• Ornette Coleman

Considerado uno de los fundadores del free jazz, Coleman poseía una voz improvisadora única.

La llegada de su cuarteto a Nueva York, con una residencia muy discutida en el Five Spot, fue enormemente controvertida, y el sonido de la banda no se parecía a ninguno de los anteriores.

El cuarteto tocaba uno de los temas memorables de Ornette como «head in» al principio, y «head out» al final, tal y como lo haría una banda de jazz estándar. Sin embargo, los solos improvisados entre estas melodías prescindían de los cambios de acordes y de la forma, en una técnica conocida como «tiempo, sin cambios».

A pesar de la naturaleza radical de esta forma de tocar, la música es oscilante, bluesera y muy informada por la historia del jazz.

Coleman experimentaría más tarde con otros instrumentos, tocando la trompeta y el violín además del saxofón. Se refería a su enfoque y filosofía como «harmolódica», aunque el significado práctico exacto de esto es algo misterioso.

Album recomendado de Ornette Coleman: The Shape of Jazz to Come

Lanzado en 1959, este es el álbum más famoso de Coleman y, en temas como ‘Peace’ y ‘Lonely Woman’, contiene algunas de sus composiciones más duraderas.

La reacción al cuarteto de Coleman fue mixta, con algunos críticos aclamando una nueva dirección revolucionaria en el jazz, mientras que los detractores de alto perfil incluyeron a Miles Davis y Charles Mingus.

Ornette fue autodidacta y no se le puede considerar un virtuoso escolar en el sentido tradicional, pero su sonido de contralto llorón es profundamente expresivo y las melodías que compuso son innegablemente fuertes.

The Shape of Jazz To Come presenta su clásico cuarteto inicial con Billy Higgins (que luego sería sustituido por Ed Blackwell) a la batería, Charlie Haden al contrabajo y Don Cherry, posiblemente el colaborador más importante de Ornette, a la corneta.

El álbum Free Jazz de 1961 de Coleman dio nombre al movimiento.

• Eric Dolphy

Multiinstrumentista, Dolphy es más conocido como saxofonista alto, y por ser uno de los primeros músicos en tocar el clarinete bajo en un entorno de jazz.

También tocaba la flauta y, con menos frecuencia, el clarinete &piccolo.

Inicialmente arraigado en el bebop -existe una grabación privada de él practicando con el gran trompetista Clifford Brown- se interesó por la Vanguardia, caracterizándose su forma de tocar por un tono algo salvaje y unos intervalos amplios que pueden haber sido influenciados por la música clásica contemporánea.

Lamentablemente, murió con sólo 36 años mientras estaba de gira en Alemania, tras caer en coma como consecuencia de una diabetes no diagnosticada.

Como músico de acompañamiento tocó en importantes álbumes de John Coltrane, Charles Mingus y Oliver Nelson.

Album recomendado de Eric Dolphy: Out To Lunch

Todos los músicos de este álbum de 1964 tenían un serio pedigrí jazzístico -especialmente el trompetista Freddie Hubbard, al que quizá se considere más un intérprete de hard bop-, pero éste es uno de los discos más vanguardistas del catálogo de Blue Note de los años 60.

La combinación del clarinete bajo de Dolphy con el vibráfono de Bobby Hutcherson es un sonido especialmente distintivo.

El baterista Tony Williams (incluido en esta lista de los mejores bateristas de la historia del jazz) acababa de cumplir 18 años y había comenzado recientemente su etapa con el Second Great Miles Davis Quintet.

• John Coltrane

Un músico que necesita poca presentación, el distintivo sonido del saxofón tenor de Coltrane se escuchó en una gama de entornos estilísticos a través de los años 50 y 60, tanto como líder de la banda y como sideman.

Al hard bop del First Great Miles Davis Quintet y de su propio Blue Train le siguió el nuevo enfoque modal de Milestones y Kind of Blue y luego la armonía compleja y rápida de composiciones como Giant Steps y Countdown.

Su cuarteto clásico, que produjo A Love Supreme, tocaba un intenso jazz modal con una dimensión cada vez más espiritual, que insinuaba la dirección más libre que tomaría la música de Coltrane durante los dos últimos años de su vida.

Desde 1965 hasta su muerte por cáncer de hígado en 1967 su música fue a menudo totalmente improvisada, prescindiendo de las secuencias de acordes y de los tempos organizados.

En sus últimas grabaciones colaboró con músicos como la pianista y arpista Alice Coltrane (con la que se casó en 1965), los saxofonistas Archie Shepp y Pharoah Sanders, y el baterista Rashied Ali, con quien grabó el álbum a dúo Interstellar Space.

Album recomendado de John Coltrane: Ascension

Considerado como un momento decisivo en la carrera de Coltrane, marcó su paso hacia el free jazz y se alejó de su clásico formato de cuarteto con McCoy Tyner, Jimmy Garrison y Elvin Jones.

La banda de 11 músicos alterna entre pasajes de conjunto más estructurados y secciones solistas que son esencialmente libres, con solistas que reciben información armónica esquelética, además de la instrucción de terminar con un crescendo.

La obra de Coltrane continuó construyendo sobre la estruendosa disonancia que se escucha aquí, y sus últimos álbumes siguen dividiendo la opinión entre los fans y los críticos.

• Alice Coltrane

Nacida Alice McLeod en Detroit, Michigan, trabajó como pianista de jazz en varios escenarios de straight-ahead y swing, incluyendo con Lucky Thompson, Kenny Clarke y el cuarteto del vibrafonista Terry Gibbs.

Después de que conociera a John Coltrane, las vidas y la música de ambos se volvieron más abiertamente espirituales, y sustituyó a McCoy Tyner como pianista en la banda de John en 1966, cuando su música adoptó formas más libres.

Tras la muerte de su marido, comenzó a grabar como líder.

Ahora se escuchan tanto el arpa como el piano &el órgano, y se acompañan de exuberantes arreglos de cuerda y grandes conjuntos, estos sonidos cósmicos han demostrado ser muy influyentes.

Álbum recomendado de Alice Coltrane: Universal Consciousness

Esta grabación de 1971 es el quinto álbum en solitario de Alice Coltrane, en el que el líder de la banda toca el arpa, el órgano y contribuye con arreglos de cuerda.

La música mística y altamente espiritual combina elementos del jazz modal, la improvisación libre y la composición más estructurada. En un ensayo sobre «100 Records That Set The World On Fire» en The Wire se afirma que Universal Consciousness «conecta claramente con otras tradiciones de jazz dispéptico -el trío de órgano, los solistas con cuerdas-, pero las volea hacia el espacio exterior, el antiguo Egipto, el Ganges, el más allá.»

• Cecil Taylor

Otro de los principales pioneros del free jazz estadounidense, Cecil Taylor destacó por su forma radical de tocar el piano con percusión y, al igual que Ornette Coleman, ya tocaba formas muy experimentales de jazz a finales de los años 50 en Nueva York.

De formación clásica, mostraba la influencia de compositores europeos modernos como Bela Bartók y Karlheinz Stockhausen.

El álbum de 1959 Coltrane Time (publicado inicialmente con el nombre de Taylor como Stereo Drive) es una escucha extraña, ya que el estilo atonal del pianista contrasta enormemente con una banda que, habiendo sido formada por el sello discográfico, cuenta con músicos más conservadores como el trompetista Kenny Dorham en un programa de estándares.

Más tarde, al dirigir sus propias bandas, fue reconocido como un músico estadounidense de gran importancia, actuando en las principales salas de conciertos y ganando varios premios y becas de alto nivel. También escribió música para la danza e incorporó su propia poesía a sus actuaciones musicales.

Album recomendado de Cecil Taylor: Unit Structures

Este álbum de 1966 fue el debut de Taylor para Blue Note Records. Uno de los primeros álbumes de free jazz más intensos, es grande en disonancia atonal, pesados racimos de acordes y complejos polirritmos, interpretados por un septeto que incluye dos contrabajistas: ciertamente no es una escucha fácil, pero ahora se considera uno de los discos más importantes de la década.

Un ensayo de Taylor, Sound Structure of Subculture Becoming Major Breath/Naked Fire Gesture, acompaña al álbum.

• Albert Ayler

Después de tocar inicialmente R&B, las grabaciones de free jazz de los años 60 de Albert Ayler dan prioridad a la expresión pura y cruda.

Su sonido de saxofón tenor no se parece al de nadie más: bocinazo, otro mundo y primario. Al principio tuvo como mentor a John Coltrane, haciendo música abiertamente espiritual y acudiendo a Coltrane en busca de ayuda financiera cuando se encontraba en la indigencia, pero las posteriores grabaciones del saxofonista mayor estuvieron a su vez muy influenciadas por Ayler.

De hecho, Ayler afirmó que «Trane era el padre. Pharoah era el hijo. Yo era el fantasma sagrado».

A veces se le acusó de charlatán durante su vida y tuvo poco éxito comercial. Sin embargo, en última instancia, ha demostrado ser muy influyente en una multitud de músicos del mundo del free jazz y la improvisación, y en varios estilos de rock experimental y «ruido».

Album recomendado de Albert Ayler: Spiritual Unity

En este álbum de 1964 el saxofonista tenor está acompañado por Sunny Murray -pionero de la batería en el free jazz- y el bajista Gary Peacock, que también tocó en tríos de jazz más convencionales con Bill Evans y Keith Jarrett.

El trío rara vez se ciñe a un tempo estricto y hay un alto grado de interacción de grupo en juego. Ayler grita a través de su saxofón, utilizando las extremidades del instrumento y técnicas extendidas, incluyendo microtonos.

El álbum incluye dos interpretaciones del pegadizo himno Ghosts, un himno de la vanguardia de los 60. A pesar de todo el radicalismo y el caos de Ayler, su música también contiene melodías cantables y elementos de la música religiosa y el blues.

• Sun Ra

La música altamente idiosincrásica de Sun Ra se inspira en toda la historia del jazz -desde el ragtime, los sonidos de Nueva Orleans, el bebop, el jazz modal, la fusión y el free jazz- para crear un mundo sonoro cósmico que se vio reforzado por sus actuaciones en directo, muy teatrales.

Nacido como Herman Poole Blount, adoptó el nombre de Le Sony’r Ra, que más tarde se acortó a Sun Ra.

Considerado un pionero de la estética afrofuturista, afirmaba ser un alienígena en una misión desde Saturno. Es más conocido por liderar The Arkestra, en la que fue uno de los primeros en adoptar los teclados eléctricos y los sintetizadores.

Sun Ra murió en 1993, pero la banda, que siempre ha contado con un elenco rotativo de músicos, sigue de gira bajo la dirección de su discípulo de siempre, el saxofonista Marshall Allen. Destacan por llevar elaborados trajes inspirados en el Antiguo Egipto y la Era Espacial.

Album recomendado de Sun Ra: Space is the Place

Sun Ra dejó tras de sí una enorme discografía, aunque muchas de sus primeras grabaciones fueron esfuerzos autoproducidos que sólo se imprimieron en pequeños lotes; ¡muchos ni siquiera enumeraban los nombres de las pistas o los músicos destacados!

No hay que confundirlo con el álbum de la banda sonora del largometraje de 1974 del mismo nombre, el gran conjunto de esta grabación de 1972 incluye a los miembros de la Arkestra de toda la vida, Marshall Allen, John Gilmore y Pat Patrick.

La hipnótica canción del título es uno de los mayores éxitos de la banda.

• Anthony Braxton

El saxofonista Anthony Braxton, uno de los muchos músicos notables que surgieron de la Association for the Advancement of Creative Musicians (AACM), el grupo educativo de promoción con sede en Chicago, llegaría a ganar una ‘Genius Grant’ de la Fundación MacArthur (1994) y a ser nombrado National Endowment for the Arts Jazz Master (2004).

Su enorme discografía abarca desde la composición de vanguardia, la escritura para orquesta y ópera, y las interpretaciones de izquierda de los estándares de jazz y la música de Charlie Parker y la Escuela Tristano.

También tocó en bandas lideradas por grandes del jazz como Chick Corea y Dave Holland, con quien grabó el seminal Conference of the Birds, aunque se ha distanciado de la palabra ‘jazz’.

Album recomendado de Anthony Braxton: 3 Compositions of New Jazz

El debut de Braxton en 1968 lo presenta junto a otras tres figuras increíblemente importantes de la vanguardia americana, todas ellas también procedentes de Chicago y vinculadas a la AACM: el violinista Leroy Jenkins, el trompetista Wadada Leo Smith y Muhal Richard Abrahams, aunque aquí se escucha a los cuatro con diversos instrumentos. T

Dos de los tres temas experimentales están titulados con diagramas, algo por lo que Braxton es conocido. Su siguiente disco For Alto (1969) es el primer álbum enteramente para saxofón solo.

• Archie Shepp

El saxofonista tenor Archie Shepp irrumpió en la naciente escena del jazz de vanguardia en el Nueva York de los años 60 con apariciones en bandas de alto nivel lideradas por Cecil Taylor y John Coltrane.

Junto con su compañero tenor Pharoah Sanders, estuvo a la vanguardia de un movimiento que tomaba influencias de varias culturas y tradiciones africanas.

Ha participado en la lucha por los derechos civiles, y también ha escrito e interpretado poesía y palabra hablada.

Aunque se le asocia principalmente con una marca afrocéntrica de free jazz, también ha tocado repertorio de R&B, blues y espirituales, y ha grabado discos de homenaje a Charlie Parker y Sidney Bechet.

Album recomendado de Archie Shepp: ¡The Magic of Ju-Ju

Este fue el décimo álbum de Shepp como director de banda fue el octavo para Impulse! el sello discográfico que produjo muchos de los discos más importantes de la vanguardia americana de los años 60.

En el épico tema de apertura de esta sesión de 1967 se ve su apasionado tenor gruñendo sobre una pulsante percusión africana, en un conjunto que incluye cinco percusionistas.

• Peter Brötzmann

El saxofonista y clarinetista alemán Peter Brötzmann fue uno de los primeros músicos europeos en abrazar los nuevos sonidos del free jazz de mediados de la década de 1960, ya que los pioneros estadounidenses de esta forma de música se dieron cuenta de que recibían una respuesta más cálida cuando estaban de gira en Europa que en Estados Unidos.

El brutal sonido de tenor de Brötzmann se inspira principalmente en Albert Ayler y, habiendo aparecido en más de 100 álbumes, sigue haciendo giras y grabando. Inicialmente se formó como artista visual y ha diseñado las portadas de la mayoría de sus álbumes.

Albumes recomendados de Peter Brötzmann: Nipples

Este álbum de 1968 presenta a Brötzmann en un poderoso sexteto de gigantes de la vanguardia europea, entre los que se encuentran el baterista holandés Han Bennink y los ingleses Derek Bailey y Evan Parker, a la guitarra y al saxo tenor respectivamente.

Una reseña de Pitchfork realizada por Scott Hreha compara la música con «el sonido de la carne siendo arrancada de un conjunto de huesos enjutos».