A propos de la danse moderne (Un très bref &historique condensé)

La danse moderne est un terme qui décrit plusieurs types de techniques de danse. C’est une catégorie de styles de danse, souvent désignée comme un genre de danse. Beaucoup des principaux styles de ce genre sont attribués à des chorégraphes spécifiques qui ont été les pionniers de nouvelles et uniques façons de bouger et ont créé de nouveaux vocabulaires de mouvements basés sur leurs philosophies personnelles ; leurs points de vue sur la façon dont la danse fonctionne en tant qu’outil artistique. Les danseurs formés dans des studios de danse privés ont souvent tendance à associer ou à désigner la danse moderne par les termes de danse lyrique ou contemporaine. Bien que ces studios et formes de compétition puissent avoir certains mouvements en commun avec la danse moderne de concert professionnelle, la danse lyrique fait en fait référence à une qualité de mouvement. La danse contemporaine signifie généralement qu’elle a été créée récemment, qu’elle est exécutée sur de la musique contemporaine et qu’elle est une fusion de styles de ballet, de jazz et de danse moderne.

Qu’est-ce qui fait alors de quelque chose une danse moderne ? Il n’y a pas de lignes absolues tracées dans le monde de la danse professionnelle, mais pour les besoins de ce cours, voici des définitions limitées des formes de danse moderne qui ont au moins une des caractéristiques suivantes :

• Fondée sur l’une des techniques codifiées des premiers maîtres, tels que Graham, Humphrey, Limón, Dunham, Horton ou Cunningham
• Fondée sur des mouvements créés par l’utilisation du souffle, l’articulation du torse (comme aligné, titré ou contracté), l’utilisation du sol ou l’improvisation, sans la nécessité de positions tournées des jambes ou de pieds pointus
• Fusion de styles de danse qui utilisent le vocabulaire de mouvement du ballet, du jazz, du moderne, du hip-hop, de la danse afro-caribéenne, de la capoeira et de la danse post-moderne dans la même chorégraphie
• Une forte association avec le sol dans les choix de mouvement ; un accent sur le mouvement au sol en position debout et un vocabulaire de mouvements effectués en position couchée ou assise sur le sol.

Plutôt qu’une définition concise de ce qu’est la danse moderne, le plus important pour vous est peut-être ce qu’elle peut apporter à l’enrichissement de votre vie. Elle peut vous initier à une nouvelle forme de technique dans laquelle vous expérimentez la joie du mouvement. Elle peut vous permettre d’apprécier davantage la musique, les autres arts et les formes de mouvement. Elle peut accroître votre respect et votre compréhension de la profession de danseur. Elle peut également élargir votre conscience et votre appréciation de votre façon de bouger et de celle des autres.

Tout artiste est un produit de l’époque dans laquelle il crée. Si les premiers artistes de la danse moderne étaient souvent à la pointe du changement, beaucoup reflétaient aussi les préjugés et les circonstances sociales et politiques de leur époque. La force motrice de nombreux artistes au début du 20e siècle était leur recherche d’éléments de danse.

Bien qu’il ne soit pas possible de donner une reconnaissance adéquate à tous les chorégraphes, producteurs, éducateurs et danseurs qui ont façonné la danse moderne, plusieurs personnes éminentes peuvent aider à retracer le développement de la forme d’art telle qu’elle est pratiquée dans le studio et souvent exécutée aujourd’hui.

• 1900 – 1920 : Les Matriarches, Loie Fuller, Isadora Duncan et Ruth St.Denis
• 1920 – 1940 : Les pionniers, Ted Shawn, Doris Humphrey, Martha Graham, Mary Wigman, Katherine Dunham
• 1940 – 1960 : 2e génération, les bâtisseurs d’héritage, José Limón, Hanya Holm
• 1940 – 1960 : 2e génération, les iconoclastes, Merce Cunningham, Lester Horton, Alwin Nikolais
• 1960 – 1980 : Synthétiseurs, Alvin Ailey, Paul Taylor, Twyla Tharp
• 1980 – 2000 : Collaborateurs, Pilobolus, Bill T. Jones

Dans le passé, la « danse moderne » représentait les points de vue et les concepts de mouvement de chacun de plusieurs danseurs ou chorégraphes. … la technique Martha Graham, la technique Doris Humphrey ou la technique Lestor Horton. Comme les horizons de l’artiste de la danse se sont élargis, les formes de mouvement se sont également élargies, se ressemblant plus qu’elles ne sont différentes. La danse moderne est une forme d’art plus jeune que le ballet et le style de mouvement est centré sur les propres interprétations du danseur au lieu des mouvements standardisés et des pas structurés du ballet classique ou traditionnel. Cependant, la danse moderne utilise beaucoup de vocabulaire et de terminologie classiques. Aujourd’hui, de nombreux chorégraphes de « ballet » utilisent les concepts de mouvement du danseur moderne et les exercices du danseur de ballet sont maintenant utilisés dans les techniques « modernes ». La danse moderne est connue pour son indépendance, son invention et son attitude non traditionnelle. De nombreux chorégraphes incluent maintenant dans leur travail non seulement les techniques insaisissables de la danse moderne, mais aussi les principes du jazz, de l’Afrique, du ballet et d’autres danses ethniques.

Le développement de la danse moderne en tant que forme d’art est venu en brisant les « règles » de ce que la danse était « censée » être. Au cours des années 1900, les danseurs européens ont commencé à se rebeller contre les règles rigides du ballet classique, les techniques structurées, les costumes et les chaussures de ballet. Vers la fin du XIXe siècle, des personnes dévouées comme Loie Fuller, Ruth St. Denis, Isadora Duncan et Ted Shawn se produisaient régulièrement. Faute d’un meilleur nom, la danse « classique » a été apposée sur le travail de ces artistes qui ont modelé leurs œuvres sur des modèles grecs ou romains idéalisés. Ces nouveaux danseurs privilégiaient un style de danse plus détendu et plus libre. Les pionniers de la danse moderne dansaient pieds nus et avec des costumes libres souvent révélateurs.

Modernisme contre réalisme

Plusieurs artistes se sont engagés dans un départ délibéré de la représentation réaliste dans l’art vers ce qui est devenu connu comme le modernisme. Ce nouveau style explorait l’expérience subjective, comme les sentiments et les perceptions d’une personne plutôt que la vie réelle observée. L’œuvre avait un aspect abstrait par opposition à l’aspect réaliste. Par exemple, les œuvres du peintre Pablo Picasso, qui contiennent des parties de corps reconnaissables mais pas le visage réaliste d’une femme, sont un exemple de ce mouvement moderniste dans l’art. La nouvelle danse, ou danse moderne comme on l’appellera plus tard, s’intéressait à la représentation de l’abstraction de l’expérience humaine plutôt qu’au récit réaliste d’une histoire. La nouvelle forme de danse explore les sentiments de la personne sur le monde à travers des mouvements abstraits, épurés et non littéraux. Tout comme le modernisme dans l’art, la danse moderne s’est manifestée comme une rébellion contre les traditions artistiques du passé.

St. Denis et Ted Shawn se sont rapprochés professionnellement et ont créé une école dans le quartier Westlake de Los Angeles qui attirait des étudiants de tout le pays. St. Denis était la muse, le modèle et parfois le professeur, tandis que Shawn se concentrait principalement sur les détails de l’école. Leur compagnie, nommée Denishawn, faisait des tournées sur les circuits populaires de vaudeville et était la plus importante compagnie de danse sérieuse du pays.

Dans la deuxième décennie du XXe siècle, le nom de « danse moderne » avait commencé à être utilisé pour décrire le travail des successeurs de Denishawn tels que Martha Graham, Doris Humphrey, Charles Weidman, Hanya Holm, Helen Tamrisis et Lester Horton. La principale caractéristique de la danse moderne est qu’elle encourage les danseurs à utiliser leurs émotions et leurs humeurs pour concevoir leurs pas, leurs combinaisons et leurs danses au lieu de suivre un code technique structuré comme dans le ballet. Des écoles de mouvement se formaient sur la base du vocabulaire de mouvement de chaque chorégraphe, qui découlaient de leur propre conception de l’origine de l’impulsion du mouvement et de la manière dont il devait être développé logiquement.

Graham, Humphrey et Weidman rejetaient l’esthétique de Denishawn, la qualifiant de « Dancing Gods and Goddesses », et optaient pour des thèmes personnels ou sociaux, exécutés dans des costumes plus proches de la tenue contemporaine que les robes exotiques portées par les interprètes précédents ou les tutus traditionnels du ballet classique. Les chorégraphes de cette génération ont développé des styles de mouvement percutants et pratiquement dépourvus de la gestuelle dramatique du « film muet » qui caractérisait la génération précédente, ainsi que des règles rigides de la technique classique. Une autre caractéristique de la danse moderne en opposition au ballet est l’utilisation délibérée de la gravité. Alors que dans le ballet classique, le danseur s’efforce constamment d’être léger et aérien sur ses pieds à tout moment. Le mouvement pondéré était souhaité par le danseur moderne, car il considérait le sol sur lequel il dansait comme une source de force à courtiser plutôt que comme un support dont il devait se libérer. Ils utilisent souvent le poids de leur corps pour renforcer le mouvement. Le danseur moderne rejette la posture classique d’un corps droit et érigé, optant souvent à la place pour des chutes et des roulades délibérées sur le sol.

Débutant en 1934, l’école d’été de danse du Bennington College offrait aux étudiants la possibilité d’étudier avec les « quatre grands » : Graham, Humphrey Weidman et Holm. (Hanya Holm a émigré d’Allemagne et a ouvert un studio à New York en 1933, fondé sur les principes développés par Mary Wigman). En plus de la technique, des cours de composition, de mise en scène et d’histoire de la musique sont proposés. Le corps étudiant puisait largement dans les enseignants des départements d’éducation physique (très peu d’écoles offraient un diplôme en danse) à travers le pays.

L’acceptation du public s’est faite lentement au cours des années 1930 mais a augmenté dans les années 1940 lorsque cette génération de chorégraphes a été invitée à chorégraphier des comédies musicales pour le théâtre populaire et à présenter leur propre compagnie dans des lieux théâtraux plus populaires.

Sur la côte ouest, Lester Horton, dont l’intérêt initial pour la culture amérindienne (un groupe d’indigènes américains) l’a amené à la danse moderne. Il a créé une compagnie et un théâtre entièrement consacrés à la présentation de la danse à Los Angeles. Il a également mis ses talents de chorégraphe au service de divers films. Sans distinction de couleur dans la formation de ses danseurs, Horton avait la première compagnie de danse moderne intégrée des États-Unis. Il a encouragé le travail d’Alvin Ailey, de Carmen de Lavallade et de Janet Collins, entre autres. Ailey, comme Pearl Primus et Katherine Dunham avant lui, abordait les thèmes de l’égalité raciale, de l’injustice sociale et de la ferveur religieuse qui découlaient de l’expérience noire. Sur le plan stylistique, ils ont trouvé la structure narrative de la période post-Denishawn plus utile pour leur travail, comme l’ont fait plus tard des chorégraphes comme Talley Beatty, Donald McKayle, George Faison, Garth Fagan et Bill T. Jones.

Dans les années 1960, les chorégraphes se sont dissociés de toutes les conventions théâtrales de leurs prédécesseurs et se sont concentrés principalement sur le mouvement du corps, entraîné ou non. Ils se produisent à l’intérieur, à l’extérieur, sur les toits ou dans la rue, presque partout sauf dans les théâtres à arc de cercle. Les vêtements de tous les jours étaient souvent utilisés comme costumes, et la nudité était parfois de mise. Ce mouvement a pris racine au début des années 1960 avec un cours de composition donné par le pianiste, accompagnateur et compositeur Robert Dunn au studio Cunningham. C’était un enseignement sans jugement qui encourageait ceux qui suivaient le cours à comprendre la logique de leurs propres choix et à les explorer pleinement.

La danse moderne a été et continue d’être adoptée comme une forme libérée d’expression de danse sérieuse dans chaque pays qui y a été exposé. L’influence de la vie créative vigoureuse des compagnies américaines a largement stimulé le développement de la danse moderne dans le monde entier au cours de la seconde moitié du 20e siècle. Cette influence a encouragé les chorégraphes à développer le langage gestuel qui s’adresse le plus directement à leur public. Dès ses débuts, la danse moderne a encouragé l’expression individuelle dans le choix des thèmes et des moyens d’exécution.

Martha Graham, ancienne élève de Ruth St. Dennis, est considérée comme l’une des principales pionnières de la danse moderne américaine. Afin d’exprimer la passion, la rage et l’extase des humains, elle a développé son propre langage du mouvement. Elle a créé une nouvelle technique de danse semblable au ballet, mais avec plusieurs différences. Elle s’est fortement concentrée sur le mouvement humain de base, en se focalisant sur les mouvements de contraction et de relâchement. Au lieu de longs mouvements fluides, les mouvements de Graham sont nets et déchiquetés. Sa danse visait à exposer les émotions humaines de base à travers le mouvement. « Le mouvement ne ment jamais ». La vision courageuse et audacieuse de Graham pour la danse moderne lui a valu de nombreux prix, honneurs et une reconnaissance mondiale.

L’histoire de la danse moderne est liée aux tendances sociales, politiques et artistiques de l’époque à laquelle elle a été créée. Débutant comme une nouvelle danse au début du 20e siècle, la danse moderne a été façonnée par le mouvement des femmes, les nouvelles tendances des arts visuels et un amour croissant pour l’approche scientifique. La génération matriarcale d’Isadora Duncan, Lorie Fuller et Ruth St. Denis a inspiré l’imagination du monde de la danse alors qu’il s’éloignait des traditions du siècle précédent.

A mesure que chaque époque du 20e siècle changeait, la danse moderne changeait aussi. Les années 1920 à 1930 ont été l’ère pionnière de cette forme d’art. Des sommités comme Martha Graham, Doris Humphrey et Katherine Dunham ont commencé à façonner et à définir ce que serait ce nouveau genre de danse. Les années 1940 et 1950 ont vu les successeurs des pionniers donner naissance à ces nouvelles variations stylistiques grâce au travail de géants artistiques tels que José Limón et Merce Cunningham. De 1960 aux années 1980, les chorégraphes et les danseurs ont synthétisé et réexaminé le travail des pionniers, apportant de nouveaux types de vocabulaire de mouvement à l’idiome de la danse moderne. Des icônes telles qu’Alvin Ailey et Twyla Tharp sont emblématiques de cette période. La dernière partie du 20e siècle a mis en avant la valeur de la collaboration à travers le travail de créateurs réellement inventifs, notamment Bill T. Jones et Pilobolus.

On peut voir les similitudes et les différences entre la danse moderne traditionnelle et la danse post-moderne :

SIMILARITÉS :

• Les deux ont présenté des danses qui affichaient des mouvements innovants.
• Les deux ont utilisé des thèmes qui étaient sociaux, politiques et globaux.
• Les deux ont utilisé les éléments de l’espace, du temps et de l’énergie d’une manière qui était différente du ballet.

DIFFÉRENCES:

• Certaines danses post-modernes étaient sans intrigue et dépourvues de narration ; de nombreuses danses modernes traditionnelles avaient des lignes narratives fortes.
• Les danses modernes traditionnelles employaient des danseurs formés ; certains chorégraphes post-modernes utilisaient des danseurs non formés.
• Les danses modernes traditionnelles utilisaient plus souvent qu’autrement des costumes ; les danses post-modernes étaient souvent présentées en vêtements de rue de tous les jours.
• La danse moderne traditionnelle était souvent présentée dans des théâtres ; la danse post-moderne était présentée dans un certain nombre de lieux différents.

Les contributions de l’artiste post-moderne au monde de la danse ont eu un effet profond sur la façon dont les gens chorégraphient et voient la danse.

Les danseurs modernes d’aujourd’hui utilisent la danse pour exprimer leurs émotions les plus intimes, souvent pour se rapprocher de leur moi intérieur. Avant de tenter de chorégraphier une combinaison ou une danse, le danseur moderne décide des émotions qu’il va essayer de transmettre au public. De nombreux danseurs modernes choisissent un sujet qui leur tient à cœur, comme un amour perdu ou un échec personnel. Le danseur fera composer une musique ou utilisera une musique déjà composée qui reflète ou se rapporte à l’histoire qu’il souhaite raconter ou il peut choisir de ne pas utiliser de musique du tout. En outre, ils choisissent un costume pour refléter davantage les émotions qu’ils ont choisies.

La danse moderne continue d’être une forme d’art pertinente et dynamique au 21e siècle. Ses caractéristiques unificatrices sont sa réponse à l’époque dans laquelle elle est créée, sa résistance aux traditions passées et sa réévaluation constante de sa pertinence et de sa signification. Les traditions et les techniques de la danse moderne continuent d’évoluer à mesure que de nouveaux artistes doués changent les règles.

Ce changement est une chose saine. Une forme d’art ne peut se développer que lorsque de nouvelles idées et de nouveaux modes d’expression y entrent !

La danse moderne a et aura toujours pour sujet le monde dans lequel nous vivons,

reflétant tout ce que le monde englobe sous forme de mouvement.