna i inteligentnie cięta.

Niezwykły triumf Cher uwieńczony został nagrodą Akademii, a także nieśmiertelnością jej charakterystycznej linii z filmu. Fani Cher, fani filmu, a nawet ludzie, którzy nigdy nie widzieli filmu, znają dźwięk tego policzka, po którym następuje jej kultowe „Snap out of it!”. Biedne, niczego nie spodziewające się twarze pogrążonych w smutku marzycieli już nigdy nie będą bezpieczne po Moonstruck.

Don Bluth, reżyser filmów animowanych, był chwilowo rywalem Disneya w późnych latach 80. dzięki filmom takim jak Amerykański ogon, który opowiadał historię rosyjskich Żydów imigrujących do Stanów Zjednoczonych w celu ucieczki przed pogromami za pomocą alegorii myszy imigrujących do Stanów Zjednoczonych w celu ucieczki przed kotami. Na łodzi przepływającej ocean, Papa Mousekewitz (Nehemiah Persoff) śpiewa o obietnicy złotej, gościnnej Ameryki, gdzie będą wreszcie bezpieczni od kotów, a nawet ulice są wybrukowane serem.

Tak, tak, słowa, które prawdopodobnie przychodzą Ci do głowy jako pierwsze, gdy myślisz o Field of Dreams, to „If you build it, he will come”. Te słowa, wypowiedziane przez niewidzialny głos do Raya Kinselli (Kevin Costner), inspirują go do zaorania pod swoim polem kukurydzy w Iowa i zbudowania pola baseballowego, na którym duchy zmarłych (często skandalizujących) baseballistów mogą powrócić i zagrać ponownie. Ale moment prawdy dla filmu przychodzi na samym końcu, kiedy Ray zauważa jednego gracza i rozpoznaje go jako swojego ojca. W ostatnich słowach filmu Ray zbiera się na odwagę i prosi swojego ojca, by zagrał z nim w piłkę. Cue the waterworks.

Po tym, jak Marty McFly (Michael J. Fox) kończy swoje przygody z powrotem w 1955 roku i rzeczywiście wraca do przyszłości, spotyka swojego starego kumpla Doca Browna (Christopher Lloyd) po raz ostatni przed napisami końcowymi. Doc był w przyszłości, a kiedy wraca, jego niezawodny DeLorean przeszedł pewne ulepszenia. Niewiele filmów z lat 80. wysłało widzów krzyczących o sequel bardziej niezawodnie niż Powrót do przyszłości – z Dociem i Martym oraz ich latającym samochodem.

Życzenie dziecka do (wprawdzie przerażającej) odizolowanej gry karnawałowej jest tym, co wprawia w ruch tę komedię Penny Marshall z 1988 roku. Kiedy młody Josh Baskin budzi się rano po swoim życzeniu, jest grany przez Toma Hanksa, dzieciaka w ciele dorosłego. Po tym wydarzeniu następuje wiele zabawnych sytuacji, ale to proste, wzruszające i tak bardzo realne życzenie pozostaje w pamięci.

Najsłynniejsza linia w napisanym przez Norę Ephron i wyreżyserowanym przez Roba Reinera filmie Kiedy Harry poznał Sally nie jest wygłoszona przez szowinistycznego Harry’ego granego przez Billy’ego Crystala ani przez przenikliwą Sally graną przez Meg Ryan. Zamiast tego, pochodzi od matki Reinera, grając klienta w scenie w barze, który – po Sally kończy demonstrując niesamowicie przekonujące przedstawienie tego, jak kobieta może udawać przyjemność – po prostu zwraca się do kelnera i prosi o to, co Sally ma. I tak narodził się jeden z najwspanialszych one-linerów w całej komedii filmowej.

W filmowej wersji popularnej gry planszowej Clue, w której można się było pośmiać do rozpuku, wystąpiła doskonała obsada – Tim Curry, Lesley Ann Warren, Martin Mull, Eileen Brennan, Michael McKean, Christopher Lloyd – ale to była wielka Madeline Kahn, która wysłała film do nieśmiertelności swoim jąkającym się monologiem o jej gorącej nienawiści do pokojówki Yvette (Colleen Camp).

Aktor charakterystyczny R. Lee Ermey spędza pierwszą połowę koszmarnej wizji wojny wietnamskiej Stanleya Kubricka, szczekając niedorzeczny ciąg rozkazów i profanacyjnych inwektyw pod adresem szkolonych przez siebie żołnierzy. Kiedy w końcu popycha jednego konkretnego szeregowca (Vincent D’Onofrio) nad krawędzią do punktu, w którym grozi zbrojnym odwetem, Ermey nie wycofuje się, ale podkręca obelgi. Nie jest to świetny pomysł, jak się okazuje.

Glenn Close gra kobietę, która prowadzi romans z żonatym Michaelem Douglasem, tylko po to, aby się wycofał i nabrał dystansu do niej – na co ona reaguje gwałtowną obsesją. Występ Close ciężko pracuje, aby zrównoważyć trop „szalonej byłej dziewczyny”; jej dostawa na powyższym cytacie jest tak samo sprawiedliwa, jak i groźna.

Film reżysera Ivana Reitmana o kwartecie widmowych tępicieli w Nowym Jorku lat 80-tych osiąga punkt kulminacyjny w postaci ucieczki upiorów z ich ośrodka zamkniętego. Rezultat? Chaos, panika, żyjący obcujący z umarłymi i, jak hiperbolicznie podsumowuje to Peter Venkman w roli Billa Murraya, wszystkie prawa natury i rzeczywistości wywrócone do góry nogami. Psy i koty! Razem!

Są duże szanse, że spotkasz kogoś, kto widział Lśnienie Stanleya Kubricka i nie próbował choć raz powtórzyć charakterystycznej kwestii Jacka Nicholsona. Ta kwestia pojawia się, gdy jest w połowie drogi do wyważenia drzwi do łazienki, próbując zamordować swoją żonę i syna. Nie jestem pewien, jak Johnny Carson musiał się czuć z tym skojarzeniem.

Końcowy monolog Briana-mózgu (Anthony Michael Hall) jest doskonałym odzwierciedleniem złości nastolatków. Tych pięciu różnych nastolatków spędza sobotnie popołudnie w szkolnej bibliotece i odkrywa, że wszyscy mają wspólne poglądy (głównie nienawiść do rodziców!) – a w końcowym pożegnaniu z dyrektorem dowiadują się, że dorośli nigdy ich tak naprawdę nie zrozumieją.

Najsłynniejszy wagarowicz popkultury ma czas wolny od radosnego jeżdżenia po Chicago samochodem taty swojego przyjaciela i lip-synchronizacji w paradzie, aby zwrócić się do publiczności i zaoferować wartą 5 groszy darmową radę. Możesz podziękować Ferrisowi (Matthew Broderick) za każdego tweeta o tym, że „życie przychodzi na ciebie szybko”, na którego natrafisz.

Tylko trzy małe słowa, które normalnie nie brzmią jak groźba, chyba że są wypowiadane przez sześć stóp-dwie ściany austriackiego mięśnia, który właśnie teleportował się z przyszłości na bezlitosne zadanie zamordowania przyszłej mamy. Płaski, pozbawiony emocji afekt Arnolda Schwarzeneggera był idealnym, złowieszczym wyrazem twarzy. A jako bonus, okazuje się, że miał rację, jeśli pięć sequeli Terminatora i liczenie jest jakimkolwiek wskaźnikiem.

Tom Cruise i Anthony Edwards jako kumple w elitarnym programie szkoleniowym Marynarki Wojennej są centralną przyjaźnią jednego z największych hitów lat 80. Razem dali Top Gun dokładnie to, czego potrzebował, poza ogromnym zyskiem kasowym i atrakcyjnością gwiazd filmowych: chwytliwe hasło, które wznosiło się długo po zakończeniu lat 80-tych, aż do strefy zagrożenia (tak nazywamy lata 90-te).

Ta kwestia była naśladowana, powielana, zapożyczana, riffowana i parodiowana przez dekady. Al Pacino jako kokainowy król Tony Montana przedstawia swoim wrogom swojego „małego przyjaciela”, którym jest oczywiście jego karabin maszynowy. Carnage, plus setki plakatów do akademików, followed.

The repeated warning to young Ralphie (Peter Billingsley) in the enduring Christmas classic gets funnynier every time it is repeated. Wszystko, co bespectacled młody chłopiec chciał był oficjalny Red Ryder, akcja karabinek, dwieście strzałów, zakres model karabin pneumatyczny. Szkoda, że każdy dorosły w jego życiu, aż do Świętego Mikołaja w centrum handlowym włącznie, powiedział mu, że to zbyt niebezpieczne.

Tymi słowami Patrick Swayze ratuje Jennifer Grey przed jej nadopiekuńczym ojcem i zabiera ją na parkiet, aby zadziwić tych spiętych typków z Catskills kilkoma fachowo wyćwiczonymi ruchami.

Można by uznać za nie do pomyślenia, że jest to najbardziej pamiętna kwestia z filmu „Narzeczona księżniczki”, praktycznie przepełnionego zabawnymi cytatami. Ale Mandy Patinkin jako Inigo Montoya jest genialnie zaangażowany i wściekły, gdy Inigo stawia czoła sześciopalczastemu mężczyźnie, który zabił jego ojca.

Linia taka jak ta jest pamiętna tylko wtedy, gdy jest wygłaszana w idealnych okolicznościach przez idealną postać. Innymi słowy, mała dziewczynka (Heather O’Rourke) wpatrująca się w statyczny telewizor – jedyna, która wie, że złośliwe duchy nawiedzające dom są tu po to, by się bawić. To niezwykle przerażający moment w jednym z najlepszych horrorów dekady.

Jeff Goldblum stopniowo przekształcający się w ludzką muchę w trakcie trwania filmu Davida Cronenberga jest zarówno obrzydliwy, jak i przerażający. Na szczęście nie musimy się martwić, która reakcja jest właściwa, ponieważ Ronnie (Geena Davis) mówi to wprost – bój się.

Michael Douglas zdobył Oscara za rolę Gordona Gekko, awatara korporacyjnej chciwości lat 80. Występ ten jest jedną z najbardziej charakterystycznych kreacji dekady, a jego potwornie prosty etos – często parafrazowany jako jeszcze prostsze „chciwość jest dobra” – odbijał się echem przez kolejne lata.

Ossie Davis wypowiada tytułową kwestię w zapalczywym filmie Spike’a Lee z 1989 roku. Linia jest wypowiedziana jako rada udzielona pracownikowi pizzerii Mookie (Lee), choć jej ironiczna prostota staje się oczywista dopiero pod koniec filmu.

.