• Ornette Coleman

Regardé comme l’un des fondateurs du free jazz, Coleman possédait une voix d’improvisation unique.

L’arrivée de son quartet à New York, avec une résidence très discutée au Five Spot, a été extrêmement controversée, et le son du groupe ne ressemblait à aucun de ceux qui l’avaient précédé.

Le quartet jouait l’un des thèmes mémorables d’Ornette comme le « head in » au début, et le « head out » à la fin, comme le ferait un groupe de jazz standard. Cependant, les solos improvisés entre ces mélodies se passaient des changements d’accords et de la forme, dans une technique connue sous le nom de « time, no changes ».

Malgré la nature radicale de cette façon de jouer, la musique est swinguante, bluesy et très informée par l’histoire du jazz.

Coleman expérimentera plus tard avec d’autres instruments, jouant de la trompette et du violon en plus du saxophone. Il faisait référence à son approche et à sa philosophie en tant qu' »harmolodique », bien que la signification pratique exacte de ce terme soit quelque peu mystérieuse.

Recommandé l’album Ornette Coleman : The Shape of Jazz to Come

Relancé en 1959, c’est l’album le plus célèbre de Coleman et, dans des airs comme ‘Peace’ et ‘Lonely Woman’, il contient certaines de ses compositions les plus durables.

La réaction au quartet de Coleman était mitigée, certains critiques saluant une nouvelle direction révolutionnaire dans le jazz, tandis que les détracteurs de haut niveau comprenaient Miles Davis et Charles Mingus.

Ornette était autodidacte et ne pouvait être considéré comme un virtuose scolarisé au sens traditionnel, mais son son alto criard est profondément expressif et les mélodies qu’il a composées sont indéniablement fortes.

The Shape of Jazz To Come présente son quartet classique des débuts avec Billy Higgins (qui sera remplacé plus tard par Ed Blackwell) à la batterie, Charlie Haden à la contrebasse et Don Cherry, sans doute le plus important collaborateur d’Ornette, au cornet.

L’album Free Jazz de Coleman en 1961 a donné son nom au mouvement.

• Eric Dolphy

Multi-instrumentiste, Dolphy est surtout connu comme saxophoniste alto, et pour avoir été l’un des premiers musiciens à jouer de la clarinette basse dans un contexte de jazz.

Il jouait également de la flûte et, moins fréquemment, de la clarinette & piccolo.

Initialement ancré dans le bebop – il existe un enregistrement privé de lui s’exerçant avec le grand trompettiste Clifford Brown – il s’est intéressé à l’Avant-garde, son jeu se caractérisant par une sonorité un peu sauvage et des intervalles larges qui ont pu être influencés par la musique classique contemporaine.

Malheureusement, il est mort à seulement 36 ans lors d’une tournée en Allemagne, après être tombé dans le coma à la suite d’un diabète non diagnostiqué.

En tant que sideman, il a joué sur des albums importants de John Coltrane, Charles Mingus et Oliver Nelson.

Recommandé l’album Eric Dolphy : Out To Lunch

Tous les musiciens de cet album de 1964 avaient un sérieux pedigree de jazz – en particulier le trompettiste Freddie Hubbard, qui est peut-être considéré comme un joueur de hard bop – mais c’est l’un des disques les plus avant-gardistes du catalogue Blue Note des années 1960.

La combinaison de la clarinette basse de Dolphy avec le vibraphone de Bobby Hutcherson est un son particulièrement distinctif.

Le batteur Tony Williams (inclus dans cette liste des meilleurs batteurs de l’histoire du jazz) venait d’avoir 18 ans et avait récemment commencé son passage au sein du Second Great Miles Davis Quintet.

• John Coltrane

Musicien qui n’a guère besoin d’être présenté, le son distinctif du saxophone ténor de Coltrane a été entendu dans une gamme de contextes stylistiques tout au long des années 1950 et 1960, à la fois comme chef d’orchestre et comme sideman.

Le hard bop du First Great Miles Davis Quintet et de son propre Blue Train a été suivi par la nouvelle approche modale de Milestones et Kind of Blue, puis par l’harmonie complexe et rapide de compositions comme Giant Steps et Countdown.

Son quartet classique, qui a produit A Love Supreme, jouait un jazz modal intense avec une dimension de plus en plus spirituelle, qui laissait présager la direction plus libre que la musique de Coltrane allait prendre pendant les deux dernières années de sa vie.

De 1965 à sa mort d’un cancer du foie en 1967, sa musique était souvent entièrement improvisée, se passant des séquences d’accords et des tempos organisés.

Ses derniers enregistrements le voient collaborer avec des musiciens dont la pianiste et harpiste Alice Coltrane (qu’il a épousée en 1965), les saxophonistes Archie Shepp et Pharoah Sanders, et le batteur Rashied Ali, avec qui il a enregistré l’album en duo Interstellar Space.

Album recommandé de John Coltrane : Ascension

Considéré comme un moment décisif dans la carrière de Coltrane, cela a signalé son évolution vers le free jazz et loin de son format classique de quartet avec McCoy Tyner, Jimmy Garrison et Elvin Jones.

Le groupe de 11 musiciens alterne entre des passages d’ensemble plus structurés et des sections de solo essentiellement libres, les solistes recevant des informations harmoniques squelettiques, plus l’instruction de terminer par un crescendo.

Le travail de Coltrane a continué à s’appuyer sur la dissonance rugissante entendue ici, et ses derniers albums continuent de diviser l’opinion parmi les fans et les critiques.

• Alice Coltrane

Née Alice McLeod à Détroit, dans le Michigan, elle a travaillé comme pianiste de jazz dans divers cadres straight-ahead et swing, notamment avec Lucky Thompson, Kenny Clarke et le quartet du vibraphoniste Terry Gibbs.

Après sa rencontre avec John Coltrane, la vie et la musique du couple deviennent plus ouvertement spirituelles, et elle remplace McCoy Tyner comme pianiste dans le groupe de John en 1966 alors que sa musique embrasse des formes plus libres.

Après la mort de son mari, elle a commencé à enregistrer en tant que leader.

Désormais entendus à la harpe ainsi qu’au piano &à l’orgue, et accompagnés par des arrangements de cordes luxuriants et de grands ensembles, ces sons cosmiques se sont avérés très influents.

L’album Alice Coltrane recommandé : Universal Consciousness

Cet enregistrement de 1971 est le cinquième album solo d’Alice Coltrane, la chef d’orchestre jouant de la harpe, de l’orgue et contribuant aux arrangements de cordes.

La musique mystique et hautement spirituelle combine des éléments de jazz modal, d’improvisation libre et de composition plus structurée. Un essai sur « 100 Records That Set The World On Fire » dans The Wire affirme que Universal Consciousness « se connecte clairement à d’autres traditions de jazz dyspeptiques – le trio d’orgue, les solistes à cordes – tout en les faisant voler dans l’espace, l’Égypte ancienne, le Gange, le grand au-delà. »

• Cecil Taylor

Autre pionnier majeur du free jazz américain, Cecil Taylor s’est fait remarquer par son jeu de piano radical et percussif et, comme Ornette Coleman, jouait des formes de jazz très expérimentales dès la fin des années 1950 à New York.

De formation classique, il affichait l’influence de compositeurs européens modernes comme Bela Bartók et Karlheinz Stockhausen.

L’album Coltrane Time de 1959 (initialement publié sous le nom de Taylor sous le nom de Stereo Drive) est une écoute étrange, le style atonal du pianiste contrastant extrêmement avec un groupe qui, ayant été constitué par la maison de disques, comprend des joueurs plus conservateurs comme le trompettiste Kenny Dorham sur un programme de standards.

Plus tard, alors qu’il dirigeait ses propres groupes, il a été reconnu comme un musicien américain très important, se produisant dans les grandes salles de concert et remportant divers prix et bourses de haut niveau. Il a également écrit de la musique pour la danse et a incorporé sa propre poésie dans ses performances musicales.

L’album recommandé de Cecil Taylor : Unit Structures

Cet album de 1966 était le premier de Taylor pour Blue Note Records. L’un des premiers albums de free jazz les plus intenses, il fait la part belle aux dissonances atonales, aux lourds clusters d’accords et aux polyrythmes complexes, joués par un septet qui comprend deux contrebassistes : certainement pas une écoute facile, mais il est aujourd’hui considéré comme l’un des disques les plus importants de la décennie.

Un essai de Taylor, Sound Structure of Subculture Becoming Major Breath/Naked Fire Gesture, accompagne l’album.

• Albert Ayler

Après avoir initialement joué du R&B, les enregistrements de free jazz des années 1960 d’Albert Ayler donnent la priorité à une expression pure et brute.

Son son de saxophone ténor ne ressemble à aucun autre : klaxonnant, d’un autre monde et primal. Il a d’abord été encadré par John Coltrane, faisant une musique ouvertement spirituelle et se tournant vers Coltrane pour une aide financière lorsqu’il était sans ressources, mais les enregistrements ultérieurs du saxophoniste plus âgé ont été à leur tour fortement influencés par Ayler.

En effet, Ayler a affirmé que « Trane était le père. Pharoah était le fils. J’étais le saint fantôme. « 

Il a parfois été accusé de charlatanisme de son vivant et il a connu peu de succès commercial. Cependant, il s’est finalement révélé très influent sur une multitude de musiciens dans les mondes du free jazz et de l’improvisation, ainsi que sur divers styles de rock expérimental et de « noise ».

Album recommandé d’Albert Ayler : Spiritual Unity

Cet album de 1964 voit le saxophoniste ténor en compagnie de Sunny Murray – un pionnier de la batterie du free jazz – et du bassiste Gary Peacock, qui a également joué dans des contextes de trio de jazz plus conventionnels avec Bill Evans et Keith Jarrett.

Le trio s’en tient rarement à un tempo strict et il y a un haut degré d’interaction de groupe en jeu. Ayler hurle à travers son saxophone, utilisant les extrémités de l’instrument et des techniques étendues, y compris les microtons.

L’album comprend deux interprétations de l’accrocheur et hymne Ghosts, un hymne de l’avant-garde des années 60. Pour tout le radicalisme et le chaos d’Ayler, sa musique contient également des mélodies chantantes et des éléments de la musique d’église et du blues.

• Sun Ra

La musique très idiosyncrasique de Sun Ra s’inspire de toute l’histoire du jazz – du ragtime, des sons de la Nouvelle-Orléans, du bebop, du jazz modal, de la fusion et du free jazz – pour créer un monde sonore cosmique qui était renforcé par ses performances live très théâtrales.

Né Herman Poole Blount, il a adopté le nom de Le Sony’r Ra, qui a ensuite été raccourci en Sun Ra.

Considéré comme un pionnier de l’esthétique afrofuturiste, il prétendait être un extraterrestre en mission depuis Saturne. Il est surtout connu pour avoir dirigé The Arkestra, au sein duquel il a été l’un des premiers à adopter les claviers électriques et les synthétiseurs.

Sun Ra est mort en 1993, mais le groupe, qui a toujours eu une équipe tournante, continue de tourner sous la direction de son disciple de longue date, le saxophoniste Marshall Allen. Ils sont connus pour porter des costumes élaborés inspirés de l’Égypte ancienne et de l’ère spatiale.

L’album recommandé de Sun Ra : Space is the Place

Sun Ra a laissé derrière lui une énorme discographie, bien que beaucoup de ses premiers enregistrements aient été des efforts autoproduits qui n’ont été imprimés qu’en petits lots ; beaucoup ne listaient même pas les noms des pistes ou les musiciens en vedette !

À ne pas confondre avec l’album de la bande originale du long métrage du même nom en 1974, le grand ensemble de cet enregistrement de 1972 comprend les membres de longue date de l’Arkestra, Marshall Allen, John Gilmore et Pat Patrick.

La piste titre hypnotique et chantante est l’un des plus grands succès du groupe.

• Anthony Braxton

L’un des nombreux musiciens notables issus de l’Association for the Advancement of Creative Musicians (AACM), le groupe de défense &de l’éducation basé à Chicago, le saxophoniste Anthony Braxton allait obtenir une « bourse Genius » de la Fondation MacArthur (1994) et être nommé Jazz Master de la National Endowment for the Arts (2004).

Son immense discographie va de la composition d’avant-garde à l’écriture pour orchestre et opéra, en passant par des interprétations  » left-field  » de standards de jazz et de la musique de Charlie Parker et de l’école Tristano.

Il a également joué dans des groupes dirigés par des grands du jazz, dont Chick Corea et Dave Holland, avec qui il a enregistré le séminal Conference of the Birds, bien qu’il ait pris ses distances avec le mot  » jazz « .

Album recommandé d’Anthony Braxton : 3 Compositions of New Jazz

Les débuts de Braxton en 1968 le mettent en scène aux côtés de trois autres figures incroyablement importantes de l’avant-garde américaine, toutes également originaires de Chicago et liées à l’AACM : le violoniste Leroy Jenkins, le trompettiste Wadada Leo Smith et Muhal Richard Abrahams, bien que tous les quatre soient entendus ici sur un éventail d’instruments. T

Deux des trois pistes expérimentales sont intitulées avec des diagrammes, ce qui est quelque chose pour lequel Braxton est connu. Son disque suivant For Alto (1969) est le premier album de saxophone entièrement solo.

• Archie Shepp

Le saxophoniste ténor Archie Shepp a fait irruption sur la scène naissante du jazz d’avant-garde dans le New York des années 1960 avec des apparitions dans des groupes de haut niveau dirigés par Cecil Taylor et John Coltrane.

Avec son collègue ténor Pharoah Sanders, il était à l’avant-garde d’un mouvement qui prenait l’influence de diverses cultures et traditions africaines.

Il a été impliqué dans la lutte pour les droits civiques, et a également écrit et interprété de la poésie et du spoken word.

S’il est principalement associé à une marque afrocentrique de free jazz, il a également joué un répertoire tiré du R&B, du blues et des spirituals, et a enregistré des albums d’hommage à Charlie Parker et Sidney Bechet.

Recommandé l’album Archie Shepp : The Magic of Ju-Ju

Ce dixième album de Shepp en tant que chef d’orchestre était son huitième pour Impulse ! le label qui a produit un grand nombre des disques les plus importants de l’avant-garde américaine des années 1960.

Le morceau d’ouverture épique de cette session de 1967 voit son ténor passionné grogner sur des tambours africains pulsés, dans un ensemble qui comprend cinq percussionnistes.

• Peter Brötzmann

Le saxophoniste et clarinettiste allemand Peter Brötzmann a été l’un des premiers musiciens européens à embrasser les nouvelles sonorités du free jazz du milieu des années 1960, les pionniers américains de cette forme ayant constaté qu’ils recevaient un accueil plus chaleureux en tournée en Europe qu’aux États-Unis.

Le son brutal du ténor de Brötzmann est principalement inspiré par Albert Ayler et, ayant participé à plus de 100 albums, il continue de tourner et d’enregistrer. Il a initialement suivi une formation d’artiste visuel et a conçu les couvertures de la plupart de ses albums.

Album recommandé de Peter Brötzmann : Nipples

Cet album de 1968 met en scène Brötzmann au sein d’un puissant sextet composé de géants européens de l’avant-garde, dont le batteur néerlandais Han Bennink et les Anglais Derek Bailey et Evan Parker, respectivement à la guitare et au saxophone ténor.

Une critique de Pitchfork par Scott Hreha compare la musique au « son de la chair arrachée à un ensemble d’os rachitiques ».

La musique est un peu comme une sorte d’épée de Damoclès.