Detta inslag publicerades ursprungligen i oktober 2014. Vi återupplivar den nu när Halloween närmar sig.

Hur viktig är musiken i film?

”Musik och film passar ihop på ett naturligt sätt. Eftersom det finns en slags inneboende musikalitet i hur rörliga bilder fungerar när de sätts ihop. Det har sagts att film och musik ligger mycket nära varandra som konstformer, och jag tror att det är sant.” -Martin Scorcese

”Det är en alltför bred fråga. Låt oss bara säga att den täcker en mängd synder.” -Woody Allen

Med undantag för musikaler finns det ingen filmgenre som kapitaliserar mer på musik än skräck. Den är livsnerven i varje skräck, oavsett om det är en kakofoni av strängar, en kuslig pianoskala eller en öronbedövande tystnad. Försök att minnas några av skräckens mest ikoniska scener och oddsen är att ditt sinne också kommer att frammana den tillhörande musiken – eller tvärtom.

Med Halloween som närmar sig bestämde sig Consequence of Sounds filmpersonal för att sammanställa en lista över de 10 viktigaste musiken inom skräck. Du ska veta att vi endast valde originalmusik, vilket innebar att vi inte tog med sådana som The Exorcist, The Shining och Night of the Living Dead. Annars kan du slå vad om att de skulle vara med här.

Om du har några andra förslag, tveka inte att kommentera nedan. Vi håller ögonen öppna.

Hellraiser

Christopher Young

Musiken till Pinhead och hans cenobiter får hela tiden stryka på foten tack vare den mer populära musiken som skrivits för hans skräckfilmsrivaler: Freddy Krueger, Michael Myers och Jason Voorhies. Hellrisers gotiska musik skiljer honom dock från de andra titanerna i genren. Utan en enda synthesizer eller ett ”Ki-Ki-Ki-Ki, Ma-Ma-Ma” att höra gör kompositören Christopher Young en helomvändning i förhållande till sin dystra och underskattade filmmusik från A Nightmare on Elm Street Part 2: Freddy’s Revenge genom att välja att ge vacker musik till en film som till stor del handlar om personliga demoner och verkliga, riktiga demoner. Den huvudsakliga orkestermusiken är avgörande för temat om skönhet och smärta som samexisterar för filmens huvudantagonist (farbror Frank är den riktiga skurken här, inte Pinhead), men det är klockorna som ringer när cenobiterna närmar sig som verkligen orsakar mardrömmarna. Slutsats: Musiken till Clive Barkers Hellraiser kommer att slita din själ i stycken! -Justin Gerber

Under the Skin

Mica Levi

Spoiler: Vi älskar Jonathan Glazers Under the Skin. Det var vår film nr 1 2014 och även om den har visat sig vara något splittrad är det svårt att bestrida Mica Levis obevekliga poäng. Med tanke på att det nästan inte finns någon dialog förlitar sig filmen på Levis slipande kompositioner för att berätta historien om den farliga utomjordiska besökaren. ”Det man kan få med syntetiska strängar är att de fortsätter för evigt, medan en människa inte kan det … det finns mänskliga fel”, säger Levi till Variety. ”Men med det här får man den här känslan av evighet.” Enkelt slagverk fungerar som filmens hjärtslag och försvinner sällan för någon stund, men det är de oroliga strängarna som ringer som rostiga spikar på en tavla. Sammantaget släpper kaoset in oss i en hemlighet som filmens män inte känner till: Det är något fel på Scarlett Johansson. -Justin Gerber

Jaws

John Williams

Steven Spielberg hade ett stort problem på inspelningen av Jaws: hans tre animatroniska hajar höll på att gå sönder. När han såg den första Bruce på 250 000 dollar (han namngav hajarna efter sin advokat) sjunka ner i vattendjupet visste han att han hade ont om tid och alternativ. Men dessa potentiellt karriärförstörande fel visade sig vara en välsignelse i förklädnad, för 1) att inte se hajen under större delen av filmen visade sig vara läskigare än att faktiskt se den, 2) John Williams olycksbådande, numera ikoniska tema blev nyckeln till dess skräck.

”Da-da…da-da…” Det är ljudet av den stora vitsippan som närmar sig och spanar efter köttet från människobenen när de dinglar under vattnet. ”Da-da-da-da-da-da-da-da-da-da-da”, musiken byggs upp när han simmar snabbare, rakt upp under kroppen, fram till det skrikande ögonblicket när en kvinna rycks från sida till sida som en ragdoll och dras ner under ytan, eller när en liten pojkes flotte vänds om i en gejser av blod. Genom att välja ett mer vågat tillvägagångssätt med osynliga fiender förändrade Spielberg sättet att göra film, medan Williams filmmusik fortsätter att hemsöka generationer av strandbesökare som fortfarande tänker två gånger innan de dyker ner i vattnet. -Leah Pickett

A Nightmare on Elm Street

Charles Bernstein

Freddy Krueger förblir en av de mest hårdhänta och skräckinjagande skurkarna i skräckfilmer eftersom han existerar på en plats som du aldrig helt kan fly från: dina drömmar. Många av spåren från A Nightmare on Elm Streets filmmusik, som den dunkla ”Prologue” och ”Main Title”, spelar som förvrängda vaggvisor som sänker din vakt i en orolig sömn. Den tunga användningen av syntar (till exempel på ”Dream Attack”, ”Terror in the Tub” och ”No Escape”) har en typisk osthyvelig 80-talskänsla, men de fungerar fortfarande i dag genom att de representerar mardrömmarnas feberaktiga konstigheter. ”Laying the Traps” låter mer som ett spår från en actionfilm, vilket fungerar eftersom huvudpersonerna i filmen faktiskt slår tillbaka och gör vettiga planer för att överleva Kruegers attacker. En av de läskigaste delarna av musiken är dock den sparsamma men kraftigt förvrängda användningen av sång, som Bernstein faktiskt skapade genom att spela in genom Boss digitala delay- och ekopedaler. -Killian Young

The Thing

Ennio Morricone

John Carpenter har rykte om sig att vara en allt-i-allo filmskapare; han regisserade, producerade, skrev, skrev musik och spelade i två av sina tidigaste succéer, Assault on Precinct 13 och Halloween. Men Carpenter anlitade den mångsidigt skicklige Ennio Morricone för att göra musiken till The Thing. Carpenter ska ha bett Morricone att förenkla sitt första försök till filmmusik, vilket ledde till den slutliga, olycksbådande versionen som nästan perfekt passar ihop med Carpenters musikaliska stil.

Morricone – som tog sig hela vägen till den sista rundan i vår läsaromröstning om den bästa filmkompositören genom tiderna – lyckades ta tillvara på The Things stora teman, som isolering, paranoia och rädsla för det okända. ”Main Theme – Desolation” har staccato-syntar parade med gotiska orkesterljud, medan den klaustrofobiska spärren av ljud på ”Contamination” räcker för att få dig att känna dig som om läskiga krypande varelser kryper överallt på dig.

De elektroniska flosklerna passar den futuristiska utomjordiska antagonisten och miljön i en forskningsanläggning i Antarktis, men de mer traditionella orkesterstyckena – som de djupa, långsamt rörliga stråkarna som blir skrikigare och mer brådskande på ”Bestiality” – spelar på The Thing’s styrkor som en skräckfylld monsterfilm. -Killian Young

Suspiria

Goblin

Det är inte ofta man ser en livekonsert till ett soundtrack till en gotisk skräckfilm. Ändå är det precis vad Goblin gör. Faktum är att det italienska progrockbandet har framfört sina ikoniska soundtrack i sin helhet otaliga gånger genom åren, från teatrar till filmfestivaler. Bara att föreställa sig goth-publiken för den spelningen – en brist på Molly, ett överskott av svarta t-shirts – är ganska vild.

Appellen är berättigad, särskilt för deras arbete med Dario Argentos Suspiria. Det är ett catchy verk som är beroendeframkallande även efter filmen, vilket delvis förklarar varför Raekwon, Ghostface Killah eller RJD2 har samplat dess melodier i det förflutna. När det gäller filmen fungerar dock Suspiria elegant i sin kvävande begränsning, tack vare litaniet av Moog-ljud, körsång, skramlande trummor och den ganska oskyldiga glockenspelet.

Goblin arbetade tätt tillsammans med Argento på hans balettskole-skräckshow och skapade musiken och partituret anmärkningsvärt nog innan något ens hade spelats in. (Kul faktum: De är krediterade som The Goblins i filmens eftertexter.) Den resulterande musiken är ett bevis på deras respektive styrkor, som sedan dess har fått kritiskt och kommersiellt rykte. Så, ses vi på nästa Goblin-spelning? Snälla, inget cosplay med rakbladstråd. -Blake Goble

Rosemary’s Baby

Krzysztof Komeda

Ingenstans har ”La la la la” låtit läskigare än i Rosemary’s Baby, när Mia Farrows andlösa vaggvisa ljuder över klinkande tangenter och dissonant elektriskt cembalo, och signalerar att mörkare krafter kan vara på spel på det sena 1960-talets sagolika Manhattan. Den jazzinfluerade temamusiken, arrangerad av den polske jazzpianisten och kompositören Krzysztof Komeda, fortsätter att spela in disharmoniska toner hela tiden, och motverkar en stråkstyrd vals och ett knappt urskiljbart nynnande för att antyda att det rör sig om ett ljuvligt barnvisor som har förvandlats till en olycksbådande saga.

När den ljushåriga, gravida Rosemary (Farrow) börjar misstro alla runt omkring henne, från hennes sneglande grannar (Ruth Gordon, Sidney Blackmer) till hennes luriga make (John Cassavetes) till det ofödda barnet som växer inom henne, gnager och spetsar sig spänningen i varje plockning och skälvning från Komedas orkester och når feberartade nivåer av skräck. I slutscenen – ”Vad har du gjort med dess ögon?!” – når partituret sin ylande, kakofoniska höjdpunkt och ger orden ”graviditetsskräck” en ny, skrämmande innebörd. -Leah Pickett

Alien

Jerry Goldsmith

” skrämde verkligen skiten ur mig, för att vara brutalt ärlig. Jag var fruktansvärt rädd med den, vilket är bra eftersom det hjälper när jag måste sätta mig ner och skriva musiken”, förklarade den framlidne Jerry Goldsmith i en dokumentärfilm för Ridley Scotts mästerverk från 1979. ”Varje film jag gör försöker jag först se den som publik och reagera som publik och försöka distansera mig från det jag slutligen måste göra.”

Som sådan utvecklas Goldsmiths musik till Alien ganska organiskt med åskådarens känslor av förundran och rädsla. Den är paranoid men ofta elegant. De spänningsfyllda svallvågorna i den ikoniska (och omarbetade) ”Main Title” glider över i fantastiska bitar som påminner om hans bästa arbete med Star Trek. När filmen fortskrider omfamnar Goldsmith skräcken med lätta påstötningar (”Eggs”, ”Inside the Air Shaft”, ”Trekking”) och stryper så småningom alla i de sista akterna (”The Droid”, ”Ripley Doubles Back”, ”And Then There Was One”).

Det var dock inte en lätt process. Ursprungligen ville Scott ha kompositören Isao Tomita, men 20th Century Fox insisterade på ett välkänt namn som Goldsmith, som tryckte hårt för att ge en romantisk prägel åt öppningstexterna. Scott var inte intresserad, och Goldsmith avstod genom att, med hans ord, ”göra det självklara: konstigt och märkligt, och som alla älskade”. Det hjälpte inte heller att redaktör Terry Rawlings använde delar av Goldsmiths tidigare kompositioner – särskilt Freud: The Secret Passion – till kompositörens stora irritation.

”Du kan se att jag liksom gick i motsatt riktning med filmskaparna i filmen”, påpekade Goldsmith senare. Ändringen var dock till fördel för filmen, och Scott skulle senare förespråka originalpartituret och kallade det ”allvarligt hotfullt” men ”vackert”. I efterhand kan man säga att denna dikotomi bidrog till att göra Alien till en av de mest fängslande filmerna genom tiderna. Det är två timmar av ren skräck som möjliggjorts av H.R. Giger, Scott och naturligtvis Goldsmith. -Michael Roffman

Psycho

Bernard Herrmann

REE! REE! REE! REE! REE! REE! REE! REE!

Du vet precis vad det är, eller hur? Det är Master of Suspense’s mest mästerliga partitur.

Psycho får en otroligt hög placering på den här listan av två anledningar. Ett, Bernard Herrmanns vackert skarpa och skräckfyllda partitur bygger på en grund av strängar som skjuts och dras åt alla möjliga håll, vilket ytterligare höjer en redan febrig och chockerande film.

Två, finns det ett partitur som är mer kanoniskt, mer populärkulturellt resonant och refererat än partituret till Psycho? American Film Institute rankade filmmusiken som den fjärde bästa genom tiderna i ”100 Years of Film Scores”, och till och med Hitchcock själv sa en gång att ”33 procent av effekten av Psycho berodde på musiken”. Vi skulle säga 50 % (den andra hälften är Norman Bates olyckliga ballad).

Tänk på denna trivia: Från början var duschscenen med Janet Leigh som blir skivad och styckad tänkt att vara stum, och vid ett tillfälle övervägde Hitchcock till och med att göra ett jazzmusikstycke. Istället segrade Herrmann, och med ett partitur som är så effektivt och inneboende att det nästan är galet att föreställa sig filmen utan det. Inte Norman Bates galen, men ändå.

Till slut skulle Herrmann fortsätta att göra musik till sju filmer för Hitchcock. Han insisterade alltid på kreativ kontroll. Och han förtjänade den alltid. En pojkes bästa vän är trots allt hans kompositör. -Blake Goble

Halloween

John Carpenter

En fantastisk filmmusik till en film bör inte stå ensam; den bör gå högt och ohämmat. John Carpenters Halloween är ett bevis på denna sanning. På försommaren 1978, månader före filmens premiär i oktober, fick Carpenter en slutklippning av filmen utan musik och ljudeffekter som han visade för en ung chef på 20th Century Fox. ”Hon var inte alls rädd”, skrev Carpenter i ljudspårets liner notes och tillade: ”

Inspirerad av Bernard Herrmann och Ennio Morricone, satt Carpenter och den kreativa konsulten Dan Wyman, som tidigare arbetat med honom på Assault on Precint 13, i de mycket små Sound Arts Studios i centrala Los Angeles. I två veckor komponerade de i ”double-blind”-läge, vilket enligt Carpenter betyder ”på plats, utan referens eller synkronisering med den faktiska bilden”.

Det ikoniska temat kom från en övning på bongos som Carpenters far lärde honom 1961; ”Laurie’s Theme” och ”The Myers House” föddes ur ”Herrmanneska” melodier; och användandet av ”cattle prod”-stingers förhöjde filmens visuella överraskningar. Det som dock får allt att fungera är hur dessa minimala kompositioner framkallar en utbredd, hypnotisk atmosfär som hemsöker och förföljer alla som lyssnar – precis som filmens skräckinjagande Shape.

”Musiken är helt enkelt fantastisk”, sa den framlidne Gene Siskel i sin ursprungliga recension. ”Det sätt på vilket han börjar ett tema och lägger en annan sak ovanpå det, samtidigt som han behåller det andra temat. Det är verkligen bra.” Den är också häpnadsväckande vacker. Den vandrande klättringen i ”Laurie’s Theme” är kuslig, men det finns en kunglig glans i noterna som påminner om den ungdomliga oskuldsfullheten hos låtens namne. Med andra ord, Carpenter satte inte bara ihop kusliga ljud; han fångade personligheter.

”Ungefär sex månader senare sprang jag på samma unga chef”, står det i Carpenters liner notes, som fortsätter berättelsen. ”Nu älskade hon också filmen och allt jag hade gjort var att lägga till musik. Men hon hade verkligen rätt i sin första reaktion.” Kort därefter drog han slutsatsen: ”Någon sa en gång till mig att musik, eller bristen på musik, kan få dig att se bättre. Jag tror på det.” I fallet med Halloween räddade musiken inte bara filmen, utan skapade den. -Michael Roffman