Este artículo se publicó originalmente en octubre de 2014. Lo resucitamos ahora que se acerca Halloween.
¿Qué importancia tiene la música en el cine?
«La música y el cine encajan de forma natural. Porque hay una especie de musicalidad intrínseca en la forma en que funcionan las imágenes en movimiento cuando se juntan. Se ha dicho que el cine y la música están muy unidos como formas de arte, y creo que es cierto». -Martin Scorcese
«Una pregunta demasiado amplia. Digamos que cubre una multitud de pecados». -Woody Allen
Con la excepción de los musicales, ningún género cinematográfico capitaliza más la música que el terror. Es el alma de cualquier susto, ya sea una cacofonía de cuerdas, una inquietante escala de piano o un ensordecedor silencio. Intente recordar algunas de las escenas más emblemáticas del cine de terror y lo más probable es que su mente también evocará la partitura que las acompaña, o viceversa.
Con Halloween cada vez más cerca, el equipo de cine de Consequence of Sound ha decidido elaborar una lista con las 10 partituras esenciales del cine de terror. Sabed que sólo hemos escogido partituras originales, lo que ha hecho que se descarten películas como El exorcista, El resplandor y La noche de los muertos vivientes. De lo contrario, puedes apostar tu cubo de caramelo a que estarían aquí.
Si tienes alguna otra sugerencia, no dudes en comentarla abajo. Estaremos atentos.
Hellraiser
Christopher Young
La música para Pinhead y sus cenobitas queda constantemente en segundo plano gracias a la música más popular escrita para sus rivales del cine de terror: Freddy Krueger, Michael Myers y Jason Voorhies. Sin embargo, la partitura gótica de Hellraiser lo separa de los demás titanes del género. Sin un sintetizador ni un «Ki-Ki-Ki, Ma-Ma-Ma», el compositor Christopher Young da un giro de 180 grados con respecto a su infravalorada partitura de A Nightmare on Elm Street Part 2: Freddy’s Revenge, y opta por ofrecer una música hermosa para una película que trata en gran medida el tema de los demonios personales y reales. La partitura principal y orquestal es crucial para el tema de la belleza y el dolor que coexisten para el principal antagonista de la película (el tío Frank es el verdadero malo aquí, no Pinhead), pero son esas campanas que suenan cuando los cenobitas se acercan las que realmente provocan los malos sueños. En resumen: La partitura de Hellraiser de Clive Barker te destrozará el alma. -Justin Gerber
Bajo la piel
Mica Levi
Spoiler: Nos encanta Under the Skin de Jonathan Glazer. Fue nuestra película número 1 de 2014 y, aunque ha resultado ser algo divisiva, es difícil discutir la implacable partitura de Mica Levi. Teniendo en cuenta que casi no hay diálogos, la película se apoya en las abrasivas composiciones de Levi para contar la historia del peligroso visitante alienígena. «Lo que puedes conseguir con las cuerdas sintetizadas es que se eternicen, mientras que un humano no puede… hay error humano», dijo Levi a Variety. «Pero con esto, consigues esta sensación de eternidad». La sencilla percusión actúa como el latido del corazón de la película, y rara vez desaparece durante algún momento, pero son esas inquietantes cuerdas las que suenan como clavos oxidados en una pizarra. En conjunto, el caos nos permite conocer un secreto que desconocen los hombres de la película: A Scarlett Johansson le pasa algo. -Justin Gerber
Tiburón
John Williams
Steven Spielberg tuvo un gran problema en el rodaje de Tiburón: sus tres tiburones animatrónicos no paraban de estropearse. Mientras veía cómo los primeros 250.000 dólares de Bruce (que bautizó colectivamente a los tiburones con el nombre de su abogado) se hundían en las profundidades acuáticas, sabía que se le estaban acabando el tiempo y las opciones. Pero estos fallos que podían arruinar su carrera resultaron ser una bendición disfrazada, porque 1) no ver al tiburón durante la mayor parte de la película resultó ser más aterrador que verlo realmente; 2) el ominoso y ahora icónico tema de John Williams se convirtió en la clave de su terror.
«Da-da…da-da…» Ese es el sonido del Gran Blanco acercándose, observando la carne de las piernas humanas mientras cuelgan bajo el agua. «Da-da-da-da-da-da», la música aumenta a medida que nada más rápido, justo por debajo del cuerpo, hasta ese momento que induce a gritar cuando una mujer es sacudida de lado a lado como un muñeco de trapo y arrastrada hacia abajo, o la balsa de un niño pequeño es volcada en un géiser de sangre. Al optar por un enfoque más atrevido, con enemigos invisibles, Spielberg cambió la forma en que se hacen las películas, mientras que la partitura de Williams sigue persiguiendo a generaciones de playeros que todavía se lo piensan dos veces antes de sumergirse en el agua. -Leah Pickett
Pesadilla en Elm Street
Charles Bernstein
Freddy Krueger sigue siendo uno de los villanos más malos y aterradores del cine de terror porque existe en un lugar del que nunca puedes escapar del todo: tus sueños. Muchos de los temas de la partitura de A Nightmare on Elm Street, como los turbios «Prologue» y «Main Title», suenan como canciones de cuna deformadas, bajando la guardia en un sueño intranquilo. El uso intensivo de sintetizadores (en «Dream Attack», «Terror in the Tub» y «No Escape», por ejemplo) tiene un aire cursi por excelencia de los 80, pero siguen funcionando hoy en día al representar las rarezas febriles de las pesadillas. «Laying the Traps» suena más como un tema de una película de acción, lo que funciona porque los protagonistas de la película realmente se defienden y hacen planes sensatos para sobrevivir a los ataques de Krueger. Sin embargo, una de las partes más espeluznantes de la partitura es el uso escaso pero fuertemente distorsionado de las voces, que Bernstein creó en realidad grabando a través de los pedales de delay y eco digitales de Boss. -Killian Young
La Cosa
Ennio Morricone
John Carpenter tiene fama de ser un cineasta que lo hace todo; dirigió, produjo, escribió, compuso y actuó en dos de sus primeros éxitos, Asalto al recinto 13 y Halloween. Sin embargo, Carpenter contrató a Ennio Morricone para que compusiera la banda sonora de La Cosa. Al parecer, Carpenter pidió a Morricone que simplificara su intento inicial de partitura, lo que dio lugar a la versión final, ominosa, que encaja casi a la perfección con el estilo musical de Carpenter.
Morricone -que llegó hasta la ronda final de nuestra encuesta de lectores sobre el mejor compositor cinematográfico de todos los tiempos- consiguió aprovechar los temas principales de La Cosa, como el aislamiento, la paranoia y el miedo a lo desconocido. «Main Theme – Desolation» presenta sintetizadores entrecortados combinados con sonidos orquestales de estilo gótico, mientras que el claustrofóbico aluvión de sonidos de «Contamination» es suficiente para hacerte sentir como si hubiera bichos espeluznantes arrastrándose sobre ti.
Las florituras electrónicas encajan con el antagonista alienígena futurista y la ambientación en una instalación de investigación antártica, pero las piezas orquestales más tradicionales -como las cuerdas profundas y lentas que se vuelven más estridentes y urgentes en «Bestiality»- juegan a favor de los puntos fuertes de La Cosa como película de monstruos llena de terror. -Killian Young
Suspiria
Goblin
No es frecuente ver un concierto en directo para la banda sonora de una película de terror gótico. Sin embargo, eso es exactamente lo que hace Goblin. De hecho, la banda italiana de prog rock ha interpretado sus icónicas partituras al completo en innumerables ocasiones a lo largo de los años, desde teatros hasta festivales de cine. Sólo con imaginar el público gótico de ese espectáculo -sin Molly, con un exceso de camisetas negras- es algo salvaje.
El atractivo está justificado, especialmente por su trabajo en Suspiria, de Dario Argento. Es un trabajo pegadizo que resulta adictivo incluso más allá de la película, lo que explica en parte que Raekwon, Ghostface Killah o RJD2 hayan sampleado sus melodías en el pasado. En cuanto a la película, sin embargo, Suspiria funciona con elegancia en sus sofocantes confines, gracias a la letanía de sonidos Moog, gruñidos corales, tambores traqueteantes y el más bien inocente glockenspiel.
Goblin trabajó estrechamente con Argento en su espectáculo de terror de escuela de ballet, creando la música y la partitura notablemente antes de que se rodara nada. (Dato curioso: se les acredita como The Goblins en los créditos de la película.) La música resultante es un testimonio de sus respectivas fortalezas, que desde entonces ha recibido notoriedad crítica y comercial. ¿Nos vemos en el próximo concierto de Goblin? Por favor, sin cosplay de alambre de púas. -Blake Goble
El bebé de Rosemary
Krzysztof Komeda
Nunca «La la la» ha sonado más espeluznante que en El bebé de Rosemary, cuando la nana de Mia Farrow resopla sobre el tintineo de las teclas y el disonante clavicordio eléctrico, señalando que fuerzas más oscuras pueden estar en juego en el Manhattan de cuento de hadas de finales de los 60. El tema musical con influencias de jazz, arreglado por el pianista y compositor de jazz polaco Krzysztof Komeda, sigue tocando notas discordantes a lo largo de la película, compensando un vals con cuerdas y un zumbido apenas perceptible para sugerir una dulce canción infantil convertida en siniestra.
Cuando Rosemary (Farrow), embarazada y con el pelo pixelado, empieza a desconfiar de todo el mundo que la rodea, desde sus vecinos mirones (Ruth Gordon, Sidney Blackmer), pasando por su marido (John Cassavetes), hasta el bebé nonato que crece en su interior, la tensión en cada punteo y temblor de la orquesta de Komeda roe y alcanza niveles febriles de terror. En la escena final – «¿Qué le has hecho a sus ojos?» – la partitura alcanza su aullante y cacofónico cenit, dando un escalofriante nuevo significado a las palabras «susto de embarazo». -Leah Pickett
Alien
Jerry Goldsmith
» realmente me asustó, para ser brutalmente honesta. Estaba terriblemente asustado con ella, lo cual es bueno porque ayuda cuando tengo que sentarme a escribir la música», explicó el fallecido Jerry Goldsmith en un documental para la obra maestra de Ridley Scott de 1979. «Cualquier película que hago, intento verla primero como público y reaccionar como público, e intento distanciarme de lo que finalmente tengo que hacer»
Como tal, la partitura de Goldsmith para Alien evoluciona de forma bastante orgánica con los sentimientos de asombro y miedo del espectador. Es paranoica, pero a menudo elegante. Las oleadas de tensión dentro del icónico (y reelaborado) «Título principal» derivan en partes fantásticas que recuerdan su mejor trabajo en Star Trek. A medida que la película avanza, Goldsmith se aferra al terror con ligeros empujones («Eggs», «Inside the Air Shaft», «Trekking») para acabar estrangulando a todos en los actos finales («The Droid», «Ripley Doubles Back», «And Then There Was One»).
No fue un proceso fácil, sin embargo. Originalmente, Scott quería al compositor Isao Tomita, pero la 20th Century Fox insistió en un nombre conocido como Goldsmith, que presionó mucho para inyectar un aire de romanticismo en los créditos iniciales. A Scott no le interesaba, y Goldsmith aplazó la decisión creando, según sus palabras, «lo más obvio: raro y extraño, y que a todo el mundo le gustaba». Tampoco ayudó el hecho de que el editor Terry Rawlings utilizara trozos de composiciones anteriores de Goldsmith -en concreto, Freud: La pasión secreta- para gran disgusto del compositor.
«Puedes ver que yo estaba como yendo a los extremos opuestos del palo con los cineastas de la película», comentó Goldsmith más tarde. Sin embargo, los cambios beneficiaron a la película, y Scott defendería más tarde la partitura original, calificándola de «seriamente amenazante» pero «hermosa». En retrospectiva, esa dicotomía contribuyó a hacer de Alien una de las películas más cautivadoras de todos los tiempos. Son dos horas delirantes de puro horror que fueron posibles gracias a H.R. Giger, Scott y, por supuesto, Goldsmith. -Michael Roffman
Psicosis
Bernard Herrmann
¡RE! ¡¡¡¡¡¡REE! REE! REE! REE! REE! REE! REE!
Sabes exactamente lo que es, ¿no? Es la partitura más magistral del Maestro del Suspenso.
Psicosis tiene una posición increíblemente alta en esta lista por dos razones. En primer lugar, la partitura de Bernard Herrmann, bellamente afilada y llena de terror, está construida sobre una base de cuerdas que se mueven en todos los sentidos, elevando aún más una película ya de por sí febril e impactante.
En segundo lugar, ¿existe una partitura más canónica, más resonante y referenciada en la cultura pop que la partitura de Psicosis? El American Film Institute clasificó la partitura como la cuarta mejor de todos los tiempos en los «100 años de partituras cinematográficas», e incluso el propio Hitchcock dijo una vez que «el 33% del efecto de Psicosis se debía a la música». Nosotros diríamos que el 50% (la otra mitad es la desafortunada balada de Norman Bates).
Considere esta trivia: Inicialmente, la escena de la ducha con Janet Leigh siendo rebanada y cortada en cubos fue pensada para ser silenciosa, y en un momento, Hitchcock incluso consideró una partitura de jazz. En cambio, Herrmann se impuso, con una partitura tan efectiva e intrínseca que es casi una locura imaginar la película sin ella. No una locura como la de Norman Bates, pero sí una locura.
Evidentemente, Herrmann llegaría a componer siete películas para Hitchcock. Siempre insistió en el control creativo. Y siempre se lo ganó. Después de todo, el mejor amigo de un niño es su compositor. -Blake Goble
Halloween
John Carpenter
Una gran partitura para cualquier película no debe estar sola; debe caminar alta y desenfrenada. Halloween, de John Carpenter, es un testimonio de esta verdad. A principios del verano de 1978, meses antes del estreno de la película en octubre, Carpenter recibió un corte final de la película sin música ni efectos de sonido, que proyectó a una joven ejecutiva de la 20th Century Fox. «No se asustó en absoluto», escribió Carpenter en las notas de la banda sonora, y añadió: «
Inspirado por Bernard Herrmann y Ennio Morricone, Carpenter y el consultor creativo Dan Wyman, que ya había trabajado con él en Asalto al Precinto 13, se acurrucaron en los minúsculos Sound Arts Studios del centro de Los Ángeles. Durante dos semanas, compusieron en modo «doblemente ciego», lo que, según Carpenter, significa «sobre la marcha, sin referencia ni sincronización con la imagen real».
El tema icónico surgió de un ejercicio de 1961 que el padre de Carpenter le enseñó a tocar los bongos; «Laurie’s Theme» y «The Myers House» nacieron de melodías «herrmanescas»; y el uso de «cattle prod» stingers elevó las sorpresas visuales de la película. Sin embargo, lo que hace que todo funcione es la forma en que estas composiciones mínimas evocan atmósferas hipnóticas y extensas que persiguen y acechan a cualquiera que las sintonice – no es diferente de la aterradora Shape de la película.
«La música es sencillamente fabulosa», comentó el difunto Gene Siskel en su crítica original. «La forma en que empieza un tema y pone otro encima, manteniendo el otro tema. Es realmente bueno». También es asombrosamente bella. La escalada de «Laurie’s Theme» es espeluznante, sin duda, pero hay un brillo regio en las notas que evoca la inocencia juvenil de la homónima canción. En otras palabras, Carpenter no se limitó a encadenar sonidos espeluznantes; capturó personalidades.
«Unos seis meses después, me encontré con la misma joven ejecutiva», dicen las notas de Carpenter, continuando la historia. «A ella también le encantaba la película y todo lo que yo había hecho era añadir música. Pero realmente estaba muy justificada su reacción inicial». Poco después, concluyó: «Alguien me dijo una vez que la música, o la falta de ella, puede hacerte ver mejor. Me lo creo». En el caso de Halloween, la música no sólo salvó la película, sino que la creó. -Michael Roffman