Chère lectrice, cher lecteur, j’ai écrit de nombreuses fois, que la narration est l’un des facteurs les plus importants en photographie. Une photo sans histoire n’est qu’une photo superficielle. Sans histoire, la photographie n’a pas de profondeur.

Sûr, il y a des photos qui sont belles à regarder. Les levers de soleil au-dessus de l’océan peuvent faire chaud au cœur et avoir fière allure sur le mur. Mais est-ce qu’elles vous parlent ? Racontent-elles une histoire autre que celles de la beauté ?

Je veux dire, bien sûr ce sont de belles images sans aucun doute, mais elles sont toutes une sorte de blob pour moi. Je ne pourrais même pas distinguer la plupart d’entre elles. Elles ne me collent pas à la peau et je ne serais pas capable de m’en souvenir ou d’y revenir, juste pour trouver un autre détail.

La photographie documentaire, d’autre part, est bien plus que ce que vous voyez sur la photo. La photo n’est que le catalyseur pour déclencher une réaction en chaîne qui vous permet de créer une histoire dans votre esprit.

Ces histoires sont ce qui les rend mémorables et iconiques.

Les histoires marquantes et émotionnelles des personnes, des familles et des sociétés resteront intéressantes pour les générations futures.

Créer des histoires

Un film moyen compte 24 images par seconde. Avec une durée d’environ 90 minutes, cela signifie que le réalisateur 129.600 images pour raconter ses histoires.

129.600 images pour créer une histoire du début à la fin. De la présentation des personnages à la confrontation avec un défi et enfin à la résolution du problème.

Combien de temps vous faudrait-il pour photographier 129.600 photos de rue ? Un mois, un an ou une décennie?

Un film a le luxe d’avoir beaucoup de place pour transmettre une tragédie ou faire rire le public. La narration en photographie n’a de place que pour une seule image.

En une seule image, le photographe doit créer la même tension, que Hollywood a 129,600 essais et opportunités. Je suppose que vous comprenez maintenant à quel point il peut être difficile de raconter une histoire en photographie.

En tant que médium statique, la photographie est figée dans un moment. Vous ne savez pas ce qui s’est passé avant ou après. Cela laisse la place au spectateur pour inventer lui-même une histoire.

Un réalisateur de film raconte une histoire en 90 minutes.

Le photographe montre une image et veut lier le spectateur. Il ne raconte pas l’histoire. Il crée suffisamment d’espace et d’inspiration pour que le spectateur soit lui-même impliqué.

Evidemment, il y a beaucoup de différences par rapport aux médias qui ont beaucoup plus de temps pour faire évoluer leur histoire.

La narration en photographie devrait commencer par un personnage ou un détail intéressant qui attire instantanément l’attention du spectateur. Ensuite, le focus be devrait conduire à un « twist » qui crée une tension se terminant par un grand final.

En réalité, une photographie est beaucoup plus abstraite qu’une simple histoire linéaire qui est présente dans une image. Une grande partie se passe dans notre esprit et les esprits des spectateurs sont différents.

C’est pourquoi tous les spectateurs ne voient pas la même histoire ou n’en voient pas du tout. Selon les expériences passées, les souvenirs et la personnalité, l’histoire varie.

Le dicton courant selon lequel une photographie en dit plus sur le photographe que sur ses sujets peut être vrai. En me référant à l’histoire que raconte une photographie, j’irais plus loin et je dirais que l’histoire en dit plus sur le spectateur que sur le photographe.

Le début

Où commence l’histoire dans une image ?

Dans les films ou les livres, il est très clair que l’histoire commence dès la page/minute 1 avec l’introduction. Nous faisons connaissance avec les personnages et le spectateur/lecteur est conduit à travers l’histoire.

Une photographie n’a pas un ordre aussi clair. Tout ce que nous voyons est un plan bidimensionnel où tout semble également important et n’a pas de début ni de fin clairs.

Les photographies qui n’ont pas une composition claire semblent être chaotiques et difficiles à suivre.

Bien que les photographies n’aient pas de chronologie, la composition devrait soutenir une direction qui semble raisonnable pour le spectateur.

Une idée fausse commune que j’observe chez les photographes de rue qui ont récemment commencé à explorer ce genre est qu’ils essaient de tout emballer dans une image. Ils ressentent la pression d’inclure chaque détail ou point intéressant dans un cadre, car sinon, cela pourrait être trop ennuyeux. Cela conduit à des images qui n’ont pas une écriture claire et qui sont juste confuses.

Le storytelling en photographie devrait venir avec un détail qui se démarque de tout le reste. Aider le spectateur à comprendre où une histoire potentielle pourrait commencer.

Gestes

Il y a certains détails dont on parle souvent en photographie de rue et comment nous devrions être à leur recherche. La raison pour laquelle les photographies avec de tels détails sont plus intéressantes est qu’elles racontent plus facilement une histoire.

Ils sont universellement compris et il est facile d’inventer une histoire intéressante pour le spectateur.

Les gestes sont l’un de ces détails qui fonctionnent souvent bien en Street Photography.

En tant que forme d’interaction humaine, ils racontent naturellement une histoire et montrent souvent les émotions très directement.

Comme on le voit dans cette image de Nancy Borrowick de sa série « The Family Imprint », les gestes interviennent plus facilement lorsqu’il y a des personnes qui interagissent directement.

Montrer le portrait d’une seule personne ne transmet généralement pas une histoire aussi forte. Même en ayant des personnages forts devant l’objectif, il devient très difficile d’afficher une histoire complète.

En photographie de rue, rechercher des personnes qui communiquent déjà et affichent une sorte d’action rend beaucoup plus facile de trouver une histoire dans l’image. En d’autres termes, l’histoire est déjà naturellement là, en tant que photographe, vous n’avez pas à faire grand-chose d’autre que de la capturer.

Une seule personne

Lorsqu’on ne met en scène qu’une seule personne, il faut qu’il y ait un contexte qui aide à former une histoire.

Par exemple dans le cliché ci-dessus, la personne fonctionne plutôt bien dans cette photo de nuit et au flash. D’où vient-il, quel est son métier ? Il semble presque être le parrain du Ku’Damm de Berlin et les lumières derrière lui soutiennent une telle histoire.

En général, quand je photographie des personnes seules, c’est pour l’esthétique ou l’atmosphère, rarement pour l’histoire.

Histoires ouvertes

Les photographies peuvent soit afficher l’histoire complète, soit laisser des indices à interpréter par le spectateur.

La distinction se fait dans les histoires « ouvertes » ou « fermées ».

Les histoires ouvertes n’illustrent pas toute l’histoire.

J’ai mentionné précédemment que la composition a un grand impact sur l’histoire. Les triangles sont souvent utilisés pour créer des arcs de récit intéressants. La clé dans les histoires ouvertes est, par exemple, que seules deux des pierres angulaires de l’histoire sont visibles tandis que la troisième est laissée de côté.

Cela laisse une marge d’interprétation pour que le spectateur puisse raconter l’histoire comme il le préfère.

Les histoires ouvertes sont plus engageantes pour le spectateur car elles lui donnent la possibilité d’avoir une influence plus directe. En contrepartie, ils sont aussi plus exigeants.

En contrepartie, ils sont aussi plus exigeants.

Souvent, lorsqu’il n’y a pas l’histoire directement visible, il faut un certain temps au spectateur pour arriver lui-même à une interprétation de l’image. Selon l’imagination et l’inspiration, tout le monde n’aura pas « accès » à l’image. Certains observeront la photo avec des points d’interrogation, tandis que d’autres s’impliqueront vraiment et seront capables de trouver une grande interprétation.

Donc, la critique peut être très mitigée et polarisante. Une moitié appréciera vos efforts et « comprendra » vos allusions et les directions dans lesquelles vous vous dirigez, tandis que d’autres pourraient être confus et ne sont pas capables de créer une histoire.

Les commentaires négatifs ou les critiques sévères, dans ce cas, ne devraient pas vous rendre insécure. Si vous vous sentez positif envers votre propre image, cela devrait être votre principale préoccupation.

L’image ci-dessus est un petit exemple d’une histoire « ouverte ». Nous voyons seulement la femme avec un regard très féroce mais nous n’avons aucune information sur ce dont elle est témoin.

Histoires fermées

Au contraire, il y a des histoires qui sont très évidentes et qui sont principalement racontées par le photographe, respectivement les sujets.

Tous les détails pertinents qui sont importants sont visibles dans la photo, ce qui devrait permettre au spectateur de suivre facilement l’intrigue.

Dans ce cas, le cadre est assez clair. Même sans autre information de fond, c’est une situation très festive. Avec les lumières à l’arrière, il y a de fortes allusions à la veille du Nouvel An, ce qui est correct dans cette image.

Bien que cette image particulière ne laisse pas beaucoup de place à l’interprétation, même les histoires fermées ont une certaine variance.

Il n’y a pas une vérité unique en photographie.

Des larmes pourraient être soit de la joie ou du chagrin, une étreinte à la gare pourrait être un accueil chaleureux ou un triste au revoir.

En photographie de rue, je sens que ce n’est pas notre obligation, de dire la vérité. Nous sommes des conteurs d’histoires qui utilisent la rue comme scène. Ce que nous racontons est candide et non posé, mais pas toujours directement ce qui se passait dans la réalité.

Il y a toujours une certaine marge de manœuvre pour raconter l’histoire et comme il n’y a pas de narrateur neutre, les histoires fermées peuvent être interprétées différemment aussi.

Pas tout le monde doit comprendre l’histoire

La narration en photographie est un sujet très complexe.

Les personnes qui ne sont pas intéressées par la photographie ou qui n’ont plus d’imagination, nient que les photos puissent raconter une histoire. Ils prétendent, que c’est totalement inventé et que l’image pourrait montrer tout et n’importe quoi sans une véritable narration.

Je comprends que toutes les photos ne parlent pas à tout le monde. Il en va de même pour les travaux de qualité acclamés. Tout le monde ne voit pas les histoires quotidiennes de Chicago dans les images de Vivian Maier.

Ce qui est tout à fait bien, des goûts différents pour des personnes différentes.

En conclusion, cela ne signifie pas qu’une bonne photo parlera à tout le monde.

Pour moi, il est plus intéressant de créer des images controversées qui invoquent une forte émotion chez certains, que de s’adresser à un public plus large.

C’est pourquoi je comprends si vous trouvez que l’interprétation suivante des photos de Bruce Gilden est une connerie.

Mais c’est un photographe passionné et c’est sa version de l’histoire.

Conclusion sur la narration en photographie

La photographie est une histoire et des émotions.

La narration en photographie peut être très complexe et difficile à réaliser. Recherchez les gestes, les interactions ou en général les actions.

Ne photographiez pas simplement les gens, photographiez les histoires qui se produisent déjà devant votre appareil photo.

Donnez au spectateur quelques pierres angulaires qu’il peut travailler à travers votre image.

Guidez-le avec votre composition.

Démarrez l’histoire avec le détail principal quelque chose de simple qui est la première chose qu’un spectateur remarque dans votre image. Employez d’autres détails plus subtilement qui peuvent être intégrés dans l’histoire.

Ne vous abstenez pas de créer des histoires « bizarres » que seules quelques personnes comprennent.

Votre pire crainte pourrait être que personne ne comprenne vos images.

Votre deuxième pire crainte devrait être que tout le monde le fasse.

Les images controversées sont plus intéressantes et plus précieuses que la création d’un ennui populaire pour divertir un public plus large.

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