DESPRE DANSUL MODERN (O istorie foarte scurtă & condensată)

Dansul modern este un termen care descrie mai multe tipuri de tehnici de dans. Este o categorie de stiluri de dans, adesea menționată ca un gen de dans. Multe dintre principalele stiluri din acest gen sunt atribuite unor coregrafi specifici care au fost pionieri ai unor moduri noi și unice de a se mișca și au creat noi vocabulare de mișcare bazate pe filozofiile lor personale; opiniile lor despre modul în care dansul funcționează ca instrument artistic. Dansatorii formați în studiouri private de dans au adesea tendința de a asocia sau de a face referire la dansul modern cu termenii de dans liric sau contemporan. În timp ce aceste studiouri și forme de competiție pot avea unele mișcări în comun cu dansul modern profesionist de concert, dansul liric se referă de fapt la o calitate a mișcării. Dansul contemporan înseamnă de obicei că a fost creat recent, este interpretat pe muzică contemporană și este o fuziune a stilurilor de balet, jazz și modern.

Ce face atunci ca ceva să fie dans modern? Nu există linii absolute trasate în lumea dansului profesionist, dar, în scopul acestui curs, iată definiții limitate ale formelor de dans modern care au cel puțin una dintre următoarele caracteristici:

• Bazat pe una dintre tehnicile codificate ale primilor maeștri, cum ar fi Graham, Humphrey, Limón, Dunham, Horton sau Cunningham
• Bazat pe mișcări create prin utilizarea respirației, articularea trunchiului (cum ar fi aliniat, titrat sau contractat), utilizarea podelei sau improvizație, fără a fi nevoie de poziții întoarse ale picioarelor sau de picioare ascuțite
• O fuziune de stiluri de dans care utilizează vocabularul mișcărilor de balet, jazz, modern, hip-hop, afro-caribbean, capoeira și dans postmodern în aceeași coregrafie
• O asociere puternică cu solul în alegerile de mișcare; un accent pe mișcarea cu picioarele pe pământ atunci când se stă în picioare și un vocabular de mișcări efectuate în timp ce se stă întins sau așezat pe podea.

Mai degrabă decât o definiție concisă a ceea ce este dansul modern, poate mai important pentru dumneavoastră este ceea ce poate contribui la îmbogățirea vieții dumneavoastră. Vă poate introduce într-o nouă formă de tehnică în care să experimentați bucuria mișcării. Îți poate spori aprecierea față de muzică, față de alte arte diverse și față de forme de mișcare. Îți poate spori respectul și înțelegerea profesiei de dansator. De asemenea, vă poate extinde gradul de conștientizare și apreciere a modului în care dumneavoastră și ceilalți vă mișcați.

Care artist este un produs al timpului în care creează. În timp ce primii artiști de dans modern au fost frecvent în avangarda schimbării, mulți dintre ei au reflectat, de asemenea, prejudecățile și circumstanțele sociale și politice ale timpului lor. Forța motrice pentru mulți artiști de la începutul secolului al XX-lea a fost căutarea de elemente de dans.

În timp ce nu este posibil să acordăm o recunoaștere adecvată tuturor coregrafilor, producătorilor, educatorilor și dansatorilor care au modelat dansul modern, câteva persoane proeminente pot ajuta la urmărirea dezvoltării formei de artă așa cum este practicată în studio și adesea interpretată astăzi.

• 1900 – 1920: Matriarhiile, Loie Fuller, Isadora Duncan și Ruth St.Denis
• 1920 – 1940: Pionierii, Ted Shawn, Doris Humphrey, Martha Graham, Mary Wigman, Katherine Dunham
• 1940 – 1960: A doua generație, constructorii moștenirii, José Limón, Hanya Holm
• 1940 – 1960: A doua generație, iconoclaștii, Merce Cunningham, Lester Horton, Alwin Nikolais
• 1960 – 1980: Sintetizatorii, Alvin Ailey, Paul Taylor, Twyla Tharp
• 1980 – 2000: Colaboratori, Pilobolus, Bill T. Jones

În trecut, „dansul modern” reprezenta punctele de vedere și conceptele de mișcare ale fiecăruia dintre mai mulți dansatori sau coregrafi. … tehnica Martha Graham, tehnica Doris Humphrey sau tehnica Lestor Horton. Pe măsură ce orizonturile artistului de dans s-au lărgit, s-au lărgit și formele de mișcare, care seamănă mai mult între ele, decât se deosebesc în mod unic. Dansul modern este o formă de artă mai tânără decât baletul, iar stilul de mișcare se axează pe interpretările proprii ale dansatorului, în locul mișcărilor standardizate și a pașilor structurați din baletul clasic sau tradițional. Cu toate acestea, dansul modern folosește multe dintre vocabularul și terminologia clasică. Astăzi, mulți coregrafi de „balet” utilizează conceptele de mișcare ale dansatorului modern, iar exercițiile dansatorului de balet sunt acum folosite în tehnicile „moderne”. Dansul modern este cunoscut pentru independența, inventivitatea și atitudinea sa netradițională. Mulți coregrafi includ acum în lucrările lor nu numai tehnicile evazive ale dansului modern, ci și principiile dansului de jazz, african, balet și ale altor dansuri etnice.

Dezvoltarea dansului modern ca formă de artă a apărut prin încălcarea „regulilor” a ceea ce „trebuia” să fie dansul. În anii 1900, dansatorii europeni au început să se revolte împotriva regulilor rigide ale baletului clasic, a tehnicilor structurate, a costumelor și a pantofilor de balet. Spre sfârșitul secolului al XIX-lea, persoane devotate, precum Loie Fuller, Ruth St. Denis, Isadora Duncan și Ted Shawn, dansau în mod regulat. În lipsa unui nume mai bun, dansul „clasic” a fost atribuit lucrărilor acelor artiști care își modelau operele după modele idealizate grecești sau romane. Acești noi dansatori favorizau un stil de dans mai relaxat și mai liber. Pionierii dansului modern dansau în picioarele goale și în costume care curgeau liber, adesea revelatoare.

Modernism versus Realism

Mulți artiști s-au angajat într-o îndepărtare deliberată de la reprezentarea realistă în artă la ceea ce a devenit cunoscut sub numele de modernism. Acest nou stil a explorat experiența subiectivă, cum ar fi sentimentele și percepțiile cuiva, mai degrabă decât viața reală observată. Lucrările aveau un aspect abstract, spre deosebire de cel realist. De exemplu; lucrările pictorului Pablo Picasso, care conțin părți recognoscibile ale corpului, dar nu și fața realistă a unei femei, sunt un exemplu al acestei mișcări moderniste în artă. Noul dans, sau dansul modern, așa cum a devenit cunoscut mai târziu, era interesat de reprezentarea abstractizării experienței umane, mai degrabă decât de o relatare realistă a unei povești. Noua formă de dans a explorat sentimentele persoanei despre lume prin mișcări abstracte, dezordonate și neliterale. La fel ca și modernismul în artă, dansul modern s-a manifestat ca o rebeliune împotriva tradițiilor artistice din trecut.

St. Denis și Ted Shawn au venit împreună din punct de vedere profesional și au înființat o școală în cartierul Westlake din Los Angeles, care a atras elevi din întreaga țară. St. Denis a fost muză, model de urmat și uneori profesor, în timp ce Shawn s-a concentrat în primul rând pe școala de detalii. Compania lor, numită Denishawn, a făcut turnee în circuitele populare de vodevil și a fost cea mai importantă companie serioasă de dans din țară.

Până în al doilea deceniu al secolului al XX-lea, numele de „dans modern” a început să fie folosit pentru a descrie munca succesorilor lui Denishawn, cum ar fi Martha Graham, Doris Humphrey, Charles Weidman, Hanya Holm, Helen Tamrisis și Lester Horton. Caracteristica principală a dansului modern este că încurajează dansatorii să își folosească emoțiile și stările de spirit pentru a-și concepe pașii, combinațiile și dansurile, în loc să urmeze un cod structurat de tehnică, ca în cazul baletului. Se formau școli de mișcare bazate pe vocabularul de mișcare al fiecărui coregraf în parte, care proveneau din propria concepție despre originea impulsului de mișcare și despre modul în care acesta trebuia dezvoltat logic.

Graham, Humphrey și Weidman au respins estetica lui Denishawn, numind-o „Dancing Gods and Goddesses” (Zei și zeițe dansatoare), și au optat pentru teme personale sau sociale, interpretate în costume mai apropiate de vestimentația contemporană decât rochiile exotice purtate de interpreții anteriori sau tutu-urile tradiționale ale baletului clasic. Coregrafii acestei generații au dezvoltat stiluri de mișcare percutante și practic lipsite de gestul dramatic de „film mut” care a caracterizat generația anterioară, precum și de regulile rigide ale tehnicii clasice. O altă caracteristică a dansului modern, în opoziție cu baletul, este utilizarea deliberată a gravitației. În timp ce în baletul clasic, dansatorul se străduiește în mod constant să fie în permanență ușor și aerisit pe picioarele sale. Mișcarea cu greutate era dorită de dansatorul modern, deoarece acesta considera că podeaua pe care dansa era mai degrabă o sursă de forță pe care trebuia să o curteze decât un suport de care să se elibereze. Aceștia își folosesc adesea greutatea corpului pentru a spori mișcarea. Dansatorul modern respinge poziția clasică a unui corp drept și erect, optând adesea în schimb pentru căderi și rostogoliri deliberate pe podea.

Începând din 1934, Școala de vară de dans de la Bennington College of Dance a oferit studenților posibilitatea de a studia cu „cei patru mari”: Graham, Humphrey Weidman și Holm. (Hanya Holm a emigrat din Germania și a deschis un studio în New York în 1933, fondat pe principiile dezvoltate de Mary Wigman). Pe lângă tehnică, se ofereau cursuri de compoziție, scenografie și istoria muzicii. Corpul studențesc se atrăgea în mare măsură de la profesorii din departamentele de educație fizică (foarte puține școli ofereau o diplomă în dans) din întreaga țară.

Acceptarea publică a venit încet în anii 1930, dar a crescut în anii 1940, când această generație de coregrafi a fost invitată să coregrafieze musicaluri pentru teatrul popular și să își prezinte propria companie în spații teatrale mai populare.

Pe coasta de vest, Lester Horton, al cărui interes inițial pentru cultura amerindiană (un grup de indieni nativi americani indigeni) l-a adus la dansul modern. El a înființat o companie și un teatru dedicat în întregime prezentării dansului în Los Angeles. De asemenea, și-a folosit talentele coregrafice într-o varietate de filme. Fără deosebire de culoare în pregătirea dansatorilor, Horton a avut prima companie integrată de dans modern din Statele Unite. El a încurajat activitatea lui Alvin Ailey, Carmen de Lavallade și Janet Collins, printre alții. Ailey, la fel ca Pearl Primus și Katherine Dunham înaintea lui, a abordat teme legate de egalitatea rasială, nedreptatea socială și fervoarea religioasă care decurgeau din experiența negrilor. Din punct de vedere stilistic, ei au găsit structura narativă a perioadei post-Denishawn cea mai utilă pentru munca lor, la fel ca și coregrafii de mai târziu, precum Talley Beatty, Donald McKayle, George Faison, Garth Fagan și Bill T. Jones.

În anii 1960, coregrafii s-au disociat de toate convențiile teatrale ale predecesorilor lor și s-au concentrat în primul rând pe mișcarea corpului, antrenată sau nu. Ei au prezentat spectacole în interior, în aer liber, de pe acoperișuri până la localuri stradale, aproape peste tot, cu excepția teatrelor cu boltă de prosceniu. Îmbrăcămintea de zi cu zi era adesea favorizată ca costum, precum și nuditatea, uneori. Această mișcare și-a avut rădăcinile la începutul anilor 1960, cu un curs de compoziție predat de pianistul, acompaniatorul și compozitorul Robert Dunn la studioul Cunningham. A fost o predare lipsită de prejudecăți care i-a încurajat pe cei care urmau cursul să înțeleagă logica propriilor alegeri și să le exploreze pe deplin.

Dansul modern a fost și continuă să fie preluat ca o formă eliberată de exprimare serioasă a dansului în fiecare țară care a fost expusă la el. Influența vieții creative viguroase a companiilor americane a stimulat pe scară largă dezvoltarea dansului modern în întreaga lume în a doua jumătate a secolului XX. Această influență i-a încurajat pe coregrafi să dezvolte limbajul de mișcare care să se adreseze cel mai direct publicului lor. Încă de la începuturile sale, dansul modern a încurajat exprimarea individuală în alegerea temelor și a mijloacelor de interpretare.

Martha Graham, fostă elevă a lui Ruth St. Dennis, este considerată unul dintre cei mai importanți pionieri ai dansului modern american. Pentru a exprima pasiunea, furia și extazul oamenilor, ea și-a dezvoltat un limbaj de mișcare foarte propriu. Ea a creat o nouă tehnică de dans asemănătoare cu cea a baletului, dar cu câteva diferențe. Ea s-a axat foarte mult pe mișcarea umană de bază, concentrându-se pe mișcările de contracție și de eliberare. În loc de mișcări lungi și fluide, mișcările lui Graham erau ascuțite și zimțate. Dansul ei urmărea să expună emoțiile umane de bază prin mișcare. „Mișcarea nu minte niciodată”. Viziunea curajoasă și îndrăzneață a lui Graham pentru dansul modern i-a adus numeroase premii, onoruri și recunoaștere la nivel mondial.

Istoria dansului modern este legată de tendințele sociale, politice și artistice ale epocii în care a fost creat. Început ca dans nou în prima parte a secolului al XX-lea, dansul modern a fost modelat de mișcarea femeilor, de noile tendințe în artele vizuale și de o dragoste crescândă pentru abordarea științifică. Generația matriarhală formată din Isadora Duncan, Lorie Fuller și Ruth St. Denis a inspirat imaginația lumii dansului în timp ce se îndepărta de tradițiile secolului precedent.

Pe măsură ce fiecare epocă a secolului XX s-a schimbat, la fel a făcut și dansul modern. Anii 1920 – 1930 au fost epoca de pionierat a acestei forme de artă. Luminari precum Martha Graham, Doris Humphrey și Katherine Dunham au început să modeleze și să definească ceea ce urma să fie acest nou gen de dans. Anii 1940 și 1950 au fost martorii succesorilor pionierilor, care au dat naștere acestor noi variații stilistice prin munca unor giganți artistici precum José Limón și Merce Cunningham. Din 1960 până în anii 1980, coregrafii și dansatorii au sintetizat și reexaminat munca pionierilor, aducând noi tipuri de vocabular de mișcare în limbajul dansului modern. Icoane precum Alvin Ailey și Twyla Tharp sunt emblematice pentru această perioadă. Ultima parte a secolului XX a scos în evidență valoarea colaborării prin munca unor creatori cu adevărat inventivi, inclusiv Bill T. Jones și Pilobolus.

Se pot observa asemănările și diferențele dintre dansul modern tradițional și dansul postmodern:

SIMILARITĂȚI:

• Ambele au prezentat dansuri care au afișat mișcări inovatoare.
• Ambele au utilizat teme care erau sociale, politice și globale.
• Ambele au utilizat elementele de spațiu, timp și energie într-un mod diferit de balet.

DIFERENȚE:

• Câteva dansuri postmoderne erau fără intrigă și lipsite de narațiune; multe dansuri moderne tradiționale aveau linii narative puternice.
• Dansurile moderne tradiționale foloseau dansatori antrenați; unii coregrafi postmoderni foloseau dansatori neantrenați.
• Dansurile moderne tradiționale utilizau, de cele mai multe ori, costume; dansurile postmoderne erau adesea prezentate în haine de stradă de zi cu zi.
• Dansul modern tradițional era adesea prezentat în teatre; dansul postmodern era prezentat în mai multe locuri diferite.

Contribuțiile pe care artistul postmodern le-a adus în lumea dansului au avut un efect profund asupra modului în care oamenii coregrafiază și privesc dansul.

Dansatorii moderni folosesc astăzi dansul pentru a-și exprima cele mai intime emoții, adesea pentru a se apropia de sinele lor interior. Înainte de a încerca să coregrafieze o combinație sau un dans, dansatorul modern decide ce emoții să încerce să transmită publicului. Mulți dansatori moderni aleg un subiect apropiat și drag inimii lor, cum ar fi o dragoste pierdută sau un eșec personal. Dansatorul va avea muzică compusă sau va folosi muzică deja compusă care reflectă sau are legătură cu povestea pe care dorește să o spună sau poate alege să nu folosească niciun fel de muzică. În plus, ei aleg un costum care să reflecte și mai mult emoțiile alese.

Dansul modern continuă să fie o formă de artă relevantă și vibrantă în secolul XXI. Caracteristicile sale unitare sunt răspunsul său la vremurile în care este creat, rezistența sa față de tradițiile din trecut și reevaluarea constantă a relevanței și semnificației sale. Tradițiile și tehnicile dansului modern continuă să evolueze pe măsură ce noi artiști talentați schimbă regulile.

O astfel de schimbare este un lucru sănătos. O formă de artă poate crește doar atunci când noi idei și moduri de exprimare intră în ea!

Dansul modern a fost și va fi întotdeauna despre lumea în care trăim,

reflectând tot ceea ce cuprinde lumea sub formă de mișcare.

.