The 1980s were a pivotal decade at the movies. A era do blockbuster floresceu e as franquias começaram a florescer. As comédias provocavam lágrimas, os dramas provocavam o pensamento. Havia vozes no milho, e absolutamente nenhum gato na América. Os filmes dos anos 80 também eram eminentemente citados, desde as linhas de soco até as revelações chocantes do terceiro ato e mais além. Essas citações de filmes dos anos 80 estão impressas nos corações e nas almas das crianças dos anos 80 em todos os lugares.

A performance de Joan Crawford, estrela de cinema tirânica e mãe em 1981 de Mommie Dearest é uma das mais aterradoras e indeléveis performances de sempre. Ela se inclina para a linha entre o brilho exagerado e o fracasso macabro ao longo de todo o filme. Sua explosão de raiva contra sua filha por usar cabides de arame miseravelmente comuns é uma linha que definiu a carreira de duas atrizes.

Se você acha que a linha é “Luke, I am your father”, você precisa procurar aqueles DVDs da trilogia Star Wars em sua prateleira e dar outra olhada. Mas não importa qual foi o texto preciso, a revelação de que o derradeiro vilão da galáxia foi o pai de seu maior herói enviou ondas de choque através de audiências de filmes. Cada reviravolta chocante no final de um filme tem perseguido a confissão de paternidade de Darth Vader (James Earl Jones) desde então.

Picking out just one line from the famously joke-dense Airplane is a almost impossible task. Ou seria se a imaculada entrega do Leslie Nielsen em resposta à mensagem “Certamente você não pode estar falando sério!” não fizesse esta linha ficar com a cabeça e os ombros acima do resto.

O que faz uma linha como “E.T. telefone para casa” tão grande é quantas diferentes emoções ela evoca. A primeira vez que ele o diz, há a maravilha desta engraçada criaturinha alienígena falando. A segunda vez que ele diz isso – depois que todos nós pensamos que ele estava morto – é apenas o momento mais emocionante, inspirando excitação e lágrimas em partes iguais. O filme do Steven Spielberg depende do público formar uma ligação com o E.T., e que uma linha o sela verdadeiramente.

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O pânico e a raiva materna que Shirley MacLaine entrega enquanto atrai o pessoal do hospital para dar analgésicos à sua filha (Debra Winger) enquanto ela está a morrer no hospital vai contra a reputação do filme como um chorão de cinco cabrões. Nas mãos experientes de MacLaine (que ganhou um Oscar por esta performance), o momento é ao mesmo tempo engraçado e angustiante.

Celie (Whoopi Goldberg) finalmente enfrenta o abusivo Mister (Danny Glover) na mesa de jantar, segurando uma faca na sua garganta e amaldiçoando-o. É um momento muito esperado para Celie, pois ela retira seu poder e promete nada mais do que a ruína para o homem que a manteve em baixo por tanto tempo.

A visão cômica do diretor James L. Brooks de uma indústria de notícias de TV em mutação – passando de uma substância sujo para um estilo cintilante – é recheada de grandes linhas. Mas esta, que tem Holly Hunter respondendo a um put-down com sincera autopiedade, é ao mesmo tempo deliciosamente engraçada e inteligente cortando ao mesmo tempo.

O triunfo absoluto de Cher culminou com um Oscar, e também com a imortalidade de sua linha de assinatura do filme. Fãs da Cher, fãs do cinema e até mesmo pessoas que nunca viram o filme conhecem o som daquele tapa, seguido pelo seu icônico “Snap out of it!”. Os pobres e insuspeitos rostos dos sonhadores nunca mais estariam seguros depois do Moonstruck.

O diretor de imagens Don Bluth foi momentaneamente um rival da Disney no final dos anos 80 com filmes como An American Tail, que contava a história dos judeus russos imigrando para os Estados Unidos para escapar dos pogroms via alegoria dos ratos imigrando para os Estados Unidos para escapar dos gatos. No barco que cruza o oceano, Papa Mousekewitz (Nehemiah Persoff) canta a promessa de uma América dourada e acolhedora, onde finalmente estarão a salvo dos gatos, e até mesmo as ruas são pavimentadas com queijo.

Sim, sim, as palavras que você provavelmente pensa primeiro quando pensa no Campo dos Sonhos são: “Se você construí-lo, ele virá”. Essas palavras, ditas por uma voz invisível a Ray Kinsella (Kevin Costner), inspiram-no a arar debaixo do seu campo de milho de Iowa e a construir um campo de basebol onde os espíritos dos mortos (muitas vezes escândalos) jogadores de basebol podem voltar e jogar novamente. Mas o momento da verdade para o filme chega no final, quando Ray vê um jogador e o reconhece como seu pai. Com as palavras finais do filme, Ray reúne a coragem de pedir ao pai para jogar à apanhada. Cue the waterworks.

Depois de Marty McFly (Michael J. Fox) completar as suas aventuras em 1955 e regressar de facto ao futuro, ele encontra o seu velho amigo Doc Brown (Christopher Lloyd) uma última vez antes dos créditos finais. Doc foi para o futuro, e quando ele retorna, seu fiel DeLorean passou por alguns upgrades. Poucos filmes dos anos 80 enviaram audiências gritando pela sequela de forma mais confiável do que de volta ao futuro – com Doc e Marty e seu carro voador.

Um desejo infantil feito a um jogo de carnaval (reconhecidamente assustador) isolado é o que põe em movimento esta comédia de Penny Marshall de 1988. Quando o jovem Josh Baskin acorda na manhã seguinte ao seu desejo, ele é interpretado por Tom Hanks, uma criança no corpo de um adulto. Tantas brincadeiras divertidas se seguem, mas é esse desejo simples, simples, simples e tão realçável que se mantém.

A linha mais famosa da Nora Ephron-penned, Rob Reiner-directed When Harry Met Sally não é entregue pelo Harry suavemente chauvinista de Billy Crystal nem pela Sally perniciosa de Meg Ryan. Em vez disso, vem da mãe de Reiner, interpretando um cliente em uma cena de restaurante que – depois que Sally termina de demonstrar uma performance incrivelmente convincente de como uma mulher pode fingir prazer – se volta para seu garçom e pede o que Sally está tendo. E assim nasceu um dos grandes one-liners de toda a comédia de cinema.

A versão em filme do popular jogo de tabuleiro Clue apresentava um casting perfeito – Tim Curry, Lesley Ann Warren, Martin Mull, Eileen Brennan, Michael McKean, Christopher Lloyd – mas foi a grande Madeline Kahn que mandou o filme para a imortalidade com o seu monólogo gago sobre o seu ódio branco por Yvette, a empregada (Colleen Camp).

A actor de personagens R. Lee Ermey passa a primeira metade da visão de pesadelo de Stanley Kubrick sobre a Guerra do Vietname a ladrar uma série ridícula de ordens e profana invectiva para os soldados que ele está a treinar. Quando ele finalmente empurra um particular em particular (Vincent D’Onofrio) ao ponto de ameaçar com retaliação armada, o recurso de Ermey não é para recuar, mas para marcar o abuso. Não é uma grande idéia, como acontece.

Glenn Close interpreta uma mulher que tem um caso com um Michael Douglas casado, apenas para que ele se afaste e se distancie dela – a quem ela responde com uma obsessão violenta. A performance de Close trabalha duro para equilibrar os tropos da “ex-namorada louca”; sua entrega na citação acima é tão justa quanto ameaçadora.

O filme do diretor Ivan Reitman sobre um quarteto de exterminadores espectrais nos anos 80 Nova York culmina em uma fuga de ghoulies da sua instalação de contenção. O resultado? Caos, pânico, a comunhão dos vivos com os mortos e, como o Peter Venkman de Bill Murray resume hiperbolicamente, todas as leis da natureza e da realidade se alteraram. Cães e gatos! Juntos!

Odds are long that you’ll meet someone who’s seen Stanley Kubrick’s The Shining and hasn’t at least once tried to pull off Jack Nicholson’s signature delivery. A fila vem quando ele está a meio caminho a cortar a porta da casa de banho, a tentar matar a mulher e o filho. Não sei o que Johnny Carson deve ter sentido sobre a associação.

O último monólogo de locução de Brian the brain (Anthony Michael Hall) é o encapsulamento perfeito da angústia adolescente aflita. Estes cinco adolescentes díspares passam uma tarde de sábado na biblioteca da escola e descobrem que todos têm em comum (a maioria odeia seus pais!)-e, num beijo final ao diretor, a lição que aprendem é que os adultos nunca os entenderão verdadeiramente.

O adolescente mais famoso da cultura pop que anda por Chicago no carro do pai do seu amigo e que cintila os lábios num desfile para se virar para o público e oferecer um conselho gratuito de níquel. Você pode agradecer a Ferris (Matthew Broderick) por cada tweet “a vida chega rápido” com que você se depara.

Só três palavrinhas que normalmente não soam como uma ameaça, a menos que sejam ditas por uma parede de 1,80 m de músculo austríaco que acabou de se teletransportar do futuro numa busca impiedosa para assassinar uma futura mãe. O efeito plano e sem emoção de Arnold Schwarzenegger foi a entrega perfeita. E como bónus, acontece que ele estava certo, se cinco sequelas do Terminator e a contagem for qualquer indicação.

Tom Cruise e Anthony Edwards como amigos flyboy no seu programa de treino de elite da Marinha são a amizade central de um dos maiores êxitos dos anos 80. Juntos, eles deram ao Top Gun exatamente o que ele precisava, além de seu enorme apelo de bilheteria e estrelas de cinema: uma frase que passaria do final dos anos 80 para a zona de perigo (isso é o que chamamos de anos 90).

A linha foi imitada, duplicada, emprestada, rasgada e parodiada há décadas. O Al Pacino, como o chefe da cocaína Tony Montana, apresenta seus inimigos ao seu “amiguinho”, que é obviamente sua metralhadora. Carnificina, mais centenas de cartazes de dormitório, seguidos.

O aviso repetido ao jovem Ralphie (Peter Billingsley) no clássico de Natal duradouro fica mais engraçado a cada vez que é repetido. Tudo o que o jovem rapaz de óculos queria era um Red Ryder oficial, acção de carabina, tiro aos duzentos, modelo de espingarda de ar de alcance. Pena que todos os adultos na sua vida, incluindo o Pai Natal, o tivessem contado, era demasiado perigoso.

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Com essas palavras, Patrick Swayze resgata Jennifer Grey do seu pai superprotector e leva-a para a pista de dança para impressionar aqueles tipos de Catskills com alguns movimentos coreografados.

Pode ser inconcebível que esta seja a linha mais memorável de The Princess Bride, um filme praticamente transbordante de cotas hilariantes. Mas Mandy Patinkin como Inigo Montoya é brilhantemente comprometida e feroz enquanto Inigo enfrenta o homem de seis dedos que matou seu pai.

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Uma linha como esta só é memorável se for entregue na circunstância perfeita pelo personagem perfeito. Em outras palavras, uma menina (Heather O’Rourke) olhando para a estática na TV – a única que sabe que os espíritos malévolos que assombram a casa estão aqui para brincar. É um momento extremamente assustador num dos filmes de terror com assinatura da década.

Jeff Goldblum transformando-se constantemente numa mosca humana ao longo deste filme de David Cronenberg é ao mesmo tempo nojento e aterrador. Felizmente, não temos de nos preocupar com qual reacção é a mais apropriada, porque Ronnie (Geena Davis) diz directamente: “Tenha medo.

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Michael Douglas ganhou um Oscar por interpretar Gordon Gekko, avatar da ganância corporativa dos anos 80. A performance é da assinatura das criações da década, e seu etos monstruosamente simples – muitas vezes parafraseado como a ainda mais simples “ganância é boa” – ecoou através dos anos seguintes.

Ossie Davis fala a linha do título do filme incendiário de Spike Lee de 1989. A linha é dita como um conselho dado ao pizzaiolo Mookie (Lee), embora a sua simplicidade irónica só se torne aparente no final do filme.