ABOUT MODERN DANCE (Muito breve & história condensada)

Dança Moderna é um termo que descreve muitos tipos de técnicas de dança. É uma categoria de estilos de dança, muitas vezes referida como um gênero de dança. Muitos dos principais estilos deste género são creditados a coreógrafos específicos que foram pioneiros em novas e únicas formas de movimento e criaram novos vocabulários de movimento baseados nas suas filosofias pessoais; a sua visão de como a dança funciona como uma ferramenta artística. Dançarinos formados em estúdios de dança privados tendem frequentemente a associar ou referir a dança moderna com os termos dança lírica ou contemporânea. Enquanto estes estúdios e formas de competição podem ter alguns movimentos em comum com a dança moderna de concertos profissionais, a dança lírica na verdade refere-se a uma qualidade de movimento. A dança contemporânea geralmente significa que foi criada recentemente, é executada para música contemporânea e é uma fusão de ballet, jazz e estilos modernos.

O que faz então algo de Dança Moderna? Não existem linhas absolutas desenhadas no mundo da dança profissional, mas para efeitos desta aula, aqui estão limitadas as definições das formas de dança moderna que têm pelo menos uma das seguintes características:

• Baseada numa das técnicas codificadas dos primeiros mestres, como Graham, Humphrey, Limón, Dunham, Horton ou Cunningham
• Baseada em movimentos criados pelo uso da respiração, articulação do tronco (como alinhamento, titulação ou contração), uso do chão, ou improvisação, sem a necessidade de posições viradas das pernas ou pés pontiagudos
• Uma fusão de estilos de dança que usam o vocabulário do movimento do ballet, jazz, moderno, hip-hop, afro-caribenho, capoeira e dança pós-moderna na mesma coreografia
• Uma forte associação com o chão nas escolhas de movimento; ênfase no movimento de pé e um vocabulário de movimentos feitos deitado ou sentado no chão.

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Mais importante que uma definição concisa do que é a Dança Moderna, talvez mais importante para si é o que ela pode contribuir para o enriquecimento da sua vida. Ela pode apresentar-lhe uma nova forma de técnica na qual você experimenta a alegria do movimento. Pode aumentar a tua apreciação da música, de outras várias artes e formas de movimento. Pode aumentar o teu respeito e compreensão da profissão de bailarino. Também pode expandir a sua consciência e apreciação da forma como você e os outros se movem.

Cada artista é um produto do tempo em que ele ou ela cria. Enquanto os primeiros artistas de dança moderna estavam frequentemente na vanguarda da mudança, muitos também reflectiam os preconceitos sociais e políticos e as circunstâncias do seu tempo. A força motriz para muitos artistas no início do século XX foi a sua busca por elementos de dança.

Embora não seja possível dar o reconhecimento adequado a todos os coreógrafos, produtores, educadores e bailarinos que moldaram a dança moderna, vários indivíduos proeminentes podem ajudar a traçar o desenvolvimento da forma de arte como ela é praticada no estúdio e muitas vezes executada hoje.

• 1900 – 1920: The Matriarchs, Loie Fuller, Isadora Duncan e Ruth St.Denis
• 1920 – 1940: Os Pioneiros, Ted Shawn, Doris Humphrey, Martha Graham, Mary Wigman, Katherine Dunham
• 1940 – 1960: 2ª Geração, os Construtores Legados, José Limón, Hanya Holm
• 1940 – 1960: 2ª Geração, os Iconoclastas, Merce Cunningham, Lester Horton, Alwin Nikolais
• 1960 – 1980: Synthesizers, Alvin Ailey, Paul Taylor, Twyla Tharp
• 1980 – 2000: Colaboradores, Pilobolus, Bill T. Jones

No passado, ‘Dança Moderna’ representava os pontos de vista e conceitos de movimento de cada um dos vários bailarinos ou coreógrafos. … Martha Graham técnica, Doris Humphrey Technique, ou Lestor Horton Technique. À medida que os horizontes da artista de dança se alargaram, também se alargaram as formas de movimento, que se assemelham mais, do que se diferenciam de forma única. A dança moderna é uma forma de arte mais jovem que o ballet e o estilo de movimento centra-se nas próprias interpretações do bailarino, em vez dos movimentos padronizados e dos passos estruturados do ballet clássico ou tradicional. No entanto, a dança moderna utiliza muito do vocabulário e terminologia clássica. Hoje em dia, muitos coreógrafos ‘ballet’ utilizam os conceitos de movimento do bailarino moderno e os exercícios do bailarino são agora utilizados nas técnicas ‘modernas’. A dança moderna é conhecida pela sua independência, invenção e atitude não-tradicional. Muitos coreógrafos incluem agora no seu trabalho não só as elusivas técnicas da dança moderna, mas também os princípios do Jazz, Africano, Ballet e outras danças étnicas.

O desenvolvimento da dança moderna como forma de arte surgiu ao quebrar as ‘regras’ do que a dança era ‘suposta’ ser. Durante o século XIX, os bailarinos europeus começaram a rebelar-se contra as rígidas regras do ballet clássico, as técnicas estruturadas, os trajes e os sapatos de ballet. No final do século XIX, indivíduos dedicados, como Loie Fuller, Ruth St. Denis, Isadora Duncan e Ted Shawn, actuavam regularmente. Por falta de um nome melhor, a dança “clássica” foi afixada ao trabalho daqueles artistas que padronizavam seus trabalhos em modelos gregos ou romanos idealizados. Estes novos dançarinos favoreceram um estilo de dança mais descontraído e livre. Os pioneiros da dança moderna dançavam com os pés descalços e com um fluxo livre, muitas vezes revelando fantasias.

Modernismo versus Realismo

Muitos artistas se engajaram em uma partida deliberada da representação realista na arte para o que ficou conhecido como modernismo. Este novo estilo explorou a experiência subjetiva, tais como os sentimentos e percepções de cada um, em vez de observar a vida real. O trabalho parecia abstrato em oposição ao realista. Por exemplo, as obras do pintor Pablo Picasso, que contêm partes reconhecíveis do corpo mas não o rosto realista de uma mulher, são um exemplo desse movimento modernista na arte. A nova dança, ou dança moderna como se tornou mais tarde conhecida, estava interessada em retratar a abstracção da experiência humana em vez de uma recontagem realista de uma história. A nova forma de dança explorou os sentimentos pessoais sobre o mundo através do movimento abstracto, desordenado e não-literal. Assim como o modernismo na arte, a dança moderna se manifestou como uma rebelião contra as tradições artísticas do passado.

St. Denis e Ted Shawn se uniram profissionalmente e estabeleceram uma escola no distrito de Westlake em Los Angeles que atraiu estudantes de todo o país. St. Denis era a musa, modelo e às vezes professor, enquanto Shawn se concentrava principalmente nos detalhes da escola. A companhia deles, chamada Denishawn fez turnê nos circuitos populares de vaudeville e foi a companhia de dança mais importante do país.

Na segunda década do século 20 o nome “Modern Dance” começou a ser usado para descrever o trabalho de sucessores de Denishawn como Martha Graham, Doris Humphrey, Charles Weidman, Hanya Holm, Helen Tamrisis e Lester Horton. A principal característica da dança moderna é que ela encoraja os bailarinos a usar suas emoções e humor para desenhar seus passos, combinações e danças em vez de seguir um código estruturado de técnica como no balé. Escolas de movimento estavam sendo formadas com base no vocabulário de movimento do coreógrafo individual que derivavam de sua própria concepção de onde o impulso do movimento se originava e como ele deveria ser desenvolvido logicamente.

Graham, Humphrey e Weidman rejeitaram a estética de Denishawn, chamando-a de “Deuses e Deusas Dançantes”, e optaram por temas pessoais ou sociais, executados em trajes mais próximos ao vestuário contemporâneo do que os vestidos exóticos usados pelos intérpretes anteriores ou o tradicional tutus do balé clássico. Os coreógrafos desta geração desenvolveram estilos de movimento que eram percussivos e praticamente desprovidos de gesto dramático “filme mudo” que caracterizavam a geração anterior, bem como as regras rígidas da técnica clássica. Outra característica da dança moderna, em oposição ao ballet, é o uso deliberado da gravidade. Enquanto no ballet clássico, o bailarino se esforça constantemente para ser leve e arejado em todos os momentos. O movimento ponderado era desejado pelo bailarino moderno, pois eles consideravam o chão em que dançavam como uma fonte de força a ser cortejada e não como um suporte do qual se libertar. Muitas vezes eles usam o seu peso corporal para aumentar o movimento. O bailarino moderno rejeita a postura clássica de um corpo erecto, optando muitas vezes por quedas e rolos deliberados no chão.

Com início em 1934, a Bennington College Summer School of Dance ofereceu aos alunos a oportunidade de estudar com os “quatro grandes”: Graham, Humphrey Weidman e Holm. (Hanya Holm emigrou da Alemanha e abriu um estúdio em Nova Iorque em 1933, fundado sobre os princípios desenvolvidos por Mary Wigman). Além da técnica, foram oferecidas aulas de composição, estagiário e história da música. O corpo estudantil foi fortemente atraído pelos professores dos departamentos de educação física (muito poucas escolas ofereciam uma licenciatura em dança) em todo o país.

A aceitação do público veio lentamente durante os anos 30, mas aumentou nos anos 40, quando esta geração de coreógrafos foi convidada a coreografar musicais para o teatro popular e apresentar a sua própria companhia em locais teatrais mais populares.

Na costa oeste, Lester Horton, cujo interesse inicial pela cultura Amerind (um grupo de índios indígenas americanos nativos) o levou à dança moderna. Ele estabeleceu uma companhia e um teatro dedicado inteiramente à apresentação de dança em Los Angeles. Ele também utilizou seus talentos coreográficos em uma variedade de filmes. Daltônico em sua formação de dançarinos, Horton teve a primeira companhia de dança moderna integrada nos Estados Unidos. Ele incentivou o trabalho de Alvin Ailey, Carmen de Lavallade e Janet Collins, entre outros. Ailey, tal como Pearl Primus e Katherine Dunham antes dele, abordou temas de igualdade racial, injustiça social e fervor religioso que derivavam da experiência negra. Estilisticamente, eles acharam a estrutura narrativa do período pós-Denishawn mais útil para seu trabalho, assim como coreógrafos posteriores como Talley Beatty, Donald McKayle, George Faison, Garth Fagan e Bill T. Jones.

Nos anos 60, coreógrafos se dissociaram de todas as convenções teatrais de seus antecessores e se concentraram principalmente no movimento corporal, treinado ou não. Eles se apresentavam dentro de casa, ao ar livre, dos telhados aos locais de rua, em quase todos os lugares, exceto nos teatros arqueados de proscênio. A roupa do dia-a-dia era muitas vezes favorecida tanto pela fantasia como pela nudez, por vezes. Este movimento teve sua raiz no início dos anos 60 com um curso de composição ministrado pelo pianista, acompanhador e compositor Robert Dunn no estúdio Cunningham. Foi um ensino sem juízos de valor que encorajou aqueles que fizeram o curso a compreender a lógica das suas próprias escolhas e a explorá-las plenamente.

A dança moderna tem sido e continua a ser assumida como uma forma libertada de expressão séria de dança em cada país que a ela tem estado exposto. A influência da vigorosa vida criativa das companhias americanas estimulou amplamente o desenvolvimento da dança moderna em todo o mundo na segunda metade do século 20. Essa influência estimulou os coreógrafos a desenvolver a linguagem do movimento que fala mais diretamente ao seu público. A dança moderna desde o seu início incentivou a expressão individual na escolha de temas e meios de atuação.

Martha Graham, ex-aluna de Ruth St. Dennis, é considerada uma das principais pioneiras da dança moderna americana. A fim de expressar a paixão, raiva e êxtase dos humanos, ela desenvolveu sua própria linguagem de movimento. Ela criou uma nova técnica de dança semelhante ao ballet, mas com várias diferenças. Ela concentrou-se fortemente no movimento humano básico, concentrando-se nos movimentos de contracção e de libertação. Em vez de longos movimentos fluidos, os movimentos de Graham eram afiados e irregulares. A sua dança visava expor as emoções humanas básicas através do movimento. “O movimento nunca mente.” A visão corajosa e ousada de Graham’s para a dança moderna valeu-lhe muitos prêmios, honras e reconhecimento mundial.

A história da dança moderna está ligada às tendências sociais, políticas e artísticas da época em que ela foi criada. Começando como nova dança no início do século 20, a dança moderna foi moldada pelo movimento feminino, pelas novas tendências nas artes visuais e por um crescente amor pela abordagem científica. A geração matriarcal de Isadora Duncan, Lorie Fuller e Ruth St. Denis inspirou a imaginação do mundo da dança ao se afastar das tradições do século anterior.

Como cada época do século XX mudou, também a dança moderna mudou. Os anos 20 a 30 foram a era pioneira da forma de arte. Luminaries como Martha Graham, Doris Humphrey e Katherine Dunham começaram a dar forma e a definir o que seria este novo gênero de dança. As décadas de 1940 e 1950 viram os sucessores dos pioneiros, dando origem a essas novas variações estilísticas através do trabalho de gigantes artísticos como José Limón e Merce Cunningham. De 1960 a 1980, coreógrafos e bailarinos sintetizaram e reexaminaram o trabalho dos pioneiros, trazendo novos tipos de vocabulário de movimento para a linguagem da dança moderna. Ícones como Alvin Ailey e Twyla Tharp são emblemáticos desta época. A última parte do século XX trouxe à tona o valor da colaboração através do trabalho de criadores verdadeiramente inventivos, incluindo Bill T. Jones e Pilobolus.

É possível ver as semelhanças e diferenças entre a dança moderna tradicional e a dança pós-moderna:

SIMILARIDADES:

• ambos apresentaram danças que exibiam movimento inovador.
• Alguns utilizaram temas sociais, políticos e globais.
• Alguns utilizaram os elementos do espaço, tempo e energia de uma forma diferente do ballet.

DIFERENÇAS:

• algumas danças pós-modernas não tinham tramas e eram desprovidas de narrativa; muitas danças tradicionais modernas tinham fortes linhas narrativas.
• Danças modernas tradicionais empregavam dançarinos treinados; alguns coreógrafos pós-modernos usavam dançarinos não treinados.

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• Danças modernas tradicionais mais frequentemente, utilizavam fantasias; danças pós-modernas eram frequentemente apresentadas em roupas de rua do dia-a-dia.
• Danças modernas tradicionais eram frequentemente apresentadas em teatros; danças pós-modernas eram apresentadas em vários lugares diferentes.

As contribuições que o artista pós-moderno fez para o mundo da dança tiveram um efeito profundo na forma como as pessoas coreografam e vêem a dança.

Dançarinos modernos hoje em dia usam a dança para expressar as suas emoções mais interiores, muitas vezes para se aproximarem do seu interior. Antes de tentar coreografar, combinar ou dançar, o bailarino moderno decide que emoções tentar transmitir ao público. Muitos dançarinos modernos escolhem um tema próximo e querido ao seu coração, como um amor perdido ou um fracasso pessoal. O bailarino terá música composta ou usará música já composta que reflita ou se relacione com a história que deseja contar ou poderá optar por não usar nenhuma música. Além disso, eles escolhem uma fantasia para refletir ainda mais suas emoções escolhidas.

Dança Moderna continua a ser uma forma de arte relevante e vibrante no século 21. Suas características unificadoras são sua resposta aos tempos em que está sendo criada, sua resistência às tradições do passado e sua constante reavaliação de sua relevância e significado. As tradições e técnicas da dança moderna continuam a evoluir à medida que novos artistas dotados mudam as regras.

Tal mudança é uma coisa saudável. Uma forma de arte só pode crescer quando novas ideias e modos de expressão entram nela!

Dança Moderna tem e sempre terá a ver com o mundo em que vivemos,

refletindo tudo o que o mundo engloba sob a forma de movimento.