Haz mejores ritmos de hip hop y de rap con estos consejos del legendario productor de hip hop Johnny Juice.
En una escucha casual, los temas de Jay-Z, Tupac o KRS-One pueden parecer sencillos en su construcción: rimas carismáticas sobre un ritmo de batería que se repite. Pero si alguna vez has intentado crear ritmos de hip hop por tu cuenta desde cero, probablemente ya sepas que producir algo propulsivo, valiente, fresco y original no es una ciencia tan sencilla, así que ¿por dónde empezar? Hemos recurrido a uno de los expertos fundadores del género para que nos ofrezca algunos consejos.
El productor multiplatino Johnny «Juice» Rosado es uno de los pioneros del hip hop. Ha trabajado con artistas como Run DMC, Public Enemy, The Beastie Boys, Ashanti y Dan the Automater, y es un DJ y scratcher muy respetado. Esto es lo que Juice recomienda para dar a tus ritmos originales de hip hop el funk y la potencia que necesitan.
Encuentra una influencia única
Cuando desarrolles tu propia y única voz como programador de ritmos, Juice recomienda aferrarte a una influencia que te inspire -sea dentro del hip hop o no- y profundizar en ella. «Estudia lo que hace que ese músico, compositor, productor o vocalista suene como suena», dice. «Y luego aplícalo a lo que haces».
Juice lleva mucho tiempo siguiendo su propio consejo en este sentido, rindiendo homenaje a diversas influencias en su trabajo de producción y de DJ. «No hago scratch como un DJ», explica. «Siempre quise hacer scratch como Ray Baretto tocaba la conga. También hago scratch con grabaciones de Bobby Timmons, que es un gran pianista de jazz. Toca unos solos muy intrincados y me gusta hacer scratch a la par que esos ritmos».
Independientemente de si tus influencias provienen del grunge o del go-go, Juice afirma que escuchar atentamente y estudiar cualquier estilo que te inspire te ayudará a aportar una nueva perspectiva a cualquier ritmo que acabes construyendo.
Aprende sobre la batería -y otros instrumentos
Juice recomienda llegar a ser lo más competente posible tocando al menos un instrumento -no sólo programando muestras del mismo- y aprender al menos lo básico de tantos otros como sea posible. «Veo que muchos productores no entienden cómo los bateristas tocan realmente la batería», dice. «Tienen el hi-hat tocando a lo largo de una canción, y si alguna vez has visto tocar a un baterista, sabes que cuando hace un relleno, el hi-hat normalmente se detiene hasta que termina el relleno. Aunque utilices una caja de ritmos que no se supone que suene como un baterista real, debes programarla como si un baterista real estuviera tocando. Además, siempre hago que un platillo crash golpee con el bombo debajo para darle más fuerza al golpe, porque así es como tocan muchos bateristas de verdad.
«Conocer incluso un instrumento es muy útil a la hora de programar», continúa. «Si estás estudiando la batería y quieres construir un ritmo, empieza con la pista de batería. Si estás estudiando el bajo, esa es tu plataforma de lanzamiento».
Construye tu biblioteca de sonidos
Sintetizadores de teclado, instrumentos virtuales basados en software, DVDs llenos de exóticos golpes de batería: los sonidos que utilizas para construir tus ritmos pueden venir de todas partes, y Juice recomienda amasar una colección lo más profunda, diversa y única posible. «¡Aprende lo que es el santour!», dice. «Es un instrumento persa que suena muy bien, como una guitarra, pero tocada con palos. Suena muy bien, así que intenta empezar con él y construir un ritmo en torno a él. Asegúrate de tener todo tipo de cosas inusuales en tu repertorio. Un sonido nuevo puede ser una chispa creativa, y tiendes a programar de forma diferente cuando utilizas sonidos distintos».
Comienza con una canción que te guste
«Si tienes problemas para encontrar la inspiración, siempre recomiendo hacer una muestra de tu disco favorito, ponerle una batería debajo, añadir algunas partes de teclado encima… y luego quitar la muestra», dice Juice. «Lo que te queda es una imagen especular de esa canción que te encanta, pero es tuya. Puede tener el mismo tempo y la misma progresión de acordes que la canción original, pero será algo nuevo, único y realmente tuyo». A partir de ahí, dice, sigue añadiendo otros elementos para rellenar el espacio que deja la muestra original que utilizaste para inspirarte.
Esta técnica puede funcionar con un tema de casi cualquier género: country, reggae, metal, lo que sea. Sólo tienes que asegurarte de que el disco que utilices como material de partida tenga un buen ritmo y te entusiasme a la hora de hacer música.
No olvides el paneo
«El paneo es un arte perdido en el hip hop», dice Juice. «Muchos discos de hip hop de hoy en día suenan como una gran pista mono. O todo se panoramiza a la derecha y a la izquierda».
Independientemente de si los sonidos de la batería proceden de una batería acústica o de una caja de ritmos clásica Roland TR-808 -o de cualquier otro medio-, panoramiza los sonidos de la batería de acuerdo con la forma en que se mostrarían en el escenario, dice Juice. «Tienes que tener una disposición de panorámica que dé a cada cosa su espacio. Yo siempre panoramizo la caja un poco a la derecha, porque si miro a un batería, la caja está un poco a la derecha. El hi-hat está un poco más a la derecha. Los toms van de derecha a izquierda, de tono más alto a tono más bajo».
Consejo rápido: Si no estás seguro de dónde hay que panoramizar algún sonido de batería en particular, escucha unos cuantos discos de jazz clásico con un buen par de auriculares y presta especial atención a qué elementos sonoros se colocan dónde, de izquierda a derecha.
Conoce el mono y el estéreo
Muchos de los sonidos utilizados en los ritmos de hip hop provienen de populares sintetizadores de teclado como el Korg Triton y el Yamaha Motif, dice Juice – pero cuando se emiten sonidos de estos potentes instrumentos en una interfaz de audio para grabar, advierte que hay que tener cuidado.
«Cuando grabas desde un Triton, las salidas izquierda y derecha van a los canales 1 y 2 del mezclador, así que es fácil grabar todo lo que sale del teclado como una pista estéreo», dice. «Eso puede llevar a grabar en estéreo algo que debería ser mono, como un bombo o una caja».
Si estás grabando una muestra que proviene de una única fuente puntual -como un bombo o una caja- sólo tienes que grabarla desde una única salida como una pista mono, y luego panoramizarla un poco, dice Juice. «Como muchos productores graban todos sus sonidos en estéreo desde el teclado, asumen que ya están correctamente panoramizados, y no es así. Si grabas un sonido de patada en estéreo, básicamente estás grabando dos pistas mono idénticas intercaladas. Para crear un sonido único, los productores de hip hop suelen cambiar la afinación de una muestra, haciéndola sonar más alta o más baja que la original. «Desafinan y ralentizan una muestra hasta hacerla irreconocible», dice Juice. «Eso está bien, pero al menos apréndete las notas en el piano para que cuando desafines tu muestra, esté afinada en una nota real, no en una zona gris entre mi y mi bemol».
¿Por qué es tan importante la afinación? «Cuando un cantante o un músico en directo entra a grabar sobre tu ritmo, puede causar problemas», continúa. «Yo arreglo mucho de eso en mi estudio. Si el vocalista suena como una mierda, el problema suele ser que la muestra no está bien afinada». La desafinación imprecisa de una muestra también puede causar problemas si decides añadir líneas de bajo muestreadas, u otros elementos melódicos a tu jam. «Los sintetizadores y los instrumentos virtuales suelen estar correctamente afinados, por lo que pueden chirriar mucho si los tienes tocando contra una muestra mal afinada».»
Deja espacio
«Recuerda que la voz es el último instrumento de cualquier beat», dice Juice. «El rapero o el cantante es lo que se necesita para terminar el ritmo: cuando hayas terminado de programarlo, tu ritmo debería estar en el punto en el que todo lo que necesitas hacer es añadir las voces, mezclar y servir. Si llegas al punto en el que un vocalista está luchando con el ritmo por el espacio, está demasiado lleno y tienes que quitar algo». Incluso si no eres un vocalista de nivel profesional, una forma fácil de ver si estás dejando suficiente espacio es tararear una melodía inventada o escupir un verso sin sentido encima de tu ritmo. Si sientes que estás luchando con la música, intenta reducir el ritmo para crear más espacio, pero si la voz y el ritmo parecen respirar juntos, vas por buen camino.
Experimenta
«La música no es comida para perros», dice Juice. «La comida para perros se fabrica. Hay una fórmula y un proceso. Desgraciadamente, la gente puede caer en la trampa de fabricar música, no de crearla, así que es importante mantener la mentalidad creativa, y no sentir que sólo estás pasando por una fórmula en un proceso de cadena de montaje.»
Para evitar crear tu propia comida para perros sónica, Juice recomienda darse un tiempo extra para probar cosas nuevas que podrían estrellarse y quemarse, o que podrían llevar a algo emocionante. «Experimentar con todo tipo de cosas es la clave», dice. «Cada productor programa de forma diferente, así que no empieces siempre con el mismo instrumento. Prueba a utilizar un instrumento que no hayas usado nunca. Intenta mezclar un clavicordio con algo de reggae. Y date tiempo para probar cosas nuevas. Mucha gente está empeñada en hacer las cosas ahora, y eso puede entorpecer la verdadera creatividad».
El álbum de debut en trío de Michael Gallant, colaborador habitual de Disc Makers, Completely, recibió una crítica de cuatro estrellas de la revista DownBeat y otra de cinco estrellas de Critical Jazz, que afirmó: «Esto, amigos míos, es el futuro del jazz. Fresco, vigorizante, progresivo – simplemente no hay suficientes adjetivos positivos para enumerar aquí». Más información, descarga a través de iTunes, o compra a través de CD Baby. Sigue a Michael en Twitter en @Michael_Gallant o en Facebook.
