Les années 80 ont été une décennie charnière au cinéma. L’ère des blockbusters s’est épanouie et les franchises ont commencé à fleurir. Les comédies provoquaient les larmes, les drames provoquaient la réflexion. Il y avait des voix dans le maïs, et absolument aucun chat en Amérique. Les films des années 80 étaient aussi éminemment citables, des punchlines aux révélations choquantes du troisième acte et au-delà. Ces citations de films des années 80 sont gravées dans le cœur et l’âme de tous les enfants des années 80.

La performance de Faye Dunaway dans le rôle de Joan Crawford, star de cinéma et mère tyrannique dans Mommie Dearest en 1981 est l’une des performances à l’écran les plus terrifiantes et indélébiles qui soient. Tout au long du film, elle oscille entre l’excellence et l’échec macabre. Son explosion de colère contre sa fille parce qu’elle utilise des cintres métalliques misérablement communs est une réplique qui a défini la carrière de deux actrices.

Si vous pensez que la réplique est « Luke, je suis ton père », vous devez chercher les DVD de la trilogie Star Wars sur votre étagère et les regarder à nouveau. Mais peu importe la formulation exacte, la révélation que le méchant ultime de la galaxie était le père de son plus grand héros a provoqué une onde de choc dans le public des films. Depuis, chaque rebondissement choquant à la fin d’un film court après la confession de paternité de Dark Vador (James Earl Jones).

Prélever une seule réplique du célèbre Airplane, riche en blagues, est une tâche presque impossible. Ou elle le serait si le pince-sans-rire immaculé de Leslie Nielsen en réponse à l’invite « Surely you can’t be serious ! » ne faisait pas de cette réplique une tête et des épaules au-dessus du reste.

Ce qui rend une réplique comme « E.T. phone home » si géniale, c’est le nombre d’émotions différentes qu’elle évoque. La première fois qu’il la dit, il y a l’émerveillement de voir cette drôle de petite créature extraterrestre parler. La deuxième fois qu’il le dit – alors que nous pensions tous qu’il était mort – c’est le moment le plus excitant, qui suscite autant d’excitation que de larmes. Le film de Steven Spielberg dépend du fait que le public crée un lien avec E.T., et cette seule ligne le scelle vraiment.

La panique et la rage maternelles que Shirley MacLaine délivre lorsqu’elle réprimande le personnel de l’hôpital pour qu’il donne des analgésiques à sa fille (Debra Winger) alors qu’elle est en train de mourir à l’hôpital vont à l’encontre de la réputation du film en tant que pleurnichard à cinq balles. Entre les mains expertes de MacLaine (qui a remporté un Oscar pour cette performance), le moment est à la fois drôle et déchirant.

Celie (Whoopi Goldberg) tient enfin tête au Monsieur abusif (Danny Glover) à la table du dîner, en tenant un couteau sous sa gorge et en le maudissant. C’est un moment très attendu pour Celie, qui reprend son pouvoir et ne promet que la ruine à l’homme qui l’a maintenue à terre pendant si longtemps.

La vision comique du réalisateur James L. Brooks sur une industrie des informations télévisées en pleine mutation – passant de la substance crasseuse au style tape-à-l’œil – est bourrée de bonnes répliques. Mais celle-ci, qui voit Holly Hunter répondre à un dénigrement par un apitoiement sincère, est à la fois délicieusement drôle et intelligemment tranchante.

Le triomphe absolu de Cher a culminé avec un Oscar, mais aussi avec l’immortalité de sa phrase signature du film. Les fans de Cher, les amateurs de cinéma et même les personnes qui n’ont jamais vu le film connaissent le son de cette gifle, suivie de son emblématique « Snap out of it ! ». Les pauvres visages sans méfiance des rêveurs nostalgiques ne seraient plus jamais en sécurité après Moonstruck.

Le réalisateur d’animation Don Bluth a été momentanément un rival de Disney à la fin des années 80 avec des films comme Une queue américaine, qui racontait l’histoire de Juifs russes immigrant aux États-Unis pour échapper aux pogroms via l’allégorie de souris immigrant aux États-Unis pour échapper aux chats. Sur le bateau qui traverse l’océan, Papa Mousekewitz (Nehemiah Persoff) chante la promesse d’une Amérique dorée et accueillante, où ils seront enfin à l’abri des chats, et où même les rues sont pavées de fromage.

Oui, oui, les mots qui vous viennent probablement en premier à l’esprit quand vous pensez au Champ des Rêves sont « Si vous le construisez, il viendra ». Ces mots, prononcés par une voix invisible à Ray Kinsella (Kevin Costner), l’incitent à labourer sous son champ de maïs de l’Iowa et à construire un terrain de baseball où les esprits des joueurs de baseball décédés (souvent entachés de scandales) peuvent revenir et jouer à nouveau. Mais le moment de vérité du film arrive à la toute fin, lorsque Ray aperçoit un joueur et le reconnaît comme son père. Avec les derniers mots du film, Ray trouve le courage de demander à son père de jouer au ballon. C’est le signal d’alarme.

Après que Marty McFly (Michael J. Fox) ait terminé ses aventures en 1955 et soit effectivement retourné dans le futur, il rencontre son vieux copain Doc Brown (Christopher Lloyd) une dernière fois avant le générique de fin. Doc est allé dans le futur, et quand il revient, sa fidèle DeLorean a subi quelques améliorations. Peu de films des années 80 ont fait hurler le public pour une suite de façon plus fiable que Retour vers le futur – avec Doc et Marty et leur voiture volante.

Le souhait d’un enfant fait à un jeu de carnaval isolé (certes effrayant) est ce qui met en branle cette comédie de Penny Marshall de 1988. Lorsque le jeune Josh Baskin se réveille le matin suivant son vœu, il est interprété par Tom Hanks, un enfant dans le corps d’un adulte. Tant de manigances amusantes s’ensuivent, mais c’est ce souhait simple, plaintif et oh combien racontable qui persiste.

La réplique la plus célèbre du film Quand Harry rencontre Sally, écrit par Nora Ephron et réalisé par Rob Reiner, n’est pas prononcée par le Harry doucement chauvin de Billy Crystal ni par la Sally tatillonne de Meg Ryan. Elle vient plutôt de la mère de Reiner, qui joue le rôle d’une cliente dans une scène de restaurant qui, une fois que Sally a fini de démontrer de manière incroyablement convaincante comment une femme peut simuler le plaisir, se tourne simplement vers son serveur et demande ce que Sally prend. C’est ainsi qu’est née l’une des plus grandes répliques de toute la comédie cinématographique.

La version cinématographique du populaire jeu de société Clue, qui permet de rire en une minute, mettait en vedette une distribution parfaite – Tim Curry, Lesley Ann Warren, Martin Mull, Eileen Brennan, Michael McKean, Christopher Lloyd – mais c’est la grande Madeline Kahn qui a envoyé le film dans l’immortalité avec son monologue bégayant sur sa haine chauffée à blanc pour Yvette la bonne (Colleen Camp).

L’acteur de caractère R. Lee Ermey passe la première moitié de la vision cauchemardesque de la guerre du Vietnam de Stanley Kubrick à aboyer une série ridicule d’ordres et d’invectives profanes aux soldats qu’il entraîne. Lorsqu’il finit par pousser un soldat (Vincent D’Onofrio) à bout au point de le menacer de représailles armées, le recours d’Ermey n’est pas de reculer mais d’augmenter la violence. Ce n’est pas une bonne idée, comme il s’avère.

Glenn Close joue une femme qui entretient une liaison avec un Michael Douglas marié, pour qu’il fasse marche arrière et devienne distant avec elle – ce à quoi elle répond par une violente obsession. La performance de Close travaille dur pour équilibrer les tropes de « l’ex petite amie folle » ; sa livraison sur la citation ci-dessus est autant juste qu’elle est menaçante.

Le film du réalisateur Ivan Reitman sur un quatuor d’exterminateurs de spectres dans le New York des années 1980 culmine avec une évasion de goules de leur installation de confinement. Le résultat ? Chaos, panique, communion des vivants avec les morts et, comme le résume hyperboliquement le Peter Venkman de Bill Murray, toutes les lois de la nature et de la réalité sont bouleversées. Chiens et chats ! Ensemble!

Il y a fort à parier que vous rencontrerez quelqu’un qui a vu The Shining de Stanley Kubrick et qui n’a pas essayé au moins une fois de sortir la phrase caractéristique de Jack Nicholson. La phrase est prononcée alors qu’il est à mi-chemin de la porte de la salle de bains, en train d’essayer d’assassiner sa femme et son fils. Je ne sais pas comment Johnny Carson a dû réagir à cette association.

Le monologue final en voix off de Brian le cerveau (Anthony Michael Hall) est l’encapsulation parfaite de l’angoisse des adolescents lésés. Ces cinq adolescents disparates passent un samedi après-midi à la bibliothèque de l’école et découvrent qu’ils ont tous un point commun (la plupart du temps, ils détestent leurs parents !) – et, dans un ultime baiser au principal, la leçon qu’ils tirent est que les adultes ne les comprendront jamais vraiment.

L’ado buissonnier le plus célèbre de la culture pop prend le temps de faire une virée dans Chicago dans la voiture du père de son ami et de faire du playback dans un défilé pour se tourner vers le public et offrir un conseil gratuit de cinq cents dollars. Vous pouvez remercier Ferris (Matthew Broderick) pour chaque tweet « la vie vous tombe dessus rapidement » que vous rencontrez.

Trois petits mots qui ne sonnent normalement pas comme une menace à moins qu’ils ne soient prononcés par un mur de muscles autrichien d’un mètre quatre-vingt-dix qui vient d’être téléporté du futur dans une quête impitoyable pour assassiner une future maman. L’affect plat et sans émotion d’Arnold Schwarzenegger était l’expression sinistre parfaite. Et en prime, il s’avère qu’il avait raison, si l’on en croit les cinq suites de Terminator et les autres qui s’ensuivent.

Tom Cruise et Anthony Edwards en copains pilotes dans leur programme d’entraînement d’élite de la Navy sont l’amitié centrale de l’un des plus grands succès des années 80. Ensemble, ils ont donné à Top Gun exactement ce dont il avait besoin, en plus de ses recettes massives au box-office et de son attrait pour les stars du cinéma : une accroche qui s’envolera bien au-delà de la fin des années 80, jusque dans la zone de danger (c’est ce que nous appelons les années 90).

La phrase a été imitée, dupliquée, empruntée, riffée et parodiée pendant des décennies maintenant. Al Pacino, dans le rôle du baron de la cocaïne Tony Montana, présente à ses ennemis son « petit ami », qui est évidemment sa mitraillette. Un carnage, ainsi que des centaines de posters de dortoirs, ont suivi.

L’avertissement répété au jeune Ralphie (Peter Billingsley) dans l’éternel classique de Noël devient plus drôle chaque fois qu’il est répété. Tout ce que le jeune garçon à lunettes voulait, c’était un fusil à air comprimé officiel Red Ryder, à action de carabine, à deux cents coups, modèle de gamme. Dommage que tous les adultes de sa vie – y compris le père Noël du centre commercial – lui aient dit que c’était trop dangereux.

Avec ces mots, Patrick Swayze sauve Jennifer Grey de son père surprotecteur et l’entraîne sur la piste de danse pour épater ces types coincés des Catskills avec des mouvements chorégraphiés de main de maître.

On pourrait trouver plutôt inconcevable que ce soit la réplique la plus mémorable de The Princess Bride, un film qui déborde pratiquement de citations hilarantes. Mais Mandy Patinkin dans le rôle d’Inigo Montoya est brillamment engagé et féroce alors qu’Inigo affronte l’homme à six doigts qui a tué son père.

Une phrase comme celle-ci n’est mémorable que si elle est prononcée dans la circonstance parfaite par le personnage parfait. En d’autres termes, une petite fille (Heather O’Rourke) qui regarde les parasites de la télévision – la seule qui sait que les esprits malveillants qui hantent la maison sont là pour jouer. C’est un moment suprêmement effrayant dans l’un des films d’horreur les plus marquants de la décennie.

Jeff Goldblum se transformant progressivement en mouche humaine au cours de ce film de David Cronenberg est à la fois dégoûtant et terrifiant. Heureusement, nous n’avons pas à nous inquiéter de savoir quelle est la réaction appropriée, car Ronnie (Geena Davis) le dit carrément – ayez peur.

Michael Douglas a remporté un Oscar pour avoir incarné Gordon Gekko, avatar de la cupidité des entreprises des années 1980. Cette performance est l’une des créations emblématiques de la décennie, et son ethos monstrueusement simple – souvent paraphrasé par l’expression encore plus simple « la cupidité, c’est bien » – a trouvé un écho dans les années suivantes.

Ossie Davis prononce la ligne de titre du film incendiaire de Spike Lee en 1989. La phrase est dite comme un conseil donné à Mookie (Lee), employé d’une pizzeria, bien que sa simplicité ironique ne devienne apparente qu’à la fin du film.