Hay muchos términos geniales en francés e italiano para las diferentes técnicas de arco. Los textos tienen explicaciones de cada uno de los diferentes golpes de arco, pero estas explicaciones van de excelentes a confusas o simplemente contradictorias (basta con buscar en Google détaché). Estos términos se refieren a cosas que la sección hace «bajo el capó». Como orquestador, es importante entenderlos, ya que son los rudimentos de la interpretación de las cuerdas. Recuerde que al final, sin embargo, lo importante es saber cómo anotar su intención; la sección se encargará de la técnica.

Cuando se habla de la técnica del arco es importante tener en cuenta que varios términos que los jugadores utilizan para describir un golpe son también términos utilizados en la notación; sin embargo, tienen un significado ligeramente diferente en este caso. Los dos principales a los que hay que prestar atención son staccato y legato, de los que hablaremos en esta sección.

La forma predeterminada de hacer el arco es tocar sobre la cuerda y cambiar de dirección con cada nota.

Notas largas
Las notas largas se tocan sobre la cuerda, o shorthand on, lo que significa que entre las notas el arco no deja la cuerda, sino que mantiene el contacto. El arco cambiará de dirección para cada nueva nota. Si quiere más de una nota por golpe, utilice una ligadura para designar cuántas notas deben caer bajo cada arco.

Cuántas notas puede escribir por arco depende de varias variables. Algunas no son negociables; por ejemplo, en dinámicas fuertes el arco debe moverse más rápido para mantener un tono completo, por lo que son posibles menos notas. Cuando la dinámica es suave, se pueden tocar muchas más notas y el número de cambios y la velocidad del arco pueden dar lugar a bonitos colores. Observa un arco de sección; la velocidad cambia todo el tiempo y esto es lo que da vida a la frase. Hay una tercera variable: la colocación. Los músicos colocan el arco en posiciones ligeramente diferentes en la cuerda para producir diferentes sonidos. Los extremos son sul ponticello y sul tasto, pero hay muchas pequeñas variaciones en el medio que, cuando se combinan con la velocidad y la presión, dan a cada nota un sonido único.

La razón por la que las muestras no tienen «vida» es que cada nota se graba a velocidades y presiones similares, por lo que no hay relación entre la técnica y el contexto musical.

Notas cortas
La opción por defecto sigue siendo tocar sobre la cuerda. Si quieres que el toque sea pesado y sobre la cuerda, puedes etiquetarlo como marcato. Marcato es un término que se refiere al ataque; para las cuerdas se realiza con el golpe de martelé. Las notas comienzan en la cuerda y tienen un gran ataque debido a la presión extra aplicada. Tenga en cuenta que marcato no significa necesariamente corto; afecta al ataque, y debido a la física de cómo se realiza, las notas tendrán una separación, por lo que por defecto serán más cortas. Una serie de corcheas en marcato dará la impresión de ser staccato. Sin embargo, es importante darse cuenta de la distinción y entender que un arco normal corto en la cuerda se llama staccato.

La alternativa al arco en la cuerda es, por supuesto, el arco fuera de la cuerda. Esto es cuando el arco deja la cuerda entre las notas. El ejemplo más común de un estilo de arco fuera de la cuerda es el spiccato. Un error común es pensar que el spiccato es la forma de etiquetar un pasaje como fuera de la cuerda. No es así. Es sólo un estilo particular de arco fuera de la cuerda. Sin embargo, si se utiliza esa palabra y tal vez no es el golpe correcto para la frase, los jugadores harán lo que mejor saben hacer y adaptarán su golpe de arco al contexto musical actual.

Creo que el malentendido y el mal uso de los términos marcato y spiccato se debe a que ciertas bibliotecas de cuerdas utilizan estos nombres para sus parches de notas cortas. En el mundo real es imposible tocar el spiccato tan fuerte y pesado como suena en estos parches, y como se ha mencionado anteriormente, históricamente el marcato es un tipo de ataque, no de duración.

‘Off-ish’
El spiccato es un golpe de arco muy útil y común, pero si nos fijamos en la física del mismo, no es útil para ataques más pesados y dinámicas más fuertes. Para ello necesitamos más contacto con la cuerda y el rebote del arco no lo permite. Pero aún así queremos que el arco se desprenda entre las notas, aunque sea de forma muy leve. Este es un golpe que está entre el spiccato y el marcato. No se discute a menudo, pero si observas una sección, verás que es lo que sucede naturalmente cuando tienen que tocar notas cortas y pesadas. También he observado que incluso cuando se les pide que toquen en la cuerda, cuando la música se vuelve rápida y fuerte, ocurre lo mismo y gravitan hacia este mismo trazo, el arco parece levantarse un poco al cambiar de dirección. También lo hacen a menudo por la claridad. En el violonchelo y el bajo, tocar rápido en la cuerda no se proyecta ni llega tan bien como en el violín.

Bajo presión: Mirando el arco(es decir)

Nota cómo he arqueado la frase anterior. Aunque no he marcado un crescendo, habrá uno ligero a medida que la velocidad del arco y el énfasis cambian y el sonido se vuelve más intenso. Si marcara esto como un crescendo, también querría el mismo arco. Cuanto más fuerte es el sonido, más rápido tiene que ir el arco para mantener un tono de calidad. Si fuera un gran crescendo y no lo hubiera marcado así, pasarían automáticamente a dos arcos por compás como mínimo a medida que la música se hace más fuerte.

Hay tantas diferencias sutiles en el sonido que puedes hacer cuando piensas en el arqueo.

Aquí está Endre Granate demostrando estos golpes.

El arco no siempre sigue la frase, sino que la forma en que se hace la frase.

1. Hay una escuela de pensamiento que dice que hay que usar una ligadura larga como marca de frase y la sección lo solucionará. Sí, ellos pueden resolver algo, pero usted obtendrá el resultado que desea si se toma el tiempo de inclinar el pasaje usted mismo. En este caso, el director decidirá cómo hacer el arco. Pero ellos no conocen la música ni la intensidad que quisiera para cada nota.
2. Así es como probablemente lo tocarían, empezando con un arco hacia arriba, por supuesto. También pueden ligar de Do a Ab. Cada compás utiliza la misma cantidad de arco, y el sonido será consistente.
3. Cómo podría hacerlo. Esto le dará a la frase mucha más vida que el arco parejo del #2. Cuantas más notas, el arco es más lento pero se aplica más presión. Menos notas o una sola hacen que el arco se mueva más rápido con menos presión, dando una intensidad diferente y un bonito fraseo. Así, mientras que la sección utilizará un arco entero para cubrir los seis tiempos del Ab y el G, utilizará de medio a tres cuartos sólo para el Eb. Esto es lo que hace que la música sea mágica, y la razón por la que las muestras tienen dificultades para reemplazar la emoción de una sección real.

Tenga en cuenta que aunque las notas puedan ser ligadas, a menudo hay lugares donde los músicos tendrán que cambiar de cuerda. Estas notas no tendrán el sonido «arrastrado» ya que la nueva cuerda no estará vibrando antes de que comience la siguiente nota. En muchos casos, los intérpretes pueden solucionar este problema tocando la línea en una posición que evite el cambio de cuerda, pero si el intervalo es amplio, esto puede no ser posible. Es un efecto muy sutil, y los buenos intérpretes casi podrán enmascararlo, pero sigue siendo algo en lo que hay que pensar.

En realidad, una buena sección puede cambiar la dirección del arco sin que te des cuenta. Esto es muy fácil en el violín, pero se hace más difícil en los instrumentos más grandes. En el violín, la cuerda no se mueve mucho al vibrar, pero en el bajo se mueve mucho, por lo que parar y arrancar la cuerda al cambiar el arco es más perceptible. Un buen jefe de sección hará que la sección mezcle el arco para evitar este problema, especialmente en los pasajes tranquilos.

A veces no querrá oír ningún cambio de arco, sino sólo una línea completamente suave y uniforme. Para conseguir este efecto necesitará que la sección cambie de arco en diferentes momentos. Esto se puede dictar escribiendo dos patrones de arco superpuestos, un conjunto de ligaduras por encima y otro por debajo. Esto enmascarará los cambios y a veces se denomina «arco de divisi». En los estudios, a menudo marcamos la frase con una ligadura larga y pedimos a la sección que haga un «arco libre». Entonces cambiarán de arco en diferentes momentos, no como un grupo. Desgraciadamente, «reverencia libre» no es un término universal. No he encontrado una forma común de describir esta práctica, por lo que a menudo se necesita alguna aclaración para evitar que la sección haga una reverencia a la vez. Si sólo se escribe una marca de frase sin ninguna otra indicación, los músicos seguirán al director.

Como se ha mencionado anteriormente, hay muchas cosas que afectan a cuántas notas pueden (físicamente) o deben (musicalmente) ir bajo cada arco, e incluso el orquestador más experimentado no puede acertar todo el tiempo. Por suerte, escribimos para seres humanos, no para ordenadores. Ellos pueden juzgar y adaptar el arco a la situación musical. Así que si metes la pata, no te preocupes, sigues dando a la sección valiosas pistas sobre lo que buscas.

Observar y escuchar es la mejor manera de aprender a hacer arcos.

Articulaciones útiles

a. Sin énfasis, sin espacio entre notas.
b. Ligero énfasis, espacio muy pequeño debido a la recarga del arco para el énfasis.
c. Separado, el arco se detiene entre golpes.
d. Ataque fuerte con una caída a un pequeño espacio mientras el arco se recarga para el siguiente ataque. Se puede añadir un tenuto para limitar el espacio, pero el acento será menor.
e. Louré, todas las notas bajo un arco. El arco pulsa las notas ralentizando, liberando la presión y luego aplicando y acelerando de nuevo.
f. Como el anterior, pero el arco hace una pausa entre las notas.

Si quiere un cambio de arco extra suave, márquelo como sostenuto. Este es el equivalente de la cuerda al legato en un instrumento de viento.

Notación
Como se ha dicho, el valor por defecto es tocar en la cuerda, así que no se requiere ninguna notación especial si eso es lo que quiere. Pero ahora entramos en un terreno en el que los términos de la cuerda empiezan a significar una cosa para los músicos, pero otra en la notación. Staccato, cuando se utiliza en la partitura, se refiere a la longitud de la nota y no significa necesariamente tocar el golpe de arco staccato.

También hay que tener cuidado cuando se utiliza la palabra legato. Aunque generalmente significa sólo conectar las notas, a menudo se interpreta como si significara ligar. En Europa el legato significa literalmente ligar. En realidad, si vas con el valor por defecto y no tienes marcas, obtendrás legato, que significa conectado pero no ligado.

En mis partituras, si quiero fuera de la cuerda lo marco staccato (con puntos o la palabra stacc.). Prefiero usar la palabra no los puntos. Es más limpio, más fácil de cambiar si queremos tocarlo de otra manera, y mantiene las notas claras para cuando quieras añadir acentos. Mira que b. se ve mucho menos desordenado y como se podría cambiar a ‘en la cuerda’ simplemente quitando la palabra stacc.

Si las cuerdas están tocando corcheas a dinámicas ligeras tocarán spiccato y a medida que la dinámica se hace más alta o se requiere más intensidad pasarán al estilo ‘off-ish’ que describí arriba. Los músicos adaptan el estilo de arco a la dinámica e intensidad de la música, y yo no necesito microgestionarlos.

Si lo quiero pesado lo etiqueto stacc. e marc. Si acentúas cada nota no tienes forma de conseguir un acento cuando realmente lo quieres. Esto es el equivalente notacional a ‘llorar al lobo’.’

Rara vez uso la palabra ‘On’ o ‘Off’ en una partitura; el valor predeterminado o la notación anterior implica cómo debe tocarse. Si había etiquetado staccato y la siguiente sección no lo es, simplemente uso algunos tenutos o si son notas repetidas, es seguro usar legato. Tenga fe en sus jugadores. Siempre que les des un punto de partida claro, ellos también escucharán lo que hay a su alrededor y darán con el mejor golpe para la situación musical. A menudo, el resultado es una combinación de diferentes golpes. Esta mezcla aleatoria, a menudo no intencionada, es lo que da vida a la música, algo que no se puede replicar con muestras.

Estas sencillas indicaciones me han servido para cientos de sesiones, desde las señales alegres más ligeras hasta las batallas contra jefes más agresivas.

Acentos
Los acentos se realizan añadiendo presión, velocidad y duración al contacto del arco y la cuerda. En el ejemplo siguiente, las notas acentuadas serán un poco más largas que las no acentuadas.

Esto suena muy natural y es fácil de tocar a tempos lentos y medios, hasta 130 bpm más o menos. Pero cuando se vuelve más rápido, o si se tratara de semicorcheas, el esfuerzo necesario para hacer los acentos puede dificultar el mantenimiento de las notas no acentuadas de forma suave y métrica. Cuando escucho este problema en el estudio, hago que los músicos sólo piensen en los acentos. Pero siempre es bueno pensar en el futuro y orquestar alrededor de este problema.

Uno no pensaría que un patrón como este causaría ningún problema, y tal vez para algunos no lo hace, pero siendo un baterista, quiero que todo sea tan uniforme y métrico como sea posible, y cuando escucho a los violines tocar esto el tiempo empujará y tirará ligeramente alrededor de los acentos. Hay varias soluciones a este problema. En este caso, como las notas acentuadas son un tono diferente, sobresaldrán de todos modos, así que recientemente, cuando esto surgió en una sesión, simplemente les hice ignorar los acentos. Pero imaginemos que todo tiene la misma afinación, o que el compositor realmente quiere acentos grandes. Esto es lo que se hace –

He quitado los acentos de la primera parte y los segundos sólo tocan las notas acentuadas. No se perderán los segundos en todas las notas, y los primeros podrán tocar con más fuerza ahora al no tener que permitir los acentos. Por último, la sincronización también será perfecta. El producto final sonará mucho mejor y será más fácil de tocar. Si hay más que cuerdas en la orquesta, también se pueden añadir algunos vientos de madera, quizás un oboe con los segundos. La percusión también puede ayudar. De hecho, si tiene percusión y metales golpeando los acentos, no los necesita en absoluto en las cuerdas, ya que el resultado general sonará acentuado.

Etiquetar la dirección del arco y la posición del arco
El 99% de las veces esto no es necesario. Los músicos de cuerda han estado haciendo arcos desde que tenían cuatro años, y la elección de comenzar con un arco hacia arriba o hacia abajo es algo natural. En general, si una frase comienza en un tiempo débil (una púa, por ejemplo), será un arco hacia arriba. Si empieza en un tiempo fuerte, será abajo, así de simple. Las notas largas en dinámicas suaves comienzan en un arco ascendente, ya que es la forma más fácil de comenzar suavemente. La única vez que se suele marcar es cuando se quiere una serie de ataques fuertes, en cuyo caso se marcan todos los arcos hacia abajo. En realidad, los jugadores son bastante buenos en un ataque pesado en cualquier dirección, pero lo que hace una serie de arcos hacia abajo es asegurar que haya un espacio entre las notas ya que el jugador tiene que retomar entre cada una. También jugarán a la rana. Más de la mitad de las veces que he visto una serie de arcos hacia abajo escrita ha sido ignorada por los músicos. La punta es el punto más alejado de la mano, por lo que es el lugar más fácil para tocar con la menor presión, produciendo el tono más ligero. Algunos orquestadores marcan para tocar en la punta o en la rana. Al igual que la dirección, he comprobado que los intérpretes tienden a elegir la mejor posición sin otra aportación que una dinámica. Tocarán un trémolo tranquilo en la punta, y una puñalada en la rana, porque es algo natural. Pero si desea romper este valor por defecto, entonces marque lo contrario.

Estilos
Ordinario (ord.) – El valor por defecto, utilice ord. para cancelar cualquiera de los siguientes. El arco está en una posición neutral, el ‘punto dulce’ entre el diapasón y el puente. Esta no es una posición fija ya que cambia dependiendo de la longitud de las cuerdas.

Sul Tasto – En el diapasón. El arco toca sobre el final del diapasón, produciendo un tono más suave, con un ataque menos nervioso y menos armónicos altos. Ver más abajo para más información sobre esta técnica.
Sul Ponticello (Sul Pont.) – En el puente. Sonido opuesto a Sul Tasto. El arco se mueve más cerca del puente produciendo un tono áspero y afilado. Hay menos fundamental y más armónicos altos en el sonido. Si te acercas mucho al puente puedes perder completamente la fundamental y sólo obtendrás armónicos.

Flautando – El arco se mueve más rápido de lo normal con una presión muy ligera produciendo un tono puro, como de flauta.

Col Legno – ‘Con la madera’. Hay dos tipos de col legno. Tratto es cuando se arquea la cuerda con la parte de madera del arco. Battuto es donde la madera golpea la cuerda. La opción por defecto es el battuto. Ten en cuenta que el sonido de las muestras de col legno nunca se reproduce en el mundo real. A los músicos no les gusta golpear su arco de 10 mil dólares contra su instrumento de 200 mil dólares. A veces los intérpretes pueden sacar su segundo arco, no tan preciado, o he oído de gente que les pide que toquen con reglas o trozos de espiga. No importa, golpearán el instrumento «así» de fuerte con cualquier cosa. En las partituras en las que el compositor quiere un col legno fuerte y poco realista, solemos utilizar las muestras y ni siquiera intentamos tocarlo. Si el pasaje es sólo algunas notas aisladas, se puede sustituir por snap pizz. Cuando se trata de Tratto, apenas hace ruido, y el que hace no es muy agudo. Para que funcione, los músicos suelen dejar que un poco de pelo del arco entre en contacto con la cuerda. Esa grabación en la que creíste escuchar col legno tratto, tal vez no!

Ricochet y jeté son golpes fuera de la cuerda en los que el arco toca múltiples notas en una dirección rebotando. He encontrado estos poco práctico para el trabajo de estudio a menos que sea sólo un efecto. Los rebotes múltiples a tempos medios y rápidos no son lo suficientemente precisos para lo que necesitamos en las grabaciones modernas. A veces oigo a un músico sugerirlo como una forma de tocar una figura rápida y ligera y les pido amablemente que la toquen con golpes separados.

La mano izquierda
Aparte de las notas más bajas en la cuerda más baja, y las notas más altas en la cuerda más alta, todas las demás notas se pueden tocar en más de una posición. Cuanto más arriba de la cuerda esté la posición (dentro de lo razonable), más oscuro y menos tímbrico será el timbre. Esto se puede anotar: Los pasajes en Sol («en la cuerda de Sol») son muy comunes en el violín, pero en muchos otros casos es el tipo de decisión que tomará el músico en función de la situación musical. Aunque esto no tiene nada que ver con el arco, afecta al sonido, ya que las posiciones más altas significan cuerdas más cortas.

Sul Tasto – No tan Fasto
He notado desde el podio que cuando se ha pedido a los violines que toquen sul tasto, a menudo no parecen estar tocando sobre el diapasón. No fue hasta la investigación de este artículo que me enteré de lo que realmente estaba pasando. Hay algunos factores técnicos y sonoros a tener en cuenta cuando se toca por encima del diapasón. He oído diferentes opiniones sobre lo que ocurre cuando los intérpretes ven esta indicación, pero una cosa es segura: el sul tasto no es tan sencillo como los libros quieren hacer creer.

En el caso del violín, las cuerdas son relativamente cortas, por lo que el «punto dulce» donde el arco produce el mejor sonido es bastante pequeño. Además, cambia constantemente en función de la posición de la mano. A medida que los dedos acortan la cuerda, el punto dulce se acerca al puente. De hecho, cuando se toca en el rango más alto del violín, para mantener la relación correcta y, por tanto, el punto dulce, el arco está realmente en el puente. En las posiciones más altas, si tocas realmente sul tasto, las cuerdas no vibran bien. Ahora estás arqueando demasiado cerca del centro de la cuerda y es imposible producir un buen tono.

Pero hay más. En el puente o en la posición normal, las cuerdas están en un bonito arco que permite al músico tocar cualquier cuerda sin tocar las otras con el arco. Si estás tocando en cualquier otra posición que no sea la primera y el arco está cerca o sobre el diapasón, al presionar las cuerdas se aplana este arco y se hace mucho más difícil (a veces imposible) evitar que suenen las otras cuerdas. En algunos violines, y también en la viola, también es posible que el arco golpee el cuerpo del instrumento al tocar¬† en las cuerdas exteriores. En la posición normal, el arco cae justo en el recorte del cuerpo, pero cuando se mueve sobre el diapasón, la forma del instrumento ya no juega a su favor.

El verdadero sonido del sul tasto en el violín es un tono tenue, casi difuso. En muchos casos, lo que realmente pedimos con el sul tasto es un tono más suave, menos afilado. Algunos lo llamarían apagado, pero el sonido real de tocar con sordino y el sul tasto no son tan parecidos. Hay varias formas de crear este sonido. Los violinistas consiguen el efecto sul tasto utilizando una combinación de presión ligera del arco y velocidad lenta del mismo. De hecho, pueden acercarse al diapasón en función del tono, pero no siempre. A medida que los instrumentos se hacen más grandes, también lo hace el punto dulce, y tocar realmente en el diapasón no supone ningún problema. La viola tiene algunos problemas similares a los del violín, pero no hay ninguno en el violonchelo o el bajo. Otras técnicas que utilizan los músicos para conseguir un tono más suave son tocar en una posición más alta en una cuerda más baja y utilizar menos pelo en la cuerda.

En el estudio, los músicos pueden hacer un juicio para crear un sonido más completo que se mezcle con los otros instrumentos y se proyecte bien para los micrófonos, todo ello mientras se capta la esencia del sul tasto y se evitan las dificultades técnicas.

Hable con los músicos y descubrirá una variedad de opiniones sobre esta técnica. En la sala de conciertos, los violinistas intentan conseguir un sul tasto más literal que en un estudio de grabación. En palabras de un intérprete: «Intentaría tocar un poco por encima del diapasón, pero no de forma tan extrema como un director de orquesta querría ver». El mismo intérprete también señaló que el instrumento de cada uno es un poco diferente, por lo que su enfoque también debe ser diferente. La situación aquí parece ser similar a la de las dobles paradas o el divisi, donde lo que realmente sucede no ha llegado a los autores de los libros de texto.

En función del entorno musical, los jugadores pueden tocar sul tasto (o fingirlo) sin que se les diga. De hecho, siempre están haciendo pequeños ajustes, ya que dependiendo del tono, el volumen y el contexto, el punto dulce puede estar en un lugar diferente para cada nota. Recuerda que cuanto más alta sea la nota en la cuerda, más cerca del puente estará ese punto dulce.

En lugar de llamar a la técnica ‘en el diapasón’ una mejor definición sería ‘hacia el diapasón’. Con todo esto en mente, verás que sul tasto es un tipo de color o efecto, y no necesariamente sólo la técnica de arquear sobre el diapasón.

Aquí está Endre Granat discutiendo y demostrando el ‘punto dulce’, Sul Tasto y Sul Ponticello y Con Sordino.