Faceți ritmuri hip hop și ritmuri rap mai bune cu aceste sfaturi de la legendarul producător hip hop Johnny Juice.

La o ascultare ocazională, piesele lui Jay-Z, Tupac sau KRS-One ar putea părea simple în construcție – rime carismatice care călăresc un groove de tobe antrenant, care se repetă. Dar dacă ai încercat vreodată să construiești singur ritmuri hip hop de la zero, probabil că știi deja că a produce ceva propulsiv, curajos, proaspăt și original nu este o știință atât de simplă – deci de unde să începi? L-am adus pe unul dintre experții fondatori ai genului pentru a ne oferi câteva sfaturi.

Producătorul multiplatinat Johnny „Juice” Rosado este unul dintre pionierii hip hop-ului. A lucrat cu artiști precum Run DMC, Public Enemy, The Beastie Boys, Ashanti și Dan the Automater și este, de asemenea, un DJ și scratcher foarte respectat. Iată ce a recomandat Juice pentru a da ritmurilor tale originale de hip hop funk-ul și puterea de care au nevoie.

Găsește o influență unică

Când îți dezvolți propria voce unică ca programator de ritmuri, Juice recomandă să te agăți de o influență care te inspiră – fie că este în cadrul hip hop-ului sau nu – și să sapi adânc în ea. „Studiați ce îl face pe acel muzician, compozitor, producător sau vocalist să sune așa cum sună”, spune el. „Și apoi aplicați asta la ceea ce faceți.”

Juice și-a urmat de mult timp propriul sfat în această privință, aducând un omagiu diverselor influențe în activitatea sa de producție și de DJ. „Eu nu fac scratch ca un DJ”, explică el. „Întotdeauna mi-am dorit să fac scratch așa cum Ray Baretto cânta la conga. De asemenea, fac scratch pe înregistrări ale lui Bobby Timmons, care este un mare pianist de jazz. El cântă solo-uri foarte complicate, iar mie îmi place să zgârii alături de el, potrivindu-mă cu acele ritmuri.”

Indiferent dacă influențele tale provin din grunge sau go-go, Juice afirmă că ascultând cu atenție și studiind orice stil care te inspiră te va ajuta să aduci o perspectivă nouă la orice ritmuri pe care ajungi să le construiești.

Învățați despre tobe – și alte instrumente

Juice recomandă să deveniți cât mai pricepuți să cântați la cel puțin un instrument – nu doar să programați mostre ale acestuia – și să învățați cel puțin noțiunile de bază ale cât mai multor alte instrumente posibile. „Văd o mulțime de producători care nu înțeleg cum toboșarii cântă de fapt la tobe”, spune el. „Ei au hi-hat-ul care cântă pe tot parcursul unui cântec, iar dacă ați urmărit vreodată un toboșar cântând, știți că atunci când face un fill, hi-hat-ul se oprește de obicei până când fill-ul se termină. Chiar dacă folosești o mașină de tobe care nu ar trebui să sune ca un toboșar adevărat, tot vrei să o programezi ca și cum ar cânta un toboșar adevărat. De asemenea, întotdeauna am un crash cymbal lovit cu toba de sub el pentru a da mai multă putere loviturii – pentru că așa cântă o mulțime de toboșari adevărați.

„Cunoașterea chiar și a unui singur instrument este foarte utilă atunci când vine timpul să programezi”, continuă el. „Dacă studiați tobele și doriți să construiți un ritm, începeți cu pista de tobe. Dacă studiezi basul, atunci aceasta este rampa ta de lansare.”

Constituie-ți o bibliotecă de sunete

Sintetizatoare de clape, instrumente virtuale bazate pe software, DVD-uri pline de hit-uri exotice de tobe – sunetele pe care le folosești pentru a-ți construi ritmurile pot proveni de peste tot, iar Juice recomandă să acumulezi o colecție cât mai profundă, diversă și unică. „Învață ce este santourul!”, spune el. „Este un instrument persan cu un sunet foarte mișto – un fel de chitară, dar cântat cu bețe. Sună grozav – așa că încercați să începeți cu asta și să construiți un ritm în jurul lui. Asigură-te că ai tot felul de lucruri neobișnuite ca acesta în repertoriul tău. Un sunet nou poate fi o scânteie creativă, iar tu tinzi să programezi diferit atunci când folosești sunete diferite.”

Începeți cu un cântec pe care îl iubiți

„Dacă aveți probleme în a găsi inspirație, vă recomand întotdeauna să vă eșantionați discul preferat, să aruncați tobele sub el, să adăugați niște părți de clape deasupra – și apoi să scoateți eșantionul”, spune Juice. „Ceea ce îți rămâne este o imagine în oglindă a acelui cântec pe care îl iubești, dar este al tău. S-ar putea să aibă același tempo și aceeași progresie de acorduri ca și cântecul original, dar va fi ceva nou, unic și cu adevărat al tău.” De acolo, spune el, continuați să adăugați alte elemente pentru a umple spațiul lăsat de eșantionul original pe care l-ați folosit ca sursă de inspirație.

Această tehnică poate funcționa cu o piesă de aproape orice gen – country, reggae, metal, orice doriți. Asigurați-vă doar că orice înregistrare pe care o folosiți ca material sursă are un groove bun și vă entuziasmează să faceți muzică.

Nu uitați să faceți pan

„Panning-ul este o artă pierdută în hip hop”, spune Juice. „O mulțime de înregistrări hip hop din ziua de azi sună ca o singură piesă mono mare. Sau totul este pur și simplu panoramizat tare la dreapta și tare la stânga.”

Indiferent dacă sunetele de tobe provin de la un set de tobe acustice sau de la o mașină de tobe clasică Roland TR-808 – sau de oriunde între ele – panoramizați sunetele de tobe în funcție de modul în care ar apărea pe scenă, spune Juice. „Trebuie să aveți un aranjament de panoramare care să ofere fiecărui lucru spațiul său. Întotdeauna panoramizez tobele snare un pic mai la dreapta, pentru că, dacă mă uit la un toboșar, snare-ul este un pic mai la dreapta. Hi-hat-ul este un pic mai la dreapta. Tomurile merg de la dreapta la stânga, de la o înălțime mai mare la o înălțime mai mică.”

Tip rapid: Dacă nu sunteți sigur unde să panoramați un anumit sunet de tobe, ascultați câteva albume clasice de jazz pe o pereche bună de căști și acordați o atenție deosebită la ce elemente sonore sunt plasate unde, de la stânga la dreapta.

Fiți conștienți de mono și stereo

Multe dintre sunetele folosite în ritmurile hip hop provin de la sintetizatoare cu tastatură populare, cum ar fi Korg Triton și Yamaha Motif, spune Juice – dar atunci când scoateți sunete de la aceste instrumente puternice într-o interfață audio pentru a înregistra, el avertizează că trebuie să fiți atenți.

„Când înregistrați de la un Triton, aveți ieșirile stânga și dreapta care intră în canalele 1 și 2 ale mixerului, așa că este ușor să înregistrați tot ce iese de la tastatură ca o piesă stereo”, spune el. „Acest lucru vă poate determina să înregistrați ceva în stereo care ar trebui să fie doar mono, cum ar fi un kick drum sau un snare drum.”

Dacă înregistrați o mostră care provine de la o singură sursă punctuală – cum ar fi un kick sau un snare – înregistrați-o doar de la o singură ieșire ca o pistă mono, apoi faceți un pic de panoramă, spune Juice. „Deoarece mulți producători înregistrează toate sunetele lor în stereo de la claviatură, ei presupun că sunt deja panoramate corect, și nu este așa. Dacă înregistrați un sunet de kick în stereo, practic nu faceți decât să înregistrați două piste mono identice lipite una de cealaltă. Trebuie să faci tu însuți panning-ul.”

Evitați acordajul neglijent

Pentru a crea un sunet unic, producătorii de hip-hop schimbă adesea acordajul unui sample, făcându-l să sune mai sus sau mai jos în ton decât originalul. „Ei vor dezacorda și vor încetini un sample până la un punct în care este de nerecunoscut”, spune Juice. „Este în regulă – dar cel puțin învață notele la pian, astfel încât atunci când dezacordezi sample-ul, acesta să fie acordat la o notă reală, nu la o zonă gri între Mi și Mi bemol.”

De ce este acordajul un lucru atât de important? „Când un cântăreț sau un muzician live vine să înregistreze peste ritmul tău, acest lucru poate cauza probleme”, continuă el. „Rezolv multe din aceste probleme în studioul meu. Dacă vocalistul sună ca naiba, de obicei, problema este că eșantionul nu este acordat corect.” Dezacordarea imprecisă a unui eșantion poate cauza probleme și dacă alegeți să adăugați linii de bas eșantionate, sau alte elemente melodice la jam-ul dumneavoastră. „Sintetizatoarele și instrumentele virtuale sunt, de obicei, acordate corect, așa că pot să răzbată cu adevărat dacă le pui să cânte împotriva unei mostre prost acordate.”

Leave space

„Amintiți-vă că vocea este ultimul instrument în orice ritm”, spune Juice. „Rapperul sau cântărețul este ceea ce este necesar pentru a termina ritmul – când ai terminat de programat, ritmul tău ar trebui să fie în punctul în care tot ce trebuie să faci este să adaugi vocea, să mixezi și să servești. Dacă ajungi în punctul în care un vocalist se luptă cu beat-ul pentru spațiu, înseamnă că este prea plin și trebuie să scoți ceva.” Chiar dacă nu ești tu însuți un vocalist de nivel profesionist, o modalitate ușoară de a vedea dacă lași suficient spațiu este să fredonezi o melodie inventată sau să scuipi un vers fără sens peste beat-ul tău. Dacă simțiți că vă luptați cu muzica, încercați să reduceți puțin ritmul pentru a crea mai mult spațiu – dar dacă vocea și ritmul par să respire împreună, sunteți pe drumul cel bun.

Experimentați

„Muzica nu este mâncare pentru câini”, spune Juice. „Mâncarea pentru câini este fabricată. Există o formulă și un proces. Din nefericire, oamenii pot cădea în capcana de a fabrica muzică, nu de a o crea, așa că este important să rămâi în mentalitatea creativă și să nu te simți ca și cum ai trece în mod formulă printr-un proces de linie de asamblare.”

Pentru a evita să îți creezi propria mâncare de câine sonică, Juice recomandă să îți acorzi timp suplimentar pentru a încerca lucruri noi care ar putea să se prăbușească și să ardă, sau ar putea duce la ceva interesant. „Experimentarea cu tot felul de lucruri este cheia”, spune el. „Fiecare producător programează diferit, așa că nu începeți întotdeauna cu același instrument. Încercați să folosiți un instrument pe care nu l-ați mai folosit până acum. Încercați să amestecați un clavecin cu niște reggae. Și acordați-vă timpul necesar pentru a încerca lucruri noi. O mulțime de oameni sunt foarte preocupați să rezolve lucrurile acum, iar acest lucru poate sta în calea creativității reale.”

Albumul de debut în trio al lui Michael Gallant, colaborator obișnuit al Disc Makers, Completely, a primit o recenzie de patru stele din partea revistei DownBeat și o recenzie de cinci stele din partea revistei Critical Jazz, care a declarat: „Am primit o recenzie de patru stele din partea revistei DownBeat și o recenzie de cinci stele din partea revistei Critical Jazz: „Acesta, prietenii mei, este viitorul jazz-ului. Proaspăt, revigorant, progresiv – pur și simplu nu există suficiente adjective pozitive pentru a le enumera aici.” Aflați mai multe, descărcați prin iTunes sau cumpărați prin CD Baby. Urmăriți-l pe Michael pe Twitter la @Michael_Gallant sau pe Facebook.

.