Il y a beaucoup de termes français et italiens cool pour les différentes techniques d’archet. Les textes ont des explications de chacun des différents coups d’archet, mais ces explications vont d’excellentes à confuses à carrément contradictoires (il suffit de googler détaché). Ces termes font référence à ce que la section fait « sous le capot ». En tant qu’orchestrateur, il est important de les comprendre, car ils constituent les rudiments du jeu des cordes. Rappelez-vous qu’au final, cependant, l’important est de savoir comment noter votre intention ; la section s’occupera de la technique.

Lorsque l’on aborde la technique de l’archet, il est important de noter que plusieurs termes utilisés par les joueurs pour décrire un coup sont également des termes utilisés en notation ; cependant, ils ont une signification légèrement différente dans ce cas. Les deux principaux auxquels il faut faire attention sont le staccato et le legato, qui seront abordés dans cette section.

La technique d’archet par défaut consiste à jouer sur la corde et à changer de direction à chaque note.

Notes longues
Les notes longues sont jouées sur la corde, ou en raccourci sur, ce qui signifie qu’entre les notes, l’archet ne quitte pas la corde, mais maintient plutôt le contact. L’archet change de direction à chaque nouvelle note. Si vous voulez plus d’une note par coup, utilisez une liaison pour désigner combien de notes doivent tomber sous chaque archet.

Le nombre de notes que vous pouvez écrire par archet dépend de plusieurs variables. Certaines ne sont pas négociables ; par exemple, lorsque la dynamique est forte, l’archet doit se déplacer plus rapidement pour maintenir un ton complet, donc moins de notes sont possibles. Lorsque la dynamique est douce, beaucoup plus de notes peuvent être jouées et le nombre de changements et la vitesse de l’archet peuvent créer de belles couleurs. Observez un archet de section ; la vitesse change tout le temps et c’est ce qui donne de la vie à la phrase. Il existe une troisième variable : le placement. Les joueurs placent l’archet dans des positions légèrement différentes sur la corde pour produire des sons différents. Les extrêmes sont sul ponticello et sul tasto, mais il y a beaucoup de petites variations au milieu qui, lorsqu’elles sont combinées avec la vitesse et la pression, donnent à chaque note un son unique.

La raison pour laquelle les échantillons n’ont pas de « vie » est que chaque note est enregistrée à des vitesses et des pressions similaires, il n’y a donc pas de relation entre la technique et le contexte musical.

Notes courtes
Le défaut est toujours de jouer sur la corde. Si vous voulez que le jeu soit lourd et sur la corde, vous pouvez l’étiqueter marcato. Le marcato est un terme qui désigne l’attaque ; pour les cordes, il est effectué avec le coup martelé. Les notes commencent sur la corde et ont une grande attaque en raison de la pression supplémentaire appliquée. Notez que marcato ne signifie pas nécessairement court ; il affecte l’attaque, et en raison de la physique de la façon dont il est exécuté, les notes auront une séparation, et donc par défaut seront plus courtes. Une série de croches marcato donnera l’impression d’être staccato. Il est important de réaliser la distinction cependant, et de comprendre qu’un archet normal court sur la corde est appelé archet staccato.

L’alternative à l’archet sur la corde est, bien sûr, l’archet hors de la corde. C’est là que l’archet quitte la corde entre les notes. L’exemple le plus courant d’un style d’archet hors de la corde est le spiccato. Une idée fausse très répandue est que le spiccato lui-même est la façon dont vous qualifiez un passage de hors-corde. Ce n’est pas le cas. Il s’agit simplement d’un style particulier d’archet hors-cordes. Cependant, si vous utilisez ce mot et que ce n’est peut-être pas le coup correct pour la phrase, les joueurs feront ce qu’ils font le mieux et adapteront leur coup d’archet au contexte musical actuel.

Je crois que la mauvaise compréhension et l’utilisation abusive des termes marcato et spiccato sont dues à certaines bibliothèques de cordes qui utilisent ces noms pour leurs patchs de notes courtes. Dans le monde réel, il est impossible de jouer le spiccato aussi fort et lourd qu’il semble dans ces patchs, et comme mentionné ci-dessus, historiquement, le marcato est un type d’attaque, pas une durée.

‘Off-ish’
Le spiccato est un coup d’archet très utile et commun, mais si vous regardez la physique de celui-ci, il n’est pas utile pour les attaques plus lourdes et les dynamiques plus fortes. Pour cela, nous avons besoin de plus de contact avec la corde et faire rebondir l’archet ne permet pas cela. Mais nous voulons quand même que l’archet se détache entre les notes, même si c’est très léger. C’est un coup qui se situe entre un spiccato et un marcato. On n’en parle pas souvent, mais si vous observez une section, vous verrez que c’est ce qui se passe naturellement lorsqu’ils doivent jouer des notes courtes et lourdes. J’ai également remarqué que même lorsqu’on leur demande de jouer sur la corde, lorsque la musique devient rapide et forte, la même chose se produit et ils gravitent vers ce même coup, l’archet semble se soulever un peu lorsqu’il change de direction. Ils font aussi souvent cela pour la clarté. Au violoncelle et à la basse, jouer vite sur la corde ne projette pas ou ne ressort pas aussi bien qu’au violon.

Sous pression : Regarder l’archet(ie)

Voyez comment j’ai arqué la phrase ci-dessus. Même si je n’ai pas marqué de crescendo, il y en aura un léger au fur et à mesure que la vitesse de l’archet et l’accentuation changeront et que le son deviendra plus intense. Si j’avais marqué cette phrase comme un crescendo, j’aurais voulu avoir le même type d’archet. Plus le son est fort, plus l’archet doit aller vite pour maintenir un son de qualité. Si c’était un grand crescendo et que je ne l’avais pas marqué ainsi, ils passeraient automatiquement à au moins deux archets par mesure au fur et à mesure que la musique devient plus forte.

Il y a tellement de différences subtiles au son que vous pouvez faire quand vous pensez à l’archet.

Voici Endre Granate qui démontre ces coups.

L’archet ne suit pas toujours la phrase, mais la façon dont vous arquez fait la phrase.

1. Il y a une école de pensée qui dit que vous devriez utiliser une longue liaison comme marque de phrase et la section va s’arranger. Oui, ils peuvent travailler quelque chose, mais vous obtiendrez le résultat que VOUS voulez si vous prenez le temps d’arquer le passage vous-même. Dans ce cas, c’est le directeur de l’école qui décidera comment arquer. Mais ils ne connaissent pas la musique ni l’intensité que je voudrais donner à chaque note.
2 Voici comment ils le joueraient probablement, en commençant par un archet vers le haut bien sûr. Ils peuvent également slur C à Ab. Chaque mesure utilise la même quantité d’arc, et le son sera cohérent.
3. Comment je pourrais le faire. Cela donnera à la phrase beaucoup plus de vie que l’archet régulier du n°2. Plus il y a de notes, plus l’archet est lent mais plus la pression est appliquée. Moins il y a de notes ou des notes uniques, plus l’archet se déplace rapidement avec moins de pression, ce qui donne une intensité différente et un beau phrasé. Ainsi, alors que la section utilisera un archet entier pour couvrir les six temps du la et du sol, elle utilisera la moitié ou les trois quarts de l’archet uniquement pour le mib. C’est ce qui rend la musique magique, et pourquoi les échantillons ont du mal à remplacer l’émotion d’une vraie section.

N’oubliez pas que même si les notes peuvent être coulées, il y a souvent des endroits où les joueurs devront changer de cordes. Ces notes n’auront pas le son « coulé » car la nouvelle corde ne vibrera pas avant que la note suivante ne commence. Les joueurs peuvent contourner ce problème dans de nombreux cas en jouant la ligne dans une position qui évite le changement de corde, mais si l’intervalle est large, cela peut ne pas être possible. C’est un effet très subtil, et les bons joueurs seront presque capables de le masquer, mais c’est quand même quelque chose à laquelle il faut penser.

En réalité, une bonne section peut changer la direction de l’archet sans que vous le sachiez. C’est très facile sur le violon, mais devient plus difficile sur les grands instruments. Sur le violon, la corde ne se déplace pas beaucoup lorsqu’elle vibre, mais sur la basse, elle se déplace beaucoup, donc arrêter et démarrer la corde lorsque l’archet change est plus perceptible. Un bon chef de section demandera à la section de mélanger les archets pour éviter ce problème, surtout dans les passages calmes.

Parfois, vous ne voudrez pas entendre de changements d’archet, mais seulement une ligne complètement lisse et régulière. Afin d’obtenir cet effet, vous aurez besoin que la section change d’archet à différents moments. Vous pouvez le faire en écrivant deux motifs d’archet qui se chevauchent, une série de liaisons au-dessus et une autre en dessous. Cela masquera les changements et est parfois appelé « archet divisi ». Dans les studios, nous marquons souvent la phrase avec un long coulant et demandons à la section de  » jouer librement « . Ils changent alors d’archet à des moments différents, et non en groupe. Malheureusement, le terme « salut libre » n’est pas universel. Je n’ai pas trouvé de façon commune de décrire cette pratique, donc une clarification est souvent nécessaire pour éviter que la section ne joue la ligne tous ensemble. Si vous écrivez simplement une marque de phrase sans autre indication, les joueurs suivront le principal.

Comme mentionné précédemment, il y a beaucoup de choses qui affectent le nombre de notes qui peuvent (physiquement) ou devraient (musicalement) passer sous chaque archet, et même l’orchestrateur le plus expérimenté ne peut pas toujours y arriver. Heureusement pour nous, nous écrivons pour des humains, pas pour des ordinateurs. Ils peuvent faire preuve de discernement et adapter l’archet en fonction de la situation musicale. Donc, si vous vous plantez, ne vous inquiétez pas, vous donnez quand même à la section des indices précieux sur ce que vous recherchez.

L’observation et l’écoute sont la meilleure façon d’apprendre à arquer.

Articulations utiles

a. Pas d’accentuation, pas d’espace entre les notes.
b. Légère emphase, très petit espace dû à la recharge de l’archet pour l’emphase.
c. Détaché, l’arc s’arrête entre les coups.
d. Attaque lourde avec une chute vers un petit espace car l’arc se recharge pour l’attaque suivante. Vous pouvez ajouter un tenuto pour limiter l’espace, mais l’accent sera moindre.
e. Louré, toutes les notes sous un seul archet. L’archet pulse les notes en ralentissant, en relâchant la pression puis en appliquant et accélérant à nouveau.
f. Comme ci-dessus mais l’archet fait une pause entre les notes.

Si vous voulez un changement d’archet extra doux, marquez-le sostenuto. C’est l’équivalent pour les cordes du legato tongué sur un instrument à vent.

Notation
Comme indiqué, le défaut est de jouer sur la corde, donc aucune notation spéciale n’est nécessaire si c’est ce que vous voulez. Mais nous entrons maintenant dans un territoire où les termes de cordes commencent à signifier une chose pour les joueurs, mais une autre dans la notation. Staccato, lorsqu’il est utilisé dans la partition, fait référence à la longueur de la note et cela ne signifie pas nécessairement de jouer le coup d’archet staccato.

Il faut également faire attention lorsqu’on utilise le mot legato. Alors que généralement, il signifie simplement relier les notes, il est souvent interprété comme signifiant faire des liaisons. En Europe, le legato signifie littéralement « couler ». En réalité, si vous allez avec le défaut et n’avez pas de marquage, vous obtiendrez legato, ce qui signifie connecté mais pas slurred.

Dans mes partitions, si je veux off la corde, je le marque staccato (avec des points ou le mot stacc.). Je préfère utiliser le mot et non les points. C’est plus propre, plus facile à changer si on veut jouer différemment, et cela permet de garder les notes claires pour quand on veut ajouter des accents. Voyez comme le b. a l’air beaucoup moins encombré et comment il pourrait être changé en ‘sur la corde’ en enlevant simplement le mot stacc.

Si les cordes jouent des croches à une dynamique légère, elles joueront spiccato et lorsque la dynamique devient plus élevée ou que plus d’intensité est requise, elles passeront au style ‘off-ish’ que j’ai décrit ci-dessus. Les joueurs adaptent le style d’archet à la dynamique et à l’intensité de la musique, et je n’ai pas besoin de les microgérer.

Si je le veux lourd, je l’étiquette stacc. e marc. Si vous accentuez chaque note, vous n’avez aucun moyen d’obtenir un accent quand vous en voulez vraiment un. C’est l’équivalent notationnel de  » crier au loup « .’

J’utilise rarement le mot  » On  » ou  » Off  » dans une partition ; le défaut ou la notation ci-dessus implique comment il faut jouer. Si j’avais étiqueté staccato et que la section suivante ne l’est pas, j’utilise juste quelques tenutos ou si ce sont des notes répétées, il est sûr d’utiliser legato. Faites confiance à vos musiciens. Si vous leur donnez un point de départ clair, ils écouteront aussi ce qui les entoure et trouveront le meilleur trait pour la situation musicale. Il arrive souvent que vous ayez une combinaison de différents coups. Ce mélange aléatoire, souvent non intentionnel, est ce qui donne de la vie à la musique, quelque chose qui ne peut pas être reproduit avec des échantillons.

Ces indications simples m’ont permis de traverser des centaines de sessions, des cues joyeux les plus légers aux batailles de boss agressives les plus fortes.

Accents
Les accents sont exécutés en ajoutant de la pression, de la vitesse et de la durée au contact de l’archet et de la corde. Dans l’exemple ci-dessous, les notes accentuées seront un peu plus longues que les notes non accentuées.

Cela sonne très naturel et est facile à jouer à des tempos lents et moyens, jusqu’à 130 bpm environ. Mais quand ça devient plus rapide, ou si c’était des doubles croches, l’effort nécessaire pour faire les accents peut rendre difficile de garder les notes non accentuées lisses et métriques. Lorsque j’entends ce problème en studio, je demande aux musiciens de ne penser qu’aux accents. Mais il est toujours bon de penser à l’avance et d’orchestrer autour de ce problème.

On pourrait penser qu’un motif comme celui-ci ne causerait aucun problème, et peut-être que pour certains ce n’est pas le cas, mais étant batteur, je veux que tout soit aussi régulier et métrique que possible, et quand j’entends les violons jouer cela, le temps va légèrement pousser et tirer autour des accents. Il existe plusieurs solutions à ce problème. Dans ce cas, comme les notes accentuées sont d’une hauteur différente, elles ressortiront de toute façon, donc récemment, lorsque ce problème est apparu lors d’une session, je leur ai simplement demandé d’ignorer les accents. Mais imaginons que tout soit de la même hauteur, ou que le compositeur veuille vraiment de gros accents. Voici ce que vous faites –

J’ai retiré les accents de la première partie et les secondes jouent juste les notes accentuées. Vous ne manquerez pas les secondes sur toutes les notes, et les premières seront en fait capables de jouer plus fortement maintenant car elles n’ont pas à tenir compte des accents. Enfin, le timing sera également parfait. Le produit fini sonnera beaucoup mieux et sera plus facile à jouer. S’il n’y a pas que des cordes dans l’orchestre, on peut aussi ajouter des bois, peut-être un hautbois avec les secondes. Les percussions peuvent également être utiles. En fait, si vous avez des percussions et des cuivres qui frappent les accents, vous n’en avez pas du tout besoin dans les cordes, car le résultat global sonnera accentué.

Étiquetage de la direction et de la position de l’archet
99% du temps, ce n’est pas nécessaire. Les joueurs de cordes jouent à l’archet depuis qu’ils ont quatre ans, et choisir de commencer par un archet vers le haut ou vers le bas est une seconde nature. En général, si une phrase commence sur un temps faible (une reprise, par exemple), il s’agira d’un archet haut. Si elle commence sur un temps fort, ce sera un down, aussi simple que cela. Les notes longues à la dynamique douce commencent sur un up-bow car c’est la façon la plus facile de commencer doucement. La seule fois où il est courant d’étiqueter est lorsque vous voulez une série d’attaques lourdes, dans ce cas vous marquez tous les arcs vers le bas. En réalité, les joueurs sont plutôt doués pour les attaques lourdes dans les deux directions, mais une série d’arcs vers le bas permet de s’assurer qu’il y a un écart entre les notes, car le joueur doit reprendre entre chaque note. Ils vont également jouer à la grenouille. Plus de la moitié des fois où j’ai vu une série de down-bows écrits, elle a été ignorée par les joueurs !

L’archet est tenu au niveau de la grenouille, c’est donc l’endroit le plus facile pour le joueur d’exercer le plus de pression sur la corde. La pointe est le point le plus éloigné de la main, donc par conséquent c’est l’endroit le plus facile pour jouer avec le moins de pression, produisant le son le plus léger. Certains orchestrateurs marquent pour jouer à la pointe ou à la grenouille. Tout comme pour la direction, j’ai constaté que les musiciens ont tendance à choisir la meilleure position sans autre contribution qu’une dynamique. Ils joueront un trémolo tranquille à la pointe, et un coup de fouet à la grenouille, parce que c’est une seconde nature. Mais si vous souhaitez briser ce défaut, alors marquez-le autrement.

Styles
Ordinario (ord.) – Le défaut, utilisez ord. pour annuler l’un des éléments suivants. L’archet est dans une position neutre, le  » sweet spot  » entre la touche et le chevalet. Ce n’est pas une position fixe car elle se déplace en fonction de la longueur de la corde.

Sul Tasto – Sur la touche. L’archet joue sur l’extrémité de la touche, produisant un son plus doux avec une attaque moins tranchante et moins d’harmoniques hautes. Voir ci-dessous pour plus de discussion sur cette technique.
Sul Ponticello (Sul Pont.) – Sur le pont. Son opposé à celui de Sul Tasto. L’archet se rapproche du chevalet produisant un son râpeux et nerveux. Il y a moins de fondamentale et plus d’harmoniques hautes dans le son. Si vous allez extrêmement près du pont, vous pouvez complètement perdre la fondamentale et vous n’obtiendrez que des harmoniques.

Flautando – L’archet se déplace plus rapidement que la normale avec une très légère pression produisant un son pur, semblable à celui d’une flûte.

Col Legno – « Avec le bois ». Il y a deux types de col legno. Tratto est celui où l’on frappe la corde avec la partie en bois de l’archet. Battuto est celui où le bois frappe la corde. La valeur par défaut est battuto. Gardez à l’esprit que le son des échantillons de col legno n’est jamais reproduit dans le monde réel. Les joueurs n’aiment pas frapper leur archet de 10 000 $ sur leur instrument de 200 000 $. Parfois, les joueurs peuvent sortir leur deuxième archet, moins précieux, ou j’ai entendu parler de personnes qui leur demandaient de jouer avec des règles ou des morceaux de chevilles. Peu importe, ils frappent l’instrument « aussi » fort avec n’importe quoi. Dans les partitions où le compositeur veut un col legno fort et irréaliste, nous utilisons généralement les échantillons et n’essayons même pas de le jouer. Si le passage ne comporte que quelques notes isolées, vous pouvez remplacer les snap pizz. En ce qui concerne le Tratto, il ne fait presque pas de bruit, et le bruit qu’il fait n’est pas très aigu. Pour le faire fonctionner, les joueurs laissent généralement un peu de crin d’archet toucher la corde. Cet enregistrement où vous avez cru entendre col legno tratto, peut-être pas !

Ricochet et jeté sont des coups hors de la corde où l’archet joue plusieurs notes dans une direction en rebondissant. Je les ai trouvés peu pratiques pour le travail en studio, à moins que ce ne soit juste un effet. Les rebonds multiples à des tempi moyens et rapides ne sont tout simplement pas assez précis pour ce dont nous avons besoin dans les enregistrements modernes. J’entends parfois un joueur le suggérer comme une façon de jouer une figure rapide et légère et je lui demanderai gentiment de la jouer avec des coups séparés.

La main gauche
À part les notes les plus basses sur la corde la plus basse, et les notes les plus hautes sur la corde la plus haute, toutes les autres notes peuvent être jouées dans plus d’une position. Plus la position est haute sur la corde (dans la limite du raisonnable), plus le timbre sera sombre et moins nerveux. Cela peut être noté : Les passages en Sul G (« sur la corde de sol ») sont très courants au violon, mais dans de nombreux autres cas, c’est le genre de décision qu’un joueur prendra en fonction de la situation musicale. Bien que cela n’ait rien à voir avec l’archet, cela affecte le son car des positions plus élevées signifient des cordes plus courtes.

Sul Tasto – Pas si Fasto
J’ai remarqué depuis le podium que lorsque les violons ont été invités à jouer sul tasto, ils ne semblent souvent pas jouer sur la touche. Ce n’est qu’en faisant des recherches pour cet article que j’ai appris ce qui se passait réellement. Il y a certains facteurs techniques et sonores à prendre en compte lorsque l’on joue par-dessus la touche. J’ai entendu différentes prises de position sur ce qui se passe lorsque les interprètes voient cette indication, mais une chose est sûre : sul tasto n’est pas aussi tranché et séché qu’aucun des livres ne veut le faire croire.

Dans le cas du violon, les cordes sont relativement courtes, donc le  » sweet spot  » où l’archet produit le meilleur son est assez petit. Il se déplace aussi constamment en fonction de la position de la main. Lorsque les doigts raccourcissent la corde, la zone de confort se rapproche du chevalet. En fait, lorsque vous jouez dans la gamme la plus élevée du violon, afin de maintenir le rapport correct et donc la zone de confort, l’archet se trouve au niveau du chevalet. Dans les positions supérieures, si vous jouez vraiment sul tasto, les cordes ne vibrent pas bien. Vous arquez maintenant trop près du milieu de la corde et il est impossible de produire un bon son.

Mais il y a plus. Au chevalet ou en position normale, les cordes sont dans un bel arc qui permet au joueur de jouer n’importe quelle corde sans toucher les autres avec l’archet. Si vous jouez dans une position autre que la première position et que l’archet est proche ou sur la touche, le fait de presser les cordes aplatit cet arc et il devient beaucoup plus difficile (parfois impossible) d’éviter de faire sonner les autres cordes. Sur certains violons, et sur l’alto aussi, il est également possible que l’archet touche le corps de l’instrument en jouant¬† sur les cordes extérieures. En position normale, l’archet tombe directement dans l’échancrure du corps, mais lorsque vous vous déplacez sur la touche, la forme de l’instrument ne joue plus en votre faveur.

Le véritable son du sul tasto au violon est un son vaporeux, presque flou. Dans de nombreux cas, ce que nous demandons vraiment avec le sul tasto est un ton plus doux, moins nerveux. Certains le qualifieraient de sourd, mais le son réel du jeu con sordino et du sul tasto ne sont pas si proches. Il y a plusieurs façons de créer ce son. Les violonistes obtiennent l’effet sul tasto en utilisant une combinaison de pression légère et de vitesse lente de l’archet. Ils peuvent effectivement se rapprocher de la touche en fonction de la hauteur du son, mais pas toujours. Au fur et à mesure que les instruments grossissent, la zone de frappe s’élargit, et le fait de jouer sur la touche ne pose aucun problème. L’alto présente des problèmes similaires à ceux du violon, mais il n’y en a aucun sur le violoncelle ou la basse. D’autres techniques utilisées par les joueurs pour obtenir un son plus doux comprennent le fait de jouer dans une position plus haute sur une corde plus basse et d’utiliser moins de poils sur la corde.

En studio, les joueurs peuvent faire un appel de jugement afin de créer un son plus plein qui se mélange avec les autres instruments et se projette bien pour les microphones, tout en capturant l’essence du sul tasto et en évitant les difficultés techniques.

Parlez aux joueurs, et vous découvrirez une gamme d’opinions sur cette technique. Dans la salle de concert, les violonistes tenteront un sul tasto plus littéral que dans un studio d’enregistrement. Comme le dit l’un d’entre eux : « J’essaierais de jouer un peu au-dessus de la touche, mais pas de manière aussi extrême que ce qu’un chef d’orchestre pourrait vouloir voir ». Le même joueur a également noté que l’instrument de chacun est un peu différent, et que l’approche doit donc être différente aussi. La situation ici semble être similaire à celle des doubles jeux ou des divisi, où ce qui se passe réellement n’a pas tout à fait filtré jusqu’aux auteurs des manuels.

Selon l’environnement musical, les joueurs peuvent jouer sul tasto (ou faire semblant) sans qu’on leur dise. En fait, ils font toujours de petits ajustements, car selon la hauteur, le volume et le contexte, le sweet spot peut se trouver à un endroit différent pour chaque note. N’oubliez pas que plus la note est haute sur la corde, plus ce point sensible sera proche du chevalet.

Au lieu d’appeler cette technique  » sur la touche « , une meilleure définition serait  » vers la touche « . Avec tout cela à l’esprit, vous verrez que sul tasto est un type de couleur ou d’effet, et pas nécessairement juste la technique d’archet sur la touche.

Voici Endre Granat discutant et démontrant le ‘sweet spot’, Sul Tasto et Sul Ponticello et Con Sordino.