ABOUT MODERN DANCE (A very brief & condensed history)

Modern Dance to termin opisujący wiele rodzajów technik tanecznych. Jest to kategoria stylów tańca, często określana jako gatunek tańca. Wiele z głównych stylów w tym gatunku przypisuje się konkretnym choreografom, którzy byli pionierami nowych i unikalnych sposobów poruszania się i stworzyli nowe słowniki ruchowe oparte na ich osobistych filozofiach; ich poglądach na to, jak taniec funkcjonuje jako narzędzie artystyczne. Tancerze wyszkoleni w prywatnych studiach tańca często mają tendencję do kojarzenia lub odnoszenia tańca współczesnego do terminów taniec liryczny lub taniec współczesny. Podczas gdy te studia i formy konkursowe mogą mieć pewne ruchy wspólne z profesjonalnym, koncertowym tańcem współczesnym, taniec liryczny odnosi się do jakości ruchu. Taniec współczesny zazwyczaj oznacza, że został stworzony niedawno, jest wykonywany do muzyki współczesnej i jest fuzją baletu, jazzu i stylów modern.

Co zatem czyni coś tańcem współczesnym? Nie ma absolutnych linii rysowane w świecie profesjonalnego tańca, ale dla celów tej klasy, tutaj są ograniczone definicje form tańca nowoczesnego, które mają co najmniej jedną z następujących cech:

• Based on one of the codified techniques of the early masters, such as Graham, Humphrey, Limón, Dunham, Horton or Cunningham
• Based on movements created by use of breath, articulation of the torso (such as aligned, titled, or contracted), use of the floor, or improvisation, bez potrzeby wyprostowanych pozycji nóg lub spiczastych stóp
• Fuzja stylów tańca, które wykorzystują ruchowe słownictwo baletu, jazzu, modern, hip-hopu, tańca afro-karaibskiego, capoeiry i tańca postmodernistycznego w tej samej choreografii
• Silne powiązanie z ziemią w wyborach ruchowych; nacisk na ruchy w pozycji stojącej i słownictwo ruchów wykonywanych w pozycji leżącej lub siedzącej na podłodze.

Raczej niż zwięzła definicja tego, czym jest Taniec Współczesny, być może ważniejsze dla Ciebie jest to, co może on wnieść do wzbogacenia Twojego życia. Może wprowadzić Cię w nową formę techniki, w której doświadczysz radości z ruchu. Może zwiększyć Twoje uznanie dla muzyki, innych różnych sztuk i form ruchu. Może zwiększyć Twój szacunek i zrozumienie dla zawodu tancerza. Może również rozszerzyć swoją świadomość i uznanie dla sposobu, w jaki ty i inni się poruszają.

Każdy artysta jest produktem czasu, w którym on lub ona tworzy. Podczas gdy artyści tańca nowoczesnego byli często na krawędzi zmian, wielu z nich odzwierciedlało również społeczne i polityczne uprzedzenia i okoliczności swoich czasów. Siłą napędową dla wielu artystów na początku XX wieku były ich poszukiwania elementów tańca.

Pomimo, że nie jest możliwe, aby dać odpowiednie uznanie wszystkim choreografom, producentom, pedagogom i tancerzom, którzy ukształtowali taniec współczesny, kilka wybitnych jednostek może pomóc w prześledzeniu rozwoju formy sztuki, jak to jest praktykowane w studio i często wykonywane dzisiaj.

• 1900 – 1920: The Matriarchs, Loie Fuller, Isadora Duncan i Ruth St.Denis
• 1920 – 1940: Pionierki, Ted Shawn, Doris Humphrey, Martha Graham, Mary Wigman, Katherine Dunham
• 1940 – 1960: 2. pokolenie, budowniczowie dziedzictwa, José Limón, Hanya Holm
• 1940 – 1960: 2. pokolenie, ikonoklaści, Merce Cunningham, Lester Horton, Alwin Nikolais
• 1960 – 1980: Syntezatorzy, Alvin Ailey, Paul Taylor, Twyla Tharp
• 1980 – 2000: Collaborators, Pilobolus, Bill T. Jones

W przeszłości, 'Modern Dance’ reprezentował punkty widzenia i koncepcje ruchu każdego z kilku tancerzy lub choreografów. … Martha Graham Technique, Doris Humphrey Technique, czy Lestor Horton Technique. W miarę jak horyzonty artysty tańca poszerzały się, poszerzały się też formy ruchu, które wyglądają bardziej podobnie, niż wyjątkowo różnie. Taniec współczesny jest młodszą formą sztuki niż balet, a styl ruchu skupia się na własnych interpretacjach tancerza, zamiast na standardowych ruchach i uporządkowanych krokach klasycznego lub tradycyjnego baletu. Jednakże taniec współczesny wykorzystuje wiele z klasycznego słownictwa i terminologii. Obecnie wielu choreografów „baletowych” wykorzystuje koncepcje ruchowe tancerza nowoczesnego, a ćwiczenia tancerza baletowego są obecnie wykorzystywane w technikach „nowoczesnych”. Taniec współczesny znany jest ze swojej niezależności, inwencji i nietradycyjnego podejścia. Wielu choreografów zawiera teraz w swojej pracy nie tylko nieuchwytne techniki tańca nowoczesnego, ale także zasady jazzu, tańca afrykańskiego, baletu i innych tańców etnicznych.

Rozwój tańca nowoczesnego jako formy sztuki nastąpił poprzez złamanie „zasad” tego, czym taniec miał być. W 1900 roku europejscy tancerze zaczęli buntować się przeciwko sztywnym regułom baletu klasycznego, uporządkowanym technikom, kostiumom i baletkom. Pod koniec XIX wieku zaangażowane osoby, takie jak Loie Fuller, Ruth St. Denis, Isadora Duncan i Ted Shawn, występowały regularnie. Z braku lepszej nazwy „klasyczny” taniec został przypisany do twórczości tych artystów, którzy wzorowali się na wyidealizowanych greckich i rzymskich modelach. Ci nowi tancerze preferowali bardziej zrelaksowany, swobodny styl tańca. Nowoczesne pionierzy tańca tańczył w bosych stóp i swobodny przepływ często ujawniając costumes.

Modernism versus Realism

Many artysta zaangażowany w celowe odejście od realistycznego przedstawiania w sztuce do tego, co stało się znane jako modernizm. Ten nowy styl badał subiektywne doświadczenie, takie jak czyjeś uczucia i percepcje, a nie obserwowane prawdziwe życie. Prace wyglądały abstrakcyjnie w przeciwieństwie do realistycznych. Na przykład, prace malarza Pablo Picasso, które zawierają rozpoznawalne części ciała, ale nie realistyczną twarz kobiety, są przykładem tego modernistycznego ruchu w sztuce. Nowy taniec, lub taniec nowoczesny, jak później stał się znany, był zainteresowany w przedstawianiu abstrakcji ludzkiego doświadczenia, a nie realistycznego opowiadania historii. Nowa forma tańca eksplorowała osobiste odczucia dotyczące świata poprzez wyabstrahowany, nieuporządkowany i niedosłowny ruch. Podobnie jak modernizm w sztuce, taniec nowoczesny przejawił się jako bunt przeciwko artystycznych tradycji przeszłości.

St. Denis i Ted Shawn spotkali się zawodowo i założyli szkołę w dzielnicy Westlake w Los Angeles, która przyciągnęła uczniów z całego kraju. St. Denis był muzą, wzorem do naśladowania i czasami nauczycielem, podczas gdy Shawn skupiał się przede wszystkim na szkole detali. Ich firma, o nazwie Denishawn toured na popularnych obwodów wodewilu i był najważniejszym poważnym zespołem tanecznym w kraju.

Do drugiej dekady 20 wieku nazwa „Modern Dance” zaczął być używany do opisania pracy Denishawn następców, takich jak Martha Graham, Doris Humphrey, Charles Weidman, Hanya Holm, Helen Tamrisis i Lester Horton. Główną cechą tańca współczesnego jest to, że zachęca on tancerzy do wykorzystywania swoich emocji i nastrojów do projektowania kroków, kombinacji i tańców, zamiast podążania za ustrukturyzowanym kodem techniki, jak w balecie. Szkoły ruchu powstawały w oparciu o indywidualne słownictwo ruchu choreografów, które wywodziły się z ich własnej koncepcji tego, skąd pochodzi impuls ruchowy i jak należy go logicznie rozwijać.

Graham, Humphrey i Weidman odrzucili estetykę Denishawn, określając ją mianem „Tańczących bogów i bogiń”, i postawili na tematy osobiste lub społeczne, wykonywane w strojach bliższych współczesnym niż egzotyczne suknie noszone przez wcześniejszych wykonawców lub tradycyjne klasyczne baletowe tutus. Choreografowie tego pokolenia rozwijali style ruchowe, które były perkusyjne i praktycznie pozbawione dramatycznego gestu rodem z „niemego filmu”, który charakteryzował poprzednie pokolenie, a także sztywnych reguł techniki klasycznej. Inną cechą tańca współczesnego, stojącą w opozycji do baletu, jest świadome wykorzystanie grawitacji. Podczas gdy w balecie klasycznym tancerz nieustannie dąży do tego, by być lekkim i zwiewnym na nogach. Ruch z ciężarem ciała był pożądany przez tancerza nowoczesnego, ponieważ uważał on podłogę, na której tańczy, za źródło siły, do którego należy dążyć, a nie za podporę, od której należy się uwolnić. Często używają ciężaru swojego ciała, aby wzmocnić ruch. Nowoczesny tancerz odrzuca klasyczną postawę wyprostowanego ciała, często decydując się na celowe upadki i rolki na podłodze.

Zaczęło się w 1934 roku, Bennington College Summer School of Dance oferowane studentom możliwość studiowania z „wielkiej czwórki”: Grahamem, Humphreyem Weidmanem i Holmem. (Hanya Holm wyemigrowała z Niemiec i w 1933 roku otworzyła w Nowym Jorku studio oparte na zasadach opracowanych przez Mary Wigman). Oprócz techniki oferowano także zajęcia z kompozycji, inscenizacji i historii muzyki. Ciało studenckie czerpało obficie z nauczycieli wydziałów wychowania fizycznego (bardzo niewiele szkół oferowało stopień naukowy w tańcu) w całym kraju.

Publiczna akceptacja przychodziła powoli w latach 30-tych, ale wzrosła w latach 40-tych, gdy to pokolenie choreografów zostało zaproszone do choreografii musicali dla teatru popularnego i zaprezentowania własnej firmy w bardziej popularnych miejscach teatralnych.

Na zachodnim wybrzeżu, Lester Horton, którego początkowe zainteresowanie kulturą Amerind (grupa rdzennych amerykańskich Indian) przywiodło go do tańca nowoczesnego. Założył firmę i teatr poświęcony w całości prezentacji tańca w Los Angeles. Swoje talenty choreograficzne wykorzystywał również w wielu filmach. Nierzucający się w oczy w szkoleniu tancerzy, Horton miał pierwszy zintegrowany zespół tańca nowoczesnego w Stanach Zjednoczonych. Zachęcał do pracy między innymi Alvina Aileya, Carmen de Lavallade i Janet Collins. Ailey, podobnie jak przed nim Pearl Primus i Katherine Dunham, podejmował tematy równości rasowej, niesprawiedliwości społecznej i religijnego zapału, które wynikały z doświadczenia czarnych. Stylistycznie struktura narracyjna okresu po Denishawn była dla nich najbardziej użyteczna, podobnie jak dla późniejszych choreografów, takich jak Talley Beatty, Donald McKayle, George Faison, Garth Fagan i Bill T. Jones.

W latach 60-tych choreografowie odcięli się od wszystkich teatralnych konwencji swoich poprzedników i skoncentrowali się przede wszystkim na ruchu ciała, wytrenowanym lub nie. Występowali we wnętrzach, na zewnątrz, na dachach, na ulicach, prawie wszędzie poza teatrami o łuku proscenium. Jako kostium często wykorzystywano odzież codzienną, a czasem także nagość. Ruch ten miał swoje korzenie we wczesnych latach 60-tych, kiedy to w studiu Cunninghama odbył się kurs kompozycji prowadzony przez pianistę, akompaniatora i kompozytora Roberta Dunna. To było nieosądzające nauczanie, które zachęcało tych, którzy brali udział w kursie do zrozumienia logiki własnych wyborów i do ich pełnego zbadania.

Taniec współczesny był i nadal jest podejmowany jako wyzwolona forma poważnej ekspresji tanecznej w każdym kraju, który został na nią wystawiony. Wpływ energicznego życia twórczego amerykańskich zespołów szeroko stymulował rozwój tańca współczesnego na całym świecie w drugiej połowie XX wieku. Wpływ ten zachęcał choreografów do rozwijania języka ruchu, który najbardziej bezpośrednio przemawia do ich publiczności. Taniec współczesny od początku swego istnienia zachęcał do indywidualnej ekspresji w wyborze tematów i środków wykonawczych.

Martha Graham, była uczennica Ruth St. Dennis, jest uważana za jedną z głównych pionierek amerykańskiego tańca współczesnego. W celu wyrażenia pasji, gniewu i ekstazy człowieka opracowała swój własny język ruchu. Stworzyła nową technikę tańca, podobną do baletu, ale różniącą się kilkoma elementami. Skupiła się na podstawowym ruchu człowieka, koncentrując się na ruchach kurczenia i uwalniania. Zamiast długich płynnych ruchów, ruchy Graham były ostre i poszarpane. Jej taniec miał na celu eksponowanie podstawowych ludzkich emocji poprzez ruch. „Ruch nigdy nie kłamie”. Odważna i śmiała wizja Graham dla tańca współczesnego przyniosła jej wiele nagród, wyróżnień i światowego uznania.

Historia tańca współczesnego jest związana ze społecznymi, politycznymi i artystycznymi trendami epoki, w której powstał. Zaczynając jako nowy taniec na początku XX wieku, taniec współczesny został ukształtowany przez ruch kobiecy, nowe trendy w sztukach wizualnych i rosnące zamiłowanie do podejścia naukowego. Matriarchalne pokolenie Isadory Duncan, Lorie Fuller i Ruth St. Denis zainspirowało wyobraźnię świata tańca, który oderwał się od tradycji poprzedniego stulecia.

As each era of the 20th century changed, so did modern dance. Lata 20. i 30. były pionierską erą tej formy sztuki. Luminarze tacy jak Martha Graham, Doris Humphrey i Katherine Dunham zaczęli kształtować i definiować, czym będzie ten nowy gatunek tańca. W latach 40. i 50. następcy pionierów dali początek nowym odmianom stylistycznym w twórczości takich gigantów artystycznych, jak José Limón i Merce Cunningham. Od 1960 do lat 80. choreografowie i tancerze syntetyzowali i ponownie analizowali prace pionierów, wnosząc nowe rodzaje słownictwa ruchowego do idiomu tańca współczesnego. Ikony takie jak Alvin Ailey i Twyla Tharp są emblematyczne dla tego okresu. Ostatnia część XX wieku przyniosła wartość współpracy dzięki pracy prawdziwie pomysłowych twórców, w tym Billa T. Jonesa i Pilobolus.

Można dostrzec podobieństwa i różnice między tradycyjnym tańcem współczesnym a tańcem postmodernistycznym:

PODOBIEŃSTWA:

• Oba prezentowały tańce, które wyświetlały innowacyjny ruch.
• Oba wykorzystywały tematy, które były społeczne, polityczne i globalne.
• Oba wykorzystywały elementy przestrzeni, czasu i energii w sposób, który różnił się od baletu.

RÓŻNICE:

• Niektóre tańce postmodernistyczne były pozbawione fabuły i narracji; wiele tradycyjnych tańców nowoczesnych miało silne linie narracyjne.
• Tradycyjne tańce nowoczesne zatrudniały wyszkolonych tancerzy; niektórzy choreografowie postmodernistyczni używali niewyszkolonych tancerzy.
• Tradycyjne tańce nowoczesne częściej niż nie, wykorzystywały kostiumy; tańce postmodernistyczne były często prezentowane w codziennych ubraniach ulicznych.
• Tradycyjny taniec nowoczesny był często prezentowany w teatrach; taniec postmodernistyczny był prezentowany w wielu różnych miejscach.

Wkład, jaki postmodernistyczny artysta wniósł do świata tańca, miał głęboki wpływ na sposób, w jaki ludzie choreografują i postrzegają taniec.

Nowocześni tancerze używają dziś tańca, aby wyrazić swoje wewnętrzne emocje, często aby zbliżyć się do swojego wnętrza. Przed podjęciem próby choreografii, kombinacji lub tańca, tancerz współczesny decyduje, jakie emocje chce przekazać publiczności. Wielu współczesnych tancerzy wybiera temat bliski i drogi ich sercu, taki jak utracona miłość lub osobiste niepowodzenie. Tancerz będzie miał skomponowaną muzykę lub użyje już skomponowanej, która odzwierciedla lub odnosi się do historii, którą chce opowiedzieć lub może zdecydować się nie używać muzyki w ogóle. Dodatkowo, wybierają kostium, aby jeszcze bardziej odzwierciedlić wybrane przez siebie emocje.

Taniec współczesny nadal jest istotną i żywą formą sztuki w XXI wieku. Jego cechami łączącymi są reakcja na czasy, w których jest tworzony, opór wobec minionych tradycji i ciągła ponowna ocena jego znaczenia i wagi. Tradycje i techniki tańca współczesnego nadal ewoluują, gdy nowi, utalentowani artyści zmieniają zasady.

Taka zmiana jest rzeczą zdrową. Forma sztuki może się rozwijać tylko wtedy, gdy pojawiają się w niej nowe idee i sposoby ekspresji!

Taniec współczesny ma i zawsze będzie dotyczył świata, w którym żyjemy,

odbijając wszystko, co ten świat obejmuje w formie ruchu.