• Ornette Coleman

Ornette Coleman anses vara en av grundarna av frijazzen och hade en unik improvisationsröst.

Hans kvartetts ankomst till New York, med ett mycket omdiskuterat residens på Five Spot, var enormt kontroversiell, och bandets sound var olikt något som hade kommit före det.

Kvartetten skulle spela ett av Ornette’s minnesvärda teman som ”huvudet in” i början och ”huvudet ut” i slutet, precis som ett vanligt jazzband skulle göra. Men de improviserade solona mellan dessa melodier avstod från ackordsbyten och form, i en teknik som kallas ”time, no changes”.

Trots det radikala i detta sätt att spela är musiken svängig, bluesig och mycket informerad av jazzens historia.

Coleman skulle senare experimentera med andra instrument, och spelade trumpet och fiol utöver saxofonen. Han hänvisade till sitt tillvägagångssätt och sin filosofi som ”harmolodics”, även om den exakta praktiska innebörden av detta är något mystisk.

Rekommenderat album med Ornette Coleman: The Shape of Jazz to Come

Detta album släpptes 1959 och är Colemans mest kända album och innehåller i låtar som ”Peace” och ”Lonely Woman” några av hans mest bestående kompositioner.

Reaktionen på Coleman-kvartetten var blandad, vissa kritiker hyllade en revolutionerande ny inriktning inom jazzen, medan de mest kända kritikerna var Miles Davis och Charles Mingus.

Ornette var självlärd och kan inte betraktas som en skolad virtuos i traditionell bemärkelse, men hans gråtliknande altton är djupt uttrycksfullt och de melodier han komponerade är onekligen starka.

The Shape of Jazz To Come innehåller hans klassiska tidiga kvartett med Billy Higgins (som senare skulle ersättas av Ed Blackwell) på trummor, Charlie Haden på kontrabas och Don Cherry, som utan tvekan är Ornettes viktigaste medarbetare, på kornett.

Colemans album Free Jazz från 1961 gav rörelsen dess namn.

• Eric Dolphy

En multiinstrumentalist, Dolphy är mest känd som altsaxofonist och för att han var en av de första musikerna som spelade basklarinett i jazzsammanhang.

Han spelade också flöjt och, mer sällan, klarinett & piccolo.

Initialt var han förankrad i bebop – det finns en privat inspelning där han övar med den store trumpetaren Clifford Brown – men han började intressera sig för avantgardet, och hans spel kännetecknades av en något vild ton och breda intervaller som kan ha påverkats av samtida klassisk musik.

Syndigt nog dog han bara 36 år gammal under en turné i Tyskland, efter att ha fallit i koma till följd av odiagnostiserad diabetes.

Som sideman spelade han med på viktiga album av John Coltrane, Charles Mingus och Oliver Nelson.

Ett rekommenderat Eric Dolphy-album: Out To Lunch

Alla musiker på detta album från 1964 hade en seriös jazzstamning – särskilt trumpetaren Freddie Hubbard, som man kanske tänker mer på som en hard bop-spelare – men detta är en av de mest framåttänkande skivorna i 1960-talets Blue Note-katalog.

Kombinationen av Dolphys basklarinett med Bobby Hutcherson’s vibrafon är ett särskilt distinkt ljud.

Trummaren Tony Williams (som finns med på den här listan över de bästa trummisarna i jazzhistorien) hade precis fyllt 18 år och hade nyligen påbörjat sin tid i den andra stora Miles Davis Quintet.

• John Coltrane

En musiker som inte behöver någon introduktion, Coltranes distinkta tenorsaxofonljud hördes i en rad olika stilistiska sammanhang under 1950- och 60-talen, både som bandledare och som sideman.

Hård bop i First Great Miles Davis Quintet och hans eget Blue Train följdes av det nya modala förhållningssättet i Milestones och Kind of Blue och sedan den komplexa, snabbt rörliga harmonin i kompositioner som Giant Steps och Countdown.

Hans klassiska kvartett, som gav upphov till A Love Supreme, spelade intensiv modaljazz med en alltmer spirituell dimension, vilket antyder den friare inriktning som Coltranes musik skulle ta under de sista två åren av hans liv.

Från 1965 fram till sin död i levercancer 1967 var hans musik ofta helt improviserad, utan ackordsekvenser och organiserade tempon.

I sina sista inspelningar samarbetar han med musiker som pianisten och harpisten Alice Coltrane (som han gifte sig med 1965), saxofonisterna Archie Shepp och Pharoah Sanders samt trummisen Rashied Ali, med vilken han spelade in duoplattan Interstellar Space.

Ett rekommenderat John Coltrane-album: Ascension

Som anses vara en vattendelare i Coltranes karriär, signalerade detta hans övergång till frijazz och bort från det klassiska kvartettformatet med McCoy Tyner, Jimmy Garrison och Elvin Jones.

Det elvahövdade bandet växlar mellan mer strukturerade ensemblepassager och solosektioner som i huvudsak är fria, där solisterna får skelettmässig harmonisk information, plus instruktionen att avsluta med ett crescendo.

Coltranes arbete fortsatte att bygga vidare på den dånande dissonans som hörs här, och hans sista album fortsätter att dela åsikter bland fans och kritiker.

• Alice Coltrane

Förd som Alice McLeod i Detroit, Michigan, arbetade hon som jazzpianist i olika raka och svängiga sammanhang, bland annat med Lucky Thompson, Kenny Clarke och vibrafonisten Terry Gibbs kvartett.

När hon träffade John Coltrane blev parets liv och musik mer öppet spirituella, och hon ersatte McCoy Tyner som pianist i Johns band 1966 när hans musik tog sig an friare former.

Efter makens död började hon spela in skivor som ledare.

Nu hörs dessa kosmiska klanger på harpa såväl som på piano &orgel och ackompanjeras av frodiga stråkarrangemang och stora ensembler, och de har visat sig vara mycket inflytelserika.

Ett rekommenderat Alice Coltrane-album: Universal Consciousness

Denna inspelning från 1971 är Alice Coltranes femte soloalbum, där bandledaren spelar harpa, orgel och bidrar med stråkarrangemang.

Den mystiska och mycket spirituella musiken kombinerar element av modal jazz, fri improvisation och mer strukturerad komposition. I en essä om ”100 skivor som satte världen i brand” i The Wire står det att Universal Consciousness ”har tydliga kopplingar till andra dyspeptiska jazztraditioner – orgeltrion, solister med strängar – men skjuter dem ändå ut i yttre rymden, det gamla Egypten, Ganges, det stora bortom.”

• Cecil Taylor

En annan viktig pionjär inom den amerikanska frijazzen, Cecil Taylor, var känd för sitt radikala, slagkraftiga pianospel och spelade, liksom Ornette Coleman, mycket experimentella former av jazz så tidigt som i slutet av 1950-talet i New York.

Klassiskt utbildad visade han upp inflytande från moderna europeiska kompositörer som Bela Bartók och Karlheinz Stockhausen.

År 1959 års skiva Coltrane Time (ursprungligen utgiven under Taylors namn som Stereo Drive) är en märklig lyssning, där pianistens atonala stil kontrasterar extremt mycket mot ett band som, efter att ha satts ihop av skivbolaget, har mer konservativa spelare som trumpetaren Kenny Dorham i ett program med standards.

Senare, när han ledde sina egna band, erkändes han som en mycket viktig amerikansk musiker, som uppträdde i stora konsertsalar och vann olika högprofilerade priser och stipendier. Han skrev också musik för dans och införlivade sin egen poesi i sina musikaliska framträdanden.

Recommended Cecil Taylor album: Unit Structures

Detta album från 1966 var Taylors debut för Blue Note Records. Det är ett av de mest intensiva tidiga frijazzalbumen, med stora atonala dissonanser, tunga ackordkluster och komplexa polyrytmer, som spelas av en septett med två kontrabasister: det är verkligen ingen lätt lyssning, men anses nu vara en av de viktigaste skivorna under detta årtionde.

En essä av Taylor, Sound Structure of Subculture Becoming Major Breath/Naked Fire Gesture, åtföljer skivan.

• Albert Ayler

Efter att till en början ha spelat R&B prioriterar Albert Aylers frijazzinspelningar från 1960-talet det rena, råa uttrycket.

Hans tenorsaxofonljud liknar ingen annans: tutande, utomvärldsligt och ursprungligt. Han fick till att börja med John Coltrane som mentor, han gjorde öppet andlig musik och vände sig till Coltrane för att få ekonomisk hjälp när han var utblottad, men den äldre saxofonistens senare inspelningar var i sin tur starkt influerade av Ayler.

Ayler hävdade faktiskt att ”Trane var fadern”. Pharoah var sonen. Jag var den heliga anden.”

Han anklagades ibland för charlatanism under sin livstid och han hade liten kommersiell framgång. I slutändan har han dock visat sig ha ett stort inflytande på en mängd musiker inom frijazzen och improvisationsvärlden samt på olika experimentella rock- och ”noise”-stilar.

Rekommenderat album med Albert Ayler: Spiritual Unity

På detta album från 1964 spelar tenorsaxofonisten i sällskap med Sunny Murray – en pionjär inom frijazzens trummor – och basisten Gary Peacock, som också spelade i mer konventionella jazztrios med Bill Evans och Keith Jarrett.

Trion håller sig sällan till ett strikt tempo och det finns en hög grad av interaktion i gruppen. Ayler väller genom sin saxofon och utnyttjar instrumentets ytterligheter och utökade tekniker, inklusive mikrotoner.

Plattan innehåller två tolkningar av den iögonfallande, hymniska Ghosts, en hymn från 60-talets avantgarde. Trots all Aylers radikalism och kaos innehåller hans musik också sjungbara melodier och inslag av kyrkomusik och blues.

• Sun Ra

Sun Ras mycket idiosynkratiska musik bygger på hela jazzens historia – från ragtime, ljudet från New Orleans, bebop, modaljazz, fusion och frijazz – för att skapa en kosmisk ljudvärld som förstärktes av hans mycket teatraliska liveframträdanden.

Förd som Herman Poole Blount antog han namnet Le Sony’r Ra, som senare förkortades till Sun Ra.

Sedd som en pionjär inom afrofuturistisk estetik hävdade han att han var en utomjording på ett uppdrag från Saturnus. Han är mest känd för att ha lett The Arkestra, där han tidigt använde sig av elektriska keyboards och syntar.

Sun Ra dog 1993, men bandet, som alltid har haft en roterande skara spelare, fortsätter att turnera under ledning av hans mångåriga lärjunge, saxofonisten Marshall Allen. De är kända för att bära genomarbetade kostymer inspirerade av det gamla Egypten och rymdåldern.

Rekommenderat Sun Ra-album: Space is the Place

Sun Ra lämnade efter sig en enorm diskografi, även om många av hans tidigare inspelningar var egenproducerade försök som endast trycktes i små serier; många hade inte ens en lista över spårnamn eller medverkande musiker!

Den stora ensemblen på denna inspelning från 1972, som inte får förväxlas med soundtrackalbumet till 1974 års spelfilm med samma namn, inkluderar de långvariga Arkestra-medlemmarna Marshall Allen, John Gilmore och Pat Patrick.

Den hypnotiska, sångliknande titellåten är en av bandets största hits.

• Anthony Braxton

En av många anmärkningsvärda musiker som kom från Association for the Advancement of Creative Musicians (AACM), den Chicagobaserade utbildningsgruppen för främjande av kreativa musiker, skulle saxofonisten Anthony Braxton vinna ett ”Genius Grant” från MacArthur-stiftelsen (1994) och utnämnas till Jazz Master av National Endowment for the Arts (2004).

Hans enorma diskografi sträcker sig från avantgardistisk komposition, skrivande för orkester och opera, och vänstervridna tolkningar av jazzstandards och musik av Charlie Parker och Tristano School.

Han spelade också i band som leddes av jazzstorheter som Chick Corea och Dave Holland, med vilka han spelade in det banbrytande albumet Conference of the Birds, även om han har tagit avstånd från ordet ”jazz”.

Rekommenderat album med Anthony Braxton: 3 Compositions of New Jazz

Braxtons debut från 1968 presenterar honom tillsammans med tre andra otroligt viktiga figurer inom det amerikanska avantgardet, som alla också kommer från Chicago och har kopplingar till AACM: violinisten Leroy Jenkins, trumpetaren Wadada Leo Smith och Muhal Richard Abrahams, även om alla fyra hörs på en rad olika instrument här. T

Två av de tre experimentella spåren har titlar med diagram, vilket är något som Braxton är känd för. Hans följande skiva For Alto (1969) är det första albumet helt och hållet för solosaxofon.

• Archie Shepp

Tenorsaxofonisten Archie Shepp bröt igenom på den framväxande avantgardejazzscenen i 1960-talets New York med framträdanden i högprofilerade band som leddes av Cecil Taylor och John Coltrane.

Ledamot sin tenorkollega Pharoah Sanders stod han i spetsen för en rörelse som tog intryck av olika afrikanska kulturer och traditioner.

Han har varit engagerad i kampen för medborgerliga rättigheter och har även skrivit och framfört poesi och spoken word.

Han förknippas främst med en afrocentrerad typ av frijazz, men har även spelat repertoar som hämtats från R&B, blues och spirituals, och har spelat in hyllningsalbum till Charlie Parker och Sidney Bechet.

Rekommenderat Archie Shepp album: The Magic of Ju-Ju

Detta var Shepps tionde album som bandledare och hans åttonde för Impulse! skivbolaget som producerade många av de viktigaste skivorna från 1960-talets amerikanska avantgarde.

I det episka öppningsspåret på denna session från 1967 ser man hans passionerade tenor som morrar ovanpå pulserande afrikanska trummor, i en ensemble som inkluderar fem slagverkare.

• Peter Brötzmann

Den tyske saxofonisten och klarinettisten Peter Brötzmann var en av de första europeiska musikerna att omfamna de nya frijazzljuden i mitten av 1960-talet, eftersom de amerikanska pionjärerna inom denna form upptäckte att de fick ett varmare gensvar när de turnerade i Europa än i USA.

Brötzmanns brutala tenorljud är främst inspirerat av Albert Ayler och efter att ha medverkat på över 100 album fortsätter han att turnera och spela in. Han utbildade sig ursprungligen till bildkonstnär och har designat omslagen till de flesta av sina album.

Rekommenderat Peter Brötzmann-album: Nipples

På detta album från 1968 spelar Brötzmann i en kraftfull sextett med europeiska avantgardister, däribland den holländske trummisen Han Bennink och engelsmännen Derek Bailey och Evan Parker, på gitarr respektive tenorsaxofon.

En recension på Pitchfork av Scott Hreha liknar musiken vid ”ljudet av kött som slits loss från en spindelfärdig uppsättning ben.”