• Ornette Coleman

Recunoscut ca fiind unul dintre fondatorii free jazz-ului, Coleman poseda o voce unică de improvizație.

Sosirea cvartetului său la New York, cu o rezidență mult discutată la Five Spot, a fost extrem de controversată, iar sunetul formației nu se asemăna cu niciunul dintre cei care veniseră înainte.

Cvartetul ar fi cântat una dintre temele memorabile ale lui Ornette ca „head in” la început și „head out” la sfârșit, așa cum ar fi făcut o formație de jazz standard. Cu toate acestea, solo-urile improvizate între aceste melodii renunțau la schimbările de acorduri și la formă, într-o tehnică cunoscută sub numele de „time, no changes”.

În ciuda naturii radicale a acestui mod de a cânta, muzica este swingantă, bluesy și foarte bine informată de istoria jazzului.

Coleman va experimenta mai târziu cu alte instrumente, cântând la trompetă și vioară pe lângă saxofon. El s-a referit la abordarea și filozofia sa ca fiind „harmolodică”, deși semnificația practică exactă a acestui lucru este oarecum misterioasă.

Recomandat albumul Ornette Coleman: The Shape of Jazz to Come

Lansat în 1959, acesta este cel mai faimos album al lui Coleman și, în melodii precum ‘Peace’ și ‘Lonely Woman’, conține unele dintre cele mai durabile compoziții ale sale.

Reacția la cvartetul Coleman a fost mixtă, unii critici salutând o nouă direcție revoluționară în jazz, în timp ce detractorii de profil înalt au fost Miles Davis și Charles Mingus.

Ornette a fost autodidact și nu poate fi considerat un virtuoz școlit în sensul tradițional, dar sunetul său de alto ca un strigăt este profund expresiv, iar melodiile pe care le-a compus sunt incontestabil de puternice.

The Shape of Jazz To Come prezintă cvartetul său clasic de început cu Billy Higgins (care mai târziu va fi înlocuit de Ed Blackwell) la tobe, Charlie Haden la contrabas și Don Cherry, probabil cel mai important colaborator al lui Ornette, la cornet.

Albumul Free Jazz al lui Coleman din 1961 a dat numele mișcării.

• Eric Dolphy

Un multi-instrumentist, Dolphy este cel mai bine cunoscut ca saxofonist alto și pentru că a fost unul dintre primii muzicieni care a cântat la clarinet bas într-un cadru de jazz.

A cântat, de asemenea, la flaut și, mai rar, la clarinet & piccolo.

Inițial înrădăcinat în bebop – există o înregistrare privată cu el exersând cu marele trompetist Clifford Brown – a devenit interesat de avangardă, interpretarea sa fiind caracterizată de un ton oarecum sălbatic și de intervale largi care ar fi putut fi influențate de muzica clasică contemporană.

Din păcate, a murit la doar 36 de ani, în timp ce se afla în turneu în Germania, după ce a intrat în comă ca urmare a unui diabet nediagnosticat.

Ca sideman a cântat pe albume importante ale lui John Coltrane, Charles Mingus și Oliver Nelson.

Recomandat albumul Eric Dolphy: Out To Lunch

Toți muzicienii de pe acest album din 1964 aveau un pedigree serios de jazz – în special trompetistul Freddie Hubbard, care este poate considerat mai degrabă un jucător de hard bop – dar acesta este unul dintre cele mai avangardiste înregistrări din catalogul Blue Note al anilor 1960.

Combinația dintre clarinetul bas al lui Dolphy și vibrafonul lui Bobby Hutcherson este un sunet deosebit de distinctiv.

Tamburistul Tony Williams (inclus în această listă a celor mai buni toboșari din istoria jazz-ului) tocmai împlinise 18 ani și își începuse de curând stagiul cu Second Great Miles Davis Quintet.

• John Coltrane

Un muzician care nu are nevoie de prea multe prezentări, sunetul distinctiv al saxofonului tenor al lui Coltrane a fost auzit într-o serie de contexte stilistice de-a lungul anilor ’50 și ’60, atât ca lider de trupă, cât și ca sideman.

Hard bop-ul hard bop al First Great Miles Davis Quintet și al propriului său Blue Train a fost urmat de noua abordare modală din Milestones și Kind of Blue și apoi de armonia complexă, în mișcare rapidă a unor compoziții precum Giant Steps și Countdown.

Cartetul său clasic, care a produs A Love Supreme, a cântat jazz modal intens cu o dimensiune din ce în ce mai spirituală, ceea ce a sugerat direcția mai liberă pe care muzica lui Coltrane o va lua în ultimii doi ani din viața sa.

Din 1965 până la moartea sa din cauza unui cancer la ficat în 1967, muzica sa a fost adesea în întregime improvizată, renunțând la secvențe de acorduri și la tempo-uri organizate.

Ultimele sale înregistrări îl văd colaborând cu muzicieni, inclusiv cu pianista și harpista Alice Coltrane (cu care s-a căsătorit în 1965), saxofoniștii Archie Shepp și Pharoah Sanders, și cu toboșarul Rashied Ali, cu care a înregistrat albumul în duo Interstellar Space.

Recomandat albumul John Coltrane: Ascension

Considerat un moment de cotitură în cariera lui Coltrane, acesta a marcat trecerea sa spre free jazz și îndepărtarea de formatul clasic de cvartet cu McCoy Tyner, Jimmy Garrison și Elvin Jones.

Banda de 11 piese alternează între pasaje mai structurate ale ansamblului și secțiuni solo care sunt în esență libere, soliștii primind informații armonice scheletice, plus instrucțiunea de a termina cu un crescendo.

Opera lui Coltrane a continuat să se bazeze pe disonanța zgomotoasă auzită aici, iar ultimele sale câteva albume continuă să divizeze opiniile fanilor și criticilor.

• Alice Coltrane

Născută Alice McLeod în Detroit, Michigan, a lucrat ca pianistă de jazz în diverse contexte straight-ahead și swing, inclusiv cu Lucky Thompson, Kenny Clarke și cu cvartetul vibrafonistului Terry Gibbs.

După ce l-a întâlnit pe John Coltrane, viețile și muzica celor doi au devenit mai deschis spirituale, iar ea l-a înlocuit pe McCoy Tyner ca pianistă în trupa lui John în 1966, pe măsură ce muzica acestuia îmbrățișa forme mai libere.

După moartea soțului ei, ea a început să înregistreze ca lider.

Acum auzită atât la harpă, cât și la pian & orgă, și acompaniată de aranjamente luxuriante de coarde și ansambluri mari, aceste sunete cosmice s-au dovedit extrem de influente.

Recomandat albumul Alice Coltrane: Universal Consciousness

Această înregistrare din 1971 este cel de-al cincilea album solo al lui Alice Coltrane, liderul trupei cântând la harpă, orgă și contribuind cu aranjamente de coarde.

Muzica mistică și foarte spirituală combină elemente de jazz modal, improvizație liberă și compoziție mai structurată. Un eseu despre „100 Records That Set The World On Fire” din The Wire afirmă că Universal Consciousness „se conectează în mod clar la alte tradiții dispeptice de jazz – trio-ul de orgă, soliștii cu corzi – dar le volează în spațiul cosmic, în Egiptul antic, în Gange, în lumea de dincolo.”

• Cecil Taylor

Un alt pionier important al free jazzului american, Cecil Taylor s-a remarcat prin modul său radical și percutant de a cânta la pian și, la fel ca Ornette Coleman, cânta forme de jazz extrem de experimentale încă de la sfârșitul anilor 1950 la New York.

De formație clasică, el a manifestat influența compozitorilor europeni moderni, inclusiv Bela Bartók și Karlheinz Stockhausen.

Albumul Coltrane Time din 1959 (publicat inițial sub numele lui Taylor ca Stereo Drive) este o ascultare ciudată, cu stilul atonal al pianistului care contrastează extrem de mult cu o trupă care, după ce a fost alcătuită de casa de discuri, include jucători mai conservatori, cum ar fi trompetistul Kenny Dorham, pe un program de standarde.

Mai târziu, pe măsură ce și-a condus propriile formații, a fost recunoscut ca un muzician american extrem de important, cântând în marile săli de concerte și câștigând diverse premii și burse de profil înalt. De asemenea, a scris muzică pentru dans și și-a încorporat propria poezie în interpretările sale muzicale.

Recomandat albumul Cecil Taylor: Unit Structures

Acest album din 1966 a fost debutul lui Taylor pentru Blue Note Records. Unul dintre cele mai intense albume de free jazz timpuriu, este plin de disonanțe atonale, clustere de acorduri grele și poliritmii complexe, interpretate de un septet care include doi contrabasiști: cu siguranță nu este un album ușor de ascultat, dar acum este considerat unul dintre cele mai importante înregistrări ale deceniului.

Un eseu al lui Taylor, Sound Structure of Subculture Becoming Major Breath/Naked Fire Gesture, însoțește albumul.

• Albert Ayler

După ce inițial a cântat R&B, înregistrările de free jazz ale lui Albert Ayler din anii 1960 dau prioritate expresiei pure, brute.

Sunetul saxofonului său tenor este ca nimeni altcineva: claxonant, extraterestru și primitiv. Inițial, a fost îndrumat de John Coltrane, făcând muzică în mod deschis spirituală și apelând la Coltrane pentru ajutor financiar atunci când a fost lipsit de bani, dar înregistrările ulterioare ale saxofonistului mai în vârstă au fost, la rândul lor, puternic influențate de Ayler.

De fapt, Ayler a afirmat că: „Trane a fost tatăl. Pharoah a fost fiul. Eu am fost duhul sfânt.”

În timpul vieții sale a fost uneori acuzat de șarlatanism și s-a bucurat de puțin succes comercial. Cu toate acestea, în cele din urmă s-a dovedit a fi extrem de influent asupra unei multitudini de muzicieni din lumea free jazz și improvizației, precum și asupra diferitelor stiluri de rock experimental și „noise”.

Recomandat albumul Albert Ayler: Spiritual Unity

Acest album din 1964 îl vede pe saxofonistul tenor în compania lui Sunny Murray – un pionier al tobelor de free jazz – și a basistului Gary Peacock, care a cântat, de asemenea, în configurații mai convenționale de trio de jazz cu Bill Evans și Keith Jarrett.

Trioul rareori se ține de un tempo strict și există un grad ridicat de interacțiune de grup în joc. Ayler se tânguie prin saxofonul său, utilizând extremitățile instrumentului și tehnici extinse, inclusiv microtoni.

Albumul conține două interpretări ale melodiei catchy, asemănătoare unui imn, Ghosts, un imn al avangardei anilor ’60. Cu tot radicalismul și haosul lui Ayler, muzica sa conține, de asemenea, melodii cantabile și elemente de muzică bisericească și blues.

• Sun Ra

Muzica extrem de idiosincratică a lui Sun Ra se bazează pe întreaga istorie a jazz-ului – de la ragtime, sunetele din New Orleans, bebop, jazz modal, fusion și free jazz – pentru a crea o lume sonoră cosmică, care a fost pusă în valoare de spectacolele sale live extrem de teatrale.

Născut Herman Poole Blount, a adoptat numele Le Sony’r Ra, care a fost prescurtat mai târziu în Sun Ra.

Considerat un pionier al esteticii afrofuturismului, a pretins că este un extraterestru aflat într-o misiune de pe Saturn. Este cunoscut mai ales pentru că a condus The Arkestra, în cadrul căreia a fost unul dintre primii care a adoptat claviaturi electrice și sintetizatoare.

Sun Ra a murit în 1993, dar trupa, care a avut întotdeauna o distribuție rotativă de jucători, continuă să facă turnee sub conducerea discipolului său de lungă durată, saxofonistul Marshall Allen. Aceștia se remarcă prin faptul că poartă costume elaborate inspirate din Egiptul Antic și din Epoca Spațială.

Recomandăm albumul Sun Ra: Space is the Place

Sun Ra a lăsat în urmă o discografie enormă, deși multe dintre primele sale înregistrări au fost eforturi auto-produse care au fost tipărite doar în loturi mici; multe dintre ele nici măcar nu conțineau numele pieselor sau al muzicienilor prezenți!

Nu trebuie confundat cu albumul coloană sonoră a lungmetrajului cu același nume din 1974, ansamblul mare de pe această înregistrare din 1972 îi include pe Marshall Allen, John Gilmore și Pat Patrick, membri de lungă durată ai Arkestra.

Piesa de titlu hipnotică, asemănătoare unui cântec, este unul dintre cele mai mari succese ale trupei.

• Anthony Braxton

Unul dintre numeroșii muzicieni notabili care au ieșit din Association for the Advancement of Creative Musicians (AACM), grupul de advocacy & educațional cu sediul la Chicago, saxofonistul Anthony Braxton avea să câștige un „Genius Grant” de la Fundația MacArthur (1994) și să fie numit Maestru de jazz al National Endowment for the Arts (2004).

Discografia sa uriașă variază de la compoziție avangardistă, scriere pentru orchestră și operă, până la interpretări de stânga ale standardelor de jazz și ale muzicii lui Charlie Parker și ale Școlii Tristano.

A cântat, de asemenea, în formații conduse de nume mari ale jazz-ului, printre care Chick Corea și Dave Holland, cu care a înregistrat albumul fundamental Conference of the Birds, deși s-a distanțat de cuvântul ‘jazz’.

Recomandat albumul Anthony Braxton: 3 Compositions of New Jazz

Debutul lui Braxton din 1968 îl prezintă alături de alte trei figuri incredibil de importante ale avangardei americane, toate originare tot din Chicago și care au legături cu AACM: violonistul Leroy Jenkins, trompetistul Wadada Leo Smith și Muhal Richard Abrahams, deși toți patru sunt ascultați aici la o serie de instrumente. T

Două dintre cele trei piese experimentale sunt intitulate cu diagrame, lucru pentru care Braxton este cunoscut. Următorul său disc For Alto (1969) este primul album de saxofon solo în întregime.

• Archie Shepp

Saxofonistul tenor Archie Shepp a izbucnit pe scena de jazz avangardist în curs de apariție în New York-ul anilor 1960, cu apariții în trupe de profil înalt conduse de Cecil Taylor și John Coltrane.

Împreună cu colegul tenorist Pharoah Sanders, a fost în fruntea unei mișcări care a preluat influențe din diverse culturi și tradiții africane.

A fost implicat în lupta pentru drepturile civile și, de asemenea, a scris și a interpretat poezie și spoken word.

În timp ce este asociat în principal cu o marcă afrocentrică de free jazz, a cântat, de asemenea, repertoriu extras din R&B, blues și spirituals și a înregistrat albume tribut lui Charlie Parker și Sidney Bechet.

Recomandat albumul Archie Shepp: The Magic of Ju-Ju

Acesta a fost al zecelea album al lui Shepp ca șef de orchestră a fost al optulea pentru Impulse! casa de discuri care a produs multe dintre cele mai importante înregistrări ale avangardei americane din anii 1960.

Piesa epică de deschidere a acestei sesiuni din 1967 îl vede pe tenorul său pasionat mârâind peste tobele africane pulsatorii, într-un ansamblu care include cinci percuționiști.

• Peter Brötzmann

Saxofonistul și clarinetistul german Peter Brötzmann a fost unul dintre primii muzicieni europeni care a îmbrățișat noile sonorități de free jazz de la mijlocul anilor 1960, deoarece pionierii americani ai acestei forme de jazz au constatat că au primit un răspuns mai cald atunci când au fost în turneu în Europa decât în Statele Unite.

Sunetul brutal de tenor al lui Brötzmann este inspirat în primul rând de Albert Ayler și, după ce a apărut pe peste 100 de albume, continuă să facă turnee și să înregistreze. Inițial s-a format ca artist vizual și a proiectat coperțile celor mai multe dintre albumele sale.

Recomandat albumul lui Peter Brötzmann: Nipples

Acest album din 1968 îl prezintă pe Brötzmann într-un sextet puternic de giganți ai avangardei europene, inclusiv toboșarul olandez Han Bennink și englezii Derek Bailey și Evan Parker, la chitară și, respectiv, saxofon tenor.

O recenzie a lui Scott Hreha de la Pitchfork compară muzica cu „sunetul cărnii care este smulsă dintr-un set de oase zvelte.”