Faites de meilleurs beats hip hop et beats rap avec ces conseils du légendaire producteur de hip hop Johnny Juice.

Sur une écoute occasionnelle, les morceaux de Jay-Z, Tupac ou KRS-One peuvent sembler simples dans leur construction – des rimes charismatiques chevauchant un groove de batterie entraînant et répétitif. Mais si vous avez déjà essayé de construire des beats hip-hop par vous-même, vous savez probablement déjà que produire quelque chose de propulsif, d’énergique, de frais et d’original n’est pas une science si simple – alors par où commencer ? Nous avons fait appel à l’un des experts fondateurs du genre pour vous donner quelques conseils.

Le producteur multi-platine Johnny « Juice » Rosado est l’un des pionniers du hip-hop. Il a travaillé avec des artistes comme Run DMC, Public Enemy, The Beastie Boys, Ashanti et Dan the Automater, et est également un DJ et un scratcheur très respecté. Voici ce que Juice recommande afin de donner à vos beats hip hop originaux le funk et la puissance dont ils ont besoin.

Trouver une influence unique

Lorsque vous développez votre propre voix unique en tant que programmeur de beat, Juice recommande de s’accrocher à une influence qui vous inspire – que ce soit au sein du hip hop ou non – et de creuser en profondeur. « Étudiez ce qui fait sonner ce musicien, ce compositeur, ce producteur ou ce chanteur comme il le fait », dit-il. « Et ensuite, appliquez cela à ce que vous faites. »

Juice suit depuis longtemps ses propres conseils à cet égard, rendant hommage à diverses influences dans sa production et son travail de DJ. « Je ne gratte pas comme un DJ », explique-t-il. « J’ai toujours voulu scratcher à la manière dont Ray Baretto jouait de la conga. Je gratte aussi sur des enregistrements de Bobby Timmons, qui est un grand pianiste de jazz. Il joue des solos très complexes et j’aime scratcher en même temps, en correspondant à ces rythmes. »

Que vos influences viennent du grunge ou du go-go, Juice affirme qu’écouter attentivement et étudier tout style qui vous inspire vous aidera à apporter une perspective nouvelle aux beats que vous finirez par construire.

Apprenez la batterie – et d’autres instruments

Juice recommande de devenir aussi compétent que possible en jouant d’au moins un instrument – et pas seulement en programmant des échantillons de celui-ci – et d’apprendre au moins les bases d’autant d’autres que possible. « Je vois beaucoup de producteurs qui ne comprennent pas comment les batteurs jouent réellement de la batterie », dit-il. « Ils font jouer le charleston tout au long d’une chanson, et si vous avez déjà regardé un batteur jouer, vous savez que lorsqu’il fait un fill, le charleston s’arrête généralement jusqu’à la fin du fill. Même si vous utilisez une boîte à rythmes qui n’est pas censée sonner comme un vrai batteur, vous devez la programmer comme si un vrai batteur jouait. De plus, j’ai toujours un coup de cymbale crash avec la grosse caisse en dessous pour donner plus de puissance au coup – parce que c’est la façon dont beaucoup de vrais batteurs jouent.

« Connaître ne serait-ce qu’un seul instrument s’avère très pratique quand vient le moment de programmer », poursuit-il. « Si vous étudiez la batterie et que vous voulez construire un rythme, commencez par la piste de batterie. Si vous étudiez la basse, alors c’est votre rampe de lancement. »

Constituez votre bibliothèque de sons

Synthétiseurs à clavier, instruments virtuels logiciels, DVD remplis de hits de batterie exotiques – les sons que vous utilisez pour construire vos beats peuvent provenir de partout, et Juice recommande d’amasser une collection aussi profonde, diverse et unique que possible. « Apprenez ce qu’est le santour ! » dit-il. « C’est un instrument perse au son vraiment cool – un peu comme une guitare, mais joué avec des bâtons. Il sonne très bien, alors essayez de commencer avec cet instrument et de construire un rythme autour de lui. Assurez-vous d’avoir toutes sortes de choses inhabituelles comme ça dans votre répertoire. Un nouveau son peut être une étincelle créative, et vous avez tendance à programmer différemment lorsque vous utilisez des sons différents. »

Démarrez avec une chanson que vous aimez

« Si vous avez du mal à trouver l’inspiration, je recommande toujours d’échantillonner votre disque préféré, de jeter une batterie dessous, d’ajouter quelques parties de clavier par-dessus – puis de retirer l’échantillon », dit Juice. « Ce qui vous reste, c’est une image miroir de cette chanson que vous aimez, mais qui vous est propre. Il peut avoir le même tempo et les mêmes progressions d’accords que la chanson originale, mais ce sera quelque chose de nouveau qui sera unique et vraiment à vous. » À partir de là, dit-il, continuez à ajouter d’autres éléments pour remplir l’espace laissé par l’échantillon original que vous utilisiez pour vous inspirer.

Cette technique peut fonctionner avec un morceau de presque n’importe quel genre – country, reggae, métal, vous le nommez. Assurez-vous simplement que le disque que vous utilisez comme source a un bon groove et vous excite à faire de la musique.

N’oubliez pas le pan

« Le panning est un art perdu dans le hip hop », dit Juice. « Beaucoup de disques de hip-hop aujourd’hui sonnent juste comme une grosse piste mono. Ou tout est juste pané à droite et à gauche. »

Que vos sons de batterie proviennent d’un kit de batterie acoustique ou d’une boîte à rythmes classique Roland TR-808 – ou n’importe où entre les deux – pannez vos sons de batterie en fonction de la façon dont ils apparaîtraient sur scène, dit Juice. « Vous devez avoir un arrangement de panoramique qui donne à chaque chose son espace. Je place toujours les caisses claires un peu à droite, car si je regarde un batteur, la caisse claire est un peu à droite. Le charleston est un peu plus à droite. Les toms vont de droite à gauche, de la hauteur de son la plus élevée vers la hauteur de son la plus basse. »

Conseil rapide : si vous n’êtes pas sûr de savoir où placer un son de batterie particulier en panoramique, écoutez quelques albums de jazz classique sur une bonne paire d’écouteurs et prêtez une attention particulière à quels éléments sonores sont placés où, de gauche à droite.

Soyez conscient du mono et du stéréo

De nombreux sons utilisés dans les beats hip hop proviennent de synthétiseurs à clavier populaires comme le Korg Triton et le Yamaha Motif, dit Juice – mais lorsque vous sortez les sons de ces puissants instruments dans une interface audio pour enregistrer, il prévient qu’il faut être prudent.

« Lorsque vous enregistrez à partir d’un Triton, vous avez les sorties gauche et droite qui vont dans les canaux 1 et 2 de la table de mixage, il est donc facile d’enregistrer tout ce qui sort du clavier comme une piste stéréo », dit-il. « Cela peut vous amener à enregistrer en stéréo quelque chose qui devrait juste être mono, comme une grosse caisse ou une caisse claire. »

Si vous enregistrez un échantillon qui provient d’une source ponctuelle unique – comme une grosse caisse ou une caisse claire – enregistrez-le simplement à partir d’une seule sortie comme une piste mono, puis faites un peu de panoramique, dit Juice. « Comme de nombreux producteurs enregistrent tous leurs sons en stéréo à partir du clavier, ils partent du principe qu’ils sont déjà correctement panoramisés, ce qui n’est pas le cas. Si vous enregistrez un son de coup de pied en stéréo, vous n’enregistrez en fait que deux pistes mono identiques collées l’une à l’autre. Vous devez faire le panoramique vous-même. »

Éviter l’accordage bâclé

Pour créer un son unique, les producteurs de hip-hop changent souvent l’accordage d’un échantillon, le faisant sonner plus ou moins haut que l’original. « Ils désaccordent et ralentissent un échantillon à un point tel qu’il est méconnaissable », explique Juice. « C’est bien – mais apprenez au moins vos notes au piano pour que lorsque vous désaccordez votre échantillon, il soit accordé sur une vraie note, et non sur une zone grise entre mi et mi bémol. »

Pourquoi l’accordage est-il une chose si importante ? « Quand un chanteur ou un musicien live vient enregistrer sur votre beat, cela peut poser des problèmes », poursuit-il. « Je répare beaucoup de ces problèmes dans mon studio. Si le chanteur sonne comme une merde, le problème vient généralement du fait que l’échantillon n’est pas accordé correctement. » Le désaccordage imprécis d’un échantillon peut également causer des problèmes si vous choisissez d’ajouter des lignes de basse échantillonnées, ou d’autres éléments mélodiques à votre jam. « Les synthétiseurs et les instruments virtuels sont généralement accordés correctement, ils peuvent donc vraiment grincer si vous les faites jouer contre un échantillon mal accordé. »

Laissez un espace

« Rappelez-vous que le chant est le dernier instrument de tout beat », dit Juice. « Le rappeur ou le chanteur est ce qui est nécessaire pour terminer le beat – lorsque vous avez fini de le programmer, votre beat devrait être au point où tout ce que vous avez à faire est d’ajouter les voix, de mixer et de servir. Si vous arrivez au point où un chanteur se bat contre le beat pour l’espace, c’est qu’il est trop plein et que vous devez retirer quelque chose. » Même si vous n’êtes pas un chanteur professionnel, un moyen facile de savoir si vous laissez assez d’espace est de fredonner une mélodie inventée ou de cracher un couplet absurde par-dessus votre rythme. Si vous avez l’impression de vous battre avec la musique, essayez de dépouiller un peu le beat pour créer plus d’espace – mais si le chant et le beat semblent respirer ensemble, vous êtes sur la bonne voie.

Expérimenter

« La musique n’est pas de la nourriture pour chiens », dit Juice. « La nourriture pour chiens est fabriquée. Il y a une formule et un processus. Malheureusement, les gens peuvent tomber dans le piège de la fabrication de la musique, et non de sa création, il est donc important de rester dans l’état d’esprit créatif, et de ne pas avoir l’impression de suivre une formule et un processus de chaîne de montage. »

Pour éviter de créer votre propre nourriture pour chien sonique, Juice recommande de se donner du temps supplémentaire pour essayer de nouvelles choses qui pourraient s’écraser et brûler, ou qui pourraient mener à quelque chose d’excitant. « Expérimenter avec toutes sortes de choses est la clé », dit-il. « Chaque producteur programme différemment, alors ne commencez pas toujours avec le même instrument. Essayez d’utiliser un instrument que vous n’avez jamais utilisé auparavant. Essayez de mélanger un clavecin avec du reggae. Et donnez-vous le temps d’essayer de nouvelles choses. Beaucoup de gens veulent absolument que les choses soient faites maintenant, et cela peut faire obstacle à la vraie créativité. »

Le premier album en trio de Michael Gallant, collaborateur régulier de Disc Makers, Completely, a reçu une critique de quatre étoiles du magazine DownBeat et une critique de cinq étoiles de Critical Jazz, qui a déclaré : « Ceci, mes amis, est l’avenir du jazz. Frais, revigorant, progressif – il n’y a tout simplement pas assez d’adjectifs positifs à énumérer ici. » Pour en savoir plus, téléchargez l’album sur iTunes ou achetez-le sur CD Baby. Suivez Michael sur Twitter à @Michael_Gallant ou sur Facebook.

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