80-talet var ett avgörande årtionde på film. Blockbuster-eran blomstrade och franchises började blomstra. Komedier framkallade tårar, dramer framkallade tankar. Det fanns röster i majsen och absolut inga katter i Amerika. Filmerna på 80-talet var också mycket citerbara, från punchlines till chockerande avslöjanden i tredje akten och vidare. Dessa 80-tals filmcitat är inpräntade i 80-talsbarnens hjärtan och själar överallt.

Faye Dunaways rollprestation som Joan Crawford, tyrannisk filmstjärna och mor i 1981 års Mommie Dearest är en av de mest skräckinjagande och oförstörbara filmprestationerna någonsin. Hon går hela tiden på tå på gränsen mellan överdriven briljans och ohyggligt misslyckande. Hennes explosion av ilska mot sin dotter för att hon använder eländigt vanliga trådgalgar är en replik som definierade två skådespelerskarriärer.

Om du tror att repliken är ”Luke, jag är din pappa” måste du leta fram de där DVD:erna från Star Wars-trilogin som står i hyllan och titta igen. Men oavsett den exakta ordalydelsen skickade avslöjandet att galaxens ultimata skurk var far till dess största hjälte chockvågor genom filmpubliken. Varje chockerande vändning i slutet av en film har sedan dess jagat Darth Vaders (James Earl Jones) faderskapsbekännelse.

Att välja ut bara en replik från den berömda skämttäta Airplane är en nästan omöjlig uppgift. Eller det skulle det vara om inte Leslie Nielsens obefläckade, dödskalliga svar på uppmaningen ”Surely you can’t be serious!” fick den här repliken att stå över alla andra.

Det som gör en replik som ”E.T. phone home” så fantastisk är hur många olika känslor den framkallar. Första gången han säger det är det förvånande att den här roliga lilla utomjordiska varelsen pratar. Andra gången han säger det – efter att vi alla trodde att han var död – är det bara det mest spännande ögonblicket, som väcker lika delar spänning och tårar. Steven Spielbergs film är beroende av att publiken skapar ett band till E.T., och den här repliken är verkligen avgörande.

Den moderliga panik och ilska som Shirley MacLaine levererar när hon skäller ut sjukhuspersonalen för att de ska ge hennes dotter (Debra Winger) smärtstillande medel medan hon är döende på sjukhuset går stick i stäv med filmens rykte som en fem-hankig gråtfilm. I MacLaines skickliga händer (som vann en Oscar för denna prestation) är ögonblicket både roligt och plågsamt på samma gång.

Celie (Whoopi Goldberg) står äntligen upp mot den missbrukande herrn (Danny Glover) vid middagsbordet, håller en kniv mot hans hals och förbannar honom. Det är ett efterlängtat ögonblick för Celie, då hon tar tillbaka sin makt och lovar inget annat än förödelse till mannen som hållit henne nere så länge.

Regissören James L. Brooks komiska syn på en föränderlig TV-nyhetsbransch – som skiftar från smutsig substans till prålig stil – är fylld av bra repliker. Men den här, där Holly Hunter svarar på en nedvärdering med uppriktigt självmedlidande, är på samma gång härligt rolig och smart skärande.

Hers absoluta triumf kulminerade med en Oscar, och även med odödligheten av hennes signaturreplik från filmen. Cher-fans, filmfans och till och med människor som aldrig har sett filmen känner igen ljudet av den där smällen, följt av hennes ikoniska ”Snap out of it!”. De stackars, intet ont anande ansiktena hos de längtande drömmarna skulle aldrig vara säkra igen efter Moonstruck.

Animationsregissören Don Bluth var för ett ögonblick en konkurrent till Disney i slutet av 80-talet med filmer som An American Tail, som berättade historien om ryska judar som emigrerar till USA för att undkomma pogromerna via allegorin om möss som emigrerar till USA för att undkomma katter. På båten som korsar havet sjunger Papa Mousekewitz (Nehemiah Persoff) om löftet om ett gyllene, välkomnande Amerika, där de äntligen kommer att vara säkra från katter och där till och med gatorna är belagda med ost.

Ja, ja, de ord du antagligen tänker på först när du tänker på Field of Dreams är: ”Om du bygger det så kommer han att komma”. Dessa ord, uttalade av en osynlig röst till Ray Kinsella (Kevin Costner), inspirerar honom att plöja under sitt majsfält i Iowa och bygga en basebollplan där andarna av döda (ofta skandalomsusade) basebollspelare kan återvända och spela igen. Men filmens sanningsögonblick kommer i slutet, när Ray ser en spelare och känner igen honom som sin far. Med filmens sista ord tar Ray mod till sig och frågar sin pappa om han vill spela catch. Det är dags för vattenverk.

När Marty McFly (Michael J. Fox) har avslutat sina äventyr 1955 och återvänder tillbaka till framtiden, möter han sin gamla kompis Doc Brown (Christopher Lloyd) en sista gång före eftertexterna. Doc har varit i framtiden, och när han återvänder har hans pålitliga DeLorean genomgått en del uppgraderingar. Få 80-talsfilmer fick publiken att skrika efter en uppföljare mer tillförlitligt än Tillbaka till framtiden – med Doc och Marty och deras flygande bil.

Ett barns önskan som görs till ett (förvisso läskigt) isolerat karnevalsspel är det som sätter denna Penny Marshall-komedi från 1988 i rörelse. När den unge Josh Baskin vaknar upp morgonen efter sin önskan spelas han av Tom Hanks, ett barn i en vuxen kropp. Det följer många roliga upptåg, men det är den enkla, klagande och så relaterade önskan som stannar kvar.

Den mest berömda repliken i den av Nora Ephron författade och av Rob Reiner regisserade When Harry Met Sally kommer inte från Billy Crystals mjukt chauvinistiska Harry och inte heller från Meg Ryans envisa Sally. Istället kommer den från Reiners mamma, som spelar en kund i en restaurangscen som – efter att Sally är färdig med att demonstrera en otroligt övertygande föreställning om hur en kvinna kan fejka njutning – helt enkelt vänder sig till sin servitör och frågar efter det som Sally äter. Och på så sätt föddes en av de bästa one-liners i hela filmkomedin.

Den skrattretande filmversionen av det populära brädspelet Clue hade en perfekt rollbesättning – Tim Curry, Lesley Ann Warren, Martin Mull, Eileen Brennan, Michael McKean, Christopher Lloyd – men det var den stora Madeline Kahn som gjorde filmen odödlig med sin stammande monolog om sitt vitglödande hat mot hembiträdet Yvette (Colleen Camp).

Karaktärsskådespelaren R. Lee Ermey tillbringar den första halvan av Stanley Kubricks mardrömsvision av Vietnamkriget med att skälla ut en löjeväckande rad order och profana invektiv till de soldater han utbildar. När han slutligen driver en viss soldat (Vincent D’Onofrio) över gränsen till den punkt där han hotar med väpnad vedergällning, är Ermeys utväg inte att backa tillbaka utan att trappa upp kränkningarna. Ingen bra idé, visar det sig.

Glenn Close spelar en kvinna som har en affär med den gifta Michael Douglas, bara för att han ska dra sig undan och bli distanserad till henne, vilket hon svarar med våldsam besatthet. Close’s prestation arbetar hårt för att balansera ”crazy ex-girlfriend”-troperna; hennes leverans av ovanstående citat är lika mycket rättfärdig som den är hotfull.

Regissören Ivan Reitmans film om en kvartett spökutrotare i 1980-talets New York kulminerar i en utbrytning av spöken från deras inkapslingsanläggning. Resultatet? Kaos, panik, de levande som kommunicerar med de döda och, som Bill Murrays Peter Venkman hyperboliskt sammanfattar det, alla natur- och verklighetslagar omkullkastade. Hundar och katter! Tillsammans!

Oddsen är långa för att du ska träffa någon som sett Stanley Kubricks The Shining och som inte åtminstone en gång har försökt att göra Jack Nicholsons signaturleverans. Repliken kommer när han är halvvägs genom att hugga ner badrumsdörren och försöka mörda sin fru och son. Jag är inte säker på hur Johnny Carson måste ha känt för associationen.

Den avslutande monologen från hjärnan Brian (Anthony Michael Hall) är en perfekt inkapsling av den kränkta tonårsångesten. Dessa fem olikartade tonåringar tillbringar en lördagseftermiddag i skolbiblioteket och upptäcker att de alla har något gemensamt (främst att de hatar sina föräldrar!) – och i en sista kyss till rektorn lär de sig att vuxna aldrig riktigt kommer att förstå dem.

Popkulturens mest kända skolkande tonåring tar sig tid från att åka runt i Chicago i sin väns pappas bil och läppsynka i en parad för att vända sig till publiken och ge gratis råd för en femma. Du kan tacka Ferris (Matthew Broderick) för varje ”livet kommer snabbt” tweet du stöter på.

Det är bara tre små ord som normalt sett inte låter som ett hot om de inte uttalas av en två meter lång vägg av österrikiska muskler som just teleporterats in från framtiden på ett skoningslöst uppdrag att mörda en blivande mamma. Arnold Schwarzeneggers platta, känslolösa sätt att framträda var den perfekta olycksbådande leveransen. Och som en bonus visar det sig att han hade rätt, om fem Terminator-uppföljare och fler är någon indikation.

Tom Cruise och Anthony Edwards som flygpojkvänner på sitt elitträningsprogram i flottan är den centrala vänskapsrelationen i en av de största hitsen från 80-talet. Tillsammans gav de Top Gun exakt vad den behövde, förutom sin enorma kassa och filmstjärneattraktion: ett slagord som skulle sväva långt bortom slutet av 80-talet, rakt in i farozonen (det är vad vi kallar 90-talet).

Repliken har imiterats, kopierats, lånats, riffats och parodierats i årtionden nu. Al Pacino som kokainkungen Tony Montana presenterar sina fiender för sin ”lilla vän”, som uppenbarligen är hans maskingevär. Blodbad och hundratals posters i studentrummen följde.

Den upprepade varningen till den unge Ralphie (Peter Billingsley) i den långlivade julklassikern blir roligare för varje gång den upprepas. Allt som den lille pojken ville ha var ett officiellt Red Ryder-luftgevär med karbinmekanism, tvåhundra skott och en räckviddsmodell. Synd bara att varje vuxen i hans liv – inklusive tomten i köpcentret – sa till honom att det var för farligt.

Med dessa ord räddar Patrick Swayze Jennifer Grey från sin överbeskyddande pappa och tar henne med sig ut på dansgolvet för att imponera på de spända typerna i Catskills med några skickligt koreograferade rörelser.

Du kanske tycker att det är ganska ofattbart att detta är den mest minnesvärda repliken från The Princess Bride, en film som praktiskt taget svämmar över av roliga citat. Men Mandy Patinkin som Inigo Montoya är briljant engagerad och grym när Inigo konfronterar den sexfingrade mannen som dödade hans pappa.

En replik som den här är bara minnesvärd om den levereras under de perfekta omständigheterna av den perfekta karaktären. Med andra ord, en liten flicka (Heather O’Rourke) som stirrar på statisk elektricitet på TV:n – den enda som vet att de ondskefulla andar som spökar i huset är här för att spela. Det är ett ytterst läskigt ögonblick i en av decenniets signaturskräckfilmer.

Jeff Goldblum som stadigt förvandlas till en mänsklig fluga under loppet av denna David Cronenberg-film är både äcklig och skrämmande. Tack och lov behöver vi inte oroa oss för vilken reaktion som är den rätta, eftersom Ronnie (Geena Davis) säger det rakt ut – var rädd.

Michael Douglas vann en Oscar för sin roll som Gordon Gekko, en avatar av 1980-talets företags girighet. Föreställningen är en av decenniets signaturkreationer, och hans monstruöst enkla ethos – ofta omskrivet som det ännu enklare ”girighet är bra” – har gett eko under de följande åren.

Ossie Davis talar titellinjen i Spike Lees brandtalande film från 1989. Repliken sägs som ett råd till den pizzeriaanställde Mookie (Lee), även om dess ironiska enkelhet blir uppenbar först i slutet av filmen.