Sobre la Danza Moderna (Una brevísima &historia condensada)

La Danza Moderna es un término que describe muchos tipos de técnicas de danza. Es una categoría de estilos de danza, a menudo referida como un género de danza. Muchos de los principales estilos de este género se atribuyen a coreógrafos específicos que fueron pioneros en nuevas y únicas formas de moverse y crearon nuevos vocabularios de movimiento basados en sus filosofías personales; sus puntos de vista sobre cómo funciona la danza como herramienta artística. Los bailarines formados en estudios de danza privados suelen asociar o referirse a la danza moderna con los términos danza lírica o contemporánea. Aunque estos estudios y formas de competición pueden tener algunos movimientos en común con la danza moderna de concierto profesional, la danza lírica se refiere en realidad a una calidad de movimiento. La danza contemporánea suele significar que ha sido creada recientemente, que se interpreta con música contemporánea y que es una fusión de ballet, jazz y estilos modernos.

¿Qué hace entonces que algo sea danza moderna? No hay líneas absolutas trazadas en el mundo de la danza profesional, pero para los propósitos de esta clase, aquí hay definiciones limitadas de las formas de danza moderna que tienen al menos una de las siguientes características:

• Basado en una de las técnicas codificadas de los primeros maestros, como Graham, Humphrey, Limón, Dunham, Horton o Cunningham
• Basado en movimientos creados por el uso de la respiración, la articulación del torso (como alineado, titulado o contraído), el uso del suelo o la improvisación, sin necesidad de posiciones giradas de las piernas o pies puntiagudos
• Una fusión de estilos de danza que utilizan el vocabulario de movimiento del ballet, el jazz, el moderno, el hip-hop, el afro-caribeño, la capoeira y la danza posmoderna en la misma coreografía
• Una fuerte asociación con el suelo en las elecciones de movimiento; un énfasis en el movimiento en el suelo cuando se está de pie y un vocabulario de movimientos realizados mientras se está tumbado o sentado en el suelo.

Más que una definición concisa de lo que es la Danza Moderna, quizá sea más importante para ti lo que puede aportar al enriquecimiento de tu vida. Puede introducirte en una nueva forma de técnica en la que experimentas la alegría del movimiento. Puede aumentar tu apreciación de la música, otras artes y formas de movimiento. Puede aumentar tu respeto y comprensión de la profesión de bailarín. También puede ampliar tu conciencia y apreciación de tu forma de moverte y la de los demás.

Todo artista es un producto de la época en la que crea. Aunque los primeros artistas de la danza moderna solían estar a la vanguardia del cambio, muchos también reflejaban los prejuicios y las circunstancias sociales y políticas de su época. La fuerza motriz de muchos artistas de principios del siglo XX fue su búsqueda de elementos de la danza.

Aunque no es posible dar un reconocimiento adecuado a todos los coreógrafos, productores, educadores y bailarines que han dado forma a la danza moderna, varias personas destacadas pueden ayudar a trazar el desarrollo de la forma de arte tal y como se practica en el estudio y a menudo se representa hoy en día.

• 1900 – 1920: Las matriarcas, Loie Fuller, Isadora Duncan y Ruth St.Denis
• 1920 – 1940: Los pioneros, Ted Shawn, Doris Humphrey, Martha Graham, Mary Wigman, Katherine Dunham
• 1940 – 1960: Segunda generación, los constructores del legado, José Limón, Hanya Holm
• 1940 – 1960: Segunda generación, los iconoclastas, Merce Cunningham, Lester Horton, Alwin Nikolais
• 1960 – 1980: Sintetizadores, Alvin Ailey, Paul Taylor, Twyla Tharp
• 1980 – 2000: Colaboradores, Pilobolus, Bill T. Jones

En el pasado, la ‘Danza Moderna’ representaba los puntos de vista y los conceptos de movimiento de cada uno de varios bailarines o coreógrafos. .. la técnica de Martha Graham, la técnica de Doris Humphrey o la técnica de Lestor Horton. A medida que los horizontes del artista de la danza se han ampliado, también lo han hecho las formas de movimiento, que se parecen más de lo que se diferencian. La danza moderna es una forma de arte más joven que el ballet y el estilo de movimiento se centra en las propias interpretaciones del bailarín en lugar de los movimientos estandarizados y los pasos estructurados del ballet clásico o tradicional. Sin embargo, la danza moderna utiliza mucho del vocabulario y la terminología clásicos. Hoy en día, muchos coreógrafos de «ballet» utilizan los conceptos de movimiento del bailarín moderno y los ejercicios del bailarín de ballet se utilizan ahora en las técnicas «modernas». La danza moderna es conocida por su independencia, invención y actitud no tradicional. Muchos coreógrafos incluyen ahora en sus obras no sólo las técnicas de la danza moderna, sino también los principios del Jazz, el África, el Ballet y otras danzas étnicas.

El desarrollo de la danza moderna como forma de arte se produjo al romper las «reglas» de lo que se «suponía» que debía ser la danza. Durante la década de 1900, los bailarines europeos comenzaron a rebelarse contra las rígidas normas del ballet clásico, las técnicas estructuradas, el vestuario y las zapatillas de ballet. Hacia finales del siglo XIX, individuos dedicados como Loie Fuller, Ruth St. Denis, Isadora Duncan y Ted Shawn actuaban regularmente. A falta de una denominación mejor, la danza «clásica» se fijó en el trabajo de aquellos artistas que modelaban sus obras a partir de modelos griegos o romanos idealizados. Estos nuevos bailarines favorecían un estilo de danza más relajado y libre. Los pioneros de la danza moderna bailaban con los pies descalzos y con trajes que a menudo eran reveladores.

Modernismo frente a realismo

Muchos artistas se apartaron deliberadamente de la representación realista en el arte para llegar a lo que se conoce como modernismo. Este nuevo estilo exploraba la experiencia subjetiva, como los sentimientos y las percepciones propias, en lugar de la vida real observada. La obra tenía un aspecto abstracto en lugar de realista. Por ejemplo, las obras del pintor Pablo Picasso, que contienen partes del cuerpo reconocibles pero no el rostro realista de una mujer, son un ejemplo de este movimiento modernista en el arte. La nueva danza, o danza moderna como se conoció más tarde, estaba interesada en representar la abstracción de la experiencia humana en lugar de un relato realista de una historia. La nueva forma de danza exploraba los sentimientos de la persona sobre el mundo a través de un movimiento abstracto, no recargado y no literal. Al igual que el modernismo en el arte, la danza moderna se manifestó como una rebelión contra las tradiciones artísticas del pasado.

St. Denis y Ted Shawn se unieron profesionalmente y establecieron una escuela en el distrito de Westlake de Los Ángeles que atrajo a estudiantes de todo el país. St. Denis era la musa, el modelo a seguir y a veces el profesor, mientras que Shawn se centraba principalmente en la escuela de detalles. Su compañía, llamada Denishawn, realizaba giras en los circuitos populares de vodevil y era la compañía de danza seria más importante del país.

Para la segunda década del siglo XX el nombre de «Danza Moderna» había comenzado a utilizarse para describir el trabajo de los sucesores de Denishawn, como Martha Graham, Doris Humphrey, Charles Weidman, Hanya Holm, Helen Tamrisis y Lester Horton. La principal característica de la danza moderna es que anima a los bailarines a utilizar sus emociones y estados de ánimo para diseñar sus pasos, combinaciones y bailes en lugar de seguir un código estructurado de técnica como en el ballet. Se estaban formando escuelas de movimiento basadas en el vocabulario de movimiento de cada coreógrafo, que derivaban de su propia concepción de dónde se originaba el impulso del movimiento y cómo debía desarrollarse lógicamente.

Graham, Humphrey y Weidman rechazaron la estética de Denishawn, a la que denominaron «Dioses y Diosas danzantes», y optaron por temas personales o sociales, interpretados con un vestuario más cercano a la vestimenta contemporánea que los exóticos vestidos que llevaban los intérpretes anteriores o los tradicionales tutús del ballet clásico. Los coreógrafos de esta generación desarrollaron estilos de movimiento percusivos y prácticamente desprovistos del gesto dramático de «película muda» que caracterizaba a la generación anterior, así como de las rígidas reglas de la técnica clásica. Otra característica de la danza moderna en oposición al ballet es el uso deliberado de la gravedad. Mientras que en el ballet clásico, el bailarín se esfuerza constantemente por ser ligero y aéreo sobre sus pies en todo momento. El bailarín moderno deseaba un movimiento con peso, ya que consideraba que el suelo sobre el que bailaba era una fuente de fuerza que debía cortejar en lugar de un soporte del que liberarse. Suelen utilizar el peso de su cuerpo para potenciar el movimiento. El bailarín moderno rechaza la postura clásica de un cuerpo erguido, y a menudo opta por caídas y giros deliberados en el suelo.

A partir de 1934, la Escuela de Verano de Danza del Bennington College ofreció a los alumnos la oportunidad de estudiar con los «cuatro grandes»: Graham, Humphrey Weidman y Holm. (Hanya Holm emigró de Alemania y abrió un estudio en Nueva York en 1933 basado en los principios desarrollados por Mary Wigman). Además de la técnica, se impartían clases de composición, técnica escénica e historia de la música. El alumnado se nutría en gran medida de los profesores de los departamentos de educación física (muy pocas escuelas ofrecían una licenciatura en danza) de todo el país.

La aceptación por parte del público se produjo lentamente durante la década de 1930, pero aumentó en la de 1940, cuando esta generación de coreógrafos fue invitada a coreografiar musicales para el teatro popular y a presentar su propia compañía en lugares teatrales más populares.

En la costa oeste, Lester Horton, cuyo interés inicial por la cultura amerindia (un grupo de indios nativos americanos) le llevó a la danza moderna. Creó una compañía y un teatro dedicados enteramente a la presentación de la danza en Los Ángeles. También utilizó su talento coreográfico en diversas películas. Daltónico en su formación de bailarines, Horton tuvo la primera compañía de danza moderna integrada de Estados Unidos. Fomentó el trabajo de Alvin Ailey, Carmen de Lavallade y Janet Collins, entre otros. Ailey, como Pearl Primus y Katherine Dunham antes que él, abordaron temas de igualdad racial, injusticia social y fervor religioso derivados de la experiencia negra. Estilísticamente, encontraron la estructura narrativa del periodo posterior a Denishawn más útil para su trabajo, al igual que coreógrafos posteriores como Talley Beatty, Donald McKayle, George Faison, Garth Fagan y Bill T. Jones.

En la década de 1960, los coreógrafos se desvincularon de todas las convenciones teatrales de sus predecesores y se concentraron principalmente en el movimiento corporal, entrenado o no. Actuaban en interiores, al aire libre, en tejados o en locales callejeros, en casi todos los lugares excepto en los teatros con arcos de proscenio. A menudo se utilizaba la ropa cotidiana como vestuario, así como la desnudez en ocasiones. Este movimiento tuvo su origen a principios de los años 60 con un curso de composición impartido por el pianista, acompañante y compositor Robert Dunn en el estudio Cunningham. Se trataba de una enseñanza sin prejuicios que animaba a los asistentes al curso a comprender la lógica de sus propias elecciones y a explorarlas plenamente.

La danza moderna ha sido y sigue siendo asumida como una forma liberada de expresión dancística seria en cada país que ha estado expuesto a ella. La influencia de la vigorosa vida creativa de las compañías estadounidenses estimuló ampliamente el desarrollo de la danza moderna en todo el mundo en la segunda mitad del siglo XX. Esta influencia ha animado a los coreógrafos a desarrollar el lenguaje del movimiento que habla más directamente a su público. La danza moderna, desde sus inicios, ha fomentado la expresión individual en la elección de los temas y los medios de representación.

Martha Graham, antigua alumna de Ruth St. Dennis, está considerada una de las principales pioneras de la danza moderna estadounidense. Para expresar la pasión, la rabia y el éxtasis de los seres humanos, desarrolló su propio lenguaje de movimiento. Creó una nueva técnica de danza similar al ballet, pero con varias diferencias. Se centró mucho en el movimiento humano básico, concentrándose en los movimientos de contracción y liberación. En lugar de movimientos largos y fluidos, los movimientos de Graham eran bruscos y dentados. Su danza pretendía exponer las emociones humanas básicas a través del movimiento. «El movimiento nunca miente». La visión valiente y audaz de Graham para la danza moderna le valió muchos premios, honores y reconocimiento mundial.

La historia de la danza moderna está ligada a las tendencias sociales, políticas y artísticas de la época en que se creó. La danza moderna, que comenzó como una nueva danza a principios del siglo XX, fue moldeada por el movimiento femenino, las nuevas tendencias en las artes visuales y un creciente amor por el enfoque científico. La generación matriarcal de Isadora Duncan, Lorie Fuller y Ruth St. Denis inspiró la imaginación del mundo de la danza mientras se alejaba de las tradiciones del siglo anterior.

A medida que cada época del siglo XX cambiaba, también lo hacía la danza moderna. Las décadas de 1920 y 1930 fueron las pioneras de esta forma de arte. Luminarias como Martha Graham, Doris Humphrey y Katherine Dunham comenzaron a dar forma y definir lo que sería este nuevo género de danza. Las décadas de 1940 y 1950 vieron a los sucesores de los pioneros, dando lugar a esas nuevas variaciones estilísticas a través del trabajo de gigantes artísticos como José Limón y Merce Cunningham. Desde 1960 hasta la década de 1980, coreógrafos y bailarines sintetizaron y reexaminaron el trabajo de los pioneros, aportando nuevos tipos de vocabulario de movimiento al lenguaje de la danza moderna. Iconos como Alvin Ailey y Twyla Tharp son emblemáticos de esta época. La última parte del siglo XX puso de manifiesto el valor de la colaboración a través del trabajo de creadores verdaderamente inventivos, como Bill T. Jones y Pilobolus.

Se pueden observar las similitudes y diferencias entre la danza moderna tradicional y la danza posmoderna:

SIMILARIDADES:

• Ambos presentaron danzas que mostraban un movimiento innovador.
• Ambos utilizaron temas sociales, políticos y globales.
• Ambos utilizaron los elementos del espacio, el tiempo y la energía de una forma diferente a la del ballet.

DIFERENCIAS:

• Algunas danzas posmodernas no tenían argumento y carecían de narrativa; muchas danzas modernas tradicionales tenían fuertes líneas narrativas.
• Las danzas modernas tradicionales empleaban bailarines entrenados; algunos coreógrafos posmodernos utilizaban bailarines no entrenados.
• Las danzas modernas tradicionales utilizaban a menudo trajes; las danzas posmodernas se presentaban a menudo con ropa de calle.
• Las danzas modernas tradicionales se presentaban a menudo en teatros; las danzas posmodernas se presentaban en diferentes lugares.

Las contribuciones que el artista posmoderno hizo al mundo de la danza han tenido un profundo efecto en la forma en que la gente coreografía y ve la danza.

Los bailarines modernos de hoy en día utilizan la danza para expresar sus emociones más internas, a menudo para acercarse a su yo interior. Antes de intentar coreografiar una combinación o una danza, el bailarín de danza moderna decide qué emociones quiere transmitir al público. Muchos bailarines de danza moderna eligen un tema cercano a sus corazones, como un amor perdido o un fracaso personal. El bailarín hará que se componga música o utilizará música ya compuesta que refleje o se relacione con la historia que desea contar, o puede optar por no utilizar ninguna música. Además, eligen un vestuario que refleje aún más las emociones elegidas.

La danza moderna sigue siendo una forma de arte relevante y vibrante en el siglo XXI. Las características que la unen son su respuesta a los tiempos en los que se crea, su resistencia a las tradiciones del pasado y su constante reevaluación de su relevancia y significado. Las tradiciones y técnicas de la danza moderna siguen evolucionando a medida que nuevos artistas con talento cambian las reglas.

Este cambio es algo saludable. Una forma de arte sólo puede crecer cuando entran en ella nuevas ideas y modos de expresión.

La danza moderna ha tratado y tratará siempre del mundo en que vivimos,

reflejando todo lo que el mundo abarca en forma de movimiento.