Om modern dans (en mycket kort & sammanfattad historia)

Moderna danser är en term som beskriver många olika typer av danstekniker. Det är en kategori av dansstilar, som ofta kallas för en dansgenre. Många av de viktigaste stilarna i denna genre tillskrivs specifika koreografer som banade väg för nya och unika sätt att röra sig och skapade nya rörelsevokabulär baserade på deras personliga filosofier; deras syn på hur dansen fungerar som ett konstnärligt verktyg. Dansare som är utbildade i privata dansstudior tenderar ofta att associera eller hänvisa till modern dans med termerna lyrisk eller samtida dans. Även om dessa studior och tävlingsformer kan ha vissa rörelser gemensamt med modern dans från professionella konserter, hänvisar lyrisk dans faktiskt till en rörelsekvalitet. Samtida dans betyder vanligtvis att den har skapats nyligen, framförs till samtida musik och är en fusion av balett, jazz och moderna stilar.

Vad är det då som gör något till modern dans? Det finns inga absoluta gränser i den professionella dansens värld, men för den här kursen finns här begränsade definitioner av moderna dansformer som har minst ett av följande kännetecken:

• Baserad på någon av de tidiga mästarnas kodifierade tekniker, t.ex. Graham, Humphrey, Limón, Dunham, Horton eller Cunningham
• Baserad på rörelser som skapas med hjälp av andning, artikulation av bålen (t.ex. i linje, tittad eller sammandragna), användning av golvet eller improvisation, utan behov av utåtvända benpositioner eller spetsiga fötter
• En fusion av dansstilar som använder rörelsevokabuläret från balett, jazz, modern, hiphop, afrokaribisk, capoeira och postmodern dans i samma koreografi
• En stark koppling till marken i rörelsevalen; En betoning på markbundna rörelser när man står och ett vokabulär av rörelser som görs när man ligger eller sitter på golvet.

Snarare än en kortfattad definition av vad modern dans är, är det kanske viktigare för dig vad den kan bidra till att berika ditt liv. Den kan introducera dig till en ny form av teknik där du upplever glädjen i rörelse. Den kan öka din uppskattning av musik, andra olika konstarter och rörelseformer. Den kan öka din respekt och förståelse för dansarens yrke. Det kan också öka din medvetenhet och uppskattning av hur du och andra rör sig.

Alla konstnärer är en produkt av den tid i vilken de skapar. Även om de tidiga moderna danskonstnärerna ofta låg i framkant av förändringarna, återspeglade många av dem också de sociala och politiska fördomarna och omständigheterna i sin tid. Drivkraften för många konstnärer i början av 1900-talet var deras sökande efter dansens beståndsdelar.

Som det inte är möjligt att ge ett adekvat erkännande till alla koreografer, producenter, pedagoger och dansare som har format den moderna dansen, kan flera framstående personer hjälpa till att spåra utvecklingen av konstformen så som den praktiseras i studion och ofta framförs idag.

• 1900 – 1920: Matriarkerna, Loie Fuller, Isadora Duncan och Ruth St.Denis
• 1920 – 1940: Pionjärerna: Ted Shawn, Doris Humphrey, Martha Graham, Mary Wigman, Katherine Dunham
• 1940 – 1960: Andra generationen, arvsmännen: José Limón, Hanya Holm
• 1940 – 1960: Andra generationen, ikonoklasterna: Merce Cunningham, Lester Horton, Alwin Nikolais
• 1960 – 1980: Synthesizers, Alvin Ailey, Paul Taylor, Twyla Tharp
• 1980 – 2000: Samarbetare, Pilobolus, Bill T. Jones

Förr representerade ”modern dans” de olika dansarnas och koreografernas synvinklar och rörelsekoncept. … Martha Graham-teknik, Doris Humphrey-teknik eller Lestor Horton-teknik. I takt med att danskonstnärens horisonter har vidgats, har även rörelseformerna utvidgats, som mer liknar varandra än skiljer sig åt på ett unikt sätt. Modern dans är en yngre konstform än balett och rörelsestilen är inriktad på dansarens egna tolkningar i stället för de standardiserade rörelserna och strukturerade stegen i klassisk eller traditionell balett. Modern dans använder dock många av de klassiska vokabulären och terminologierna. I dag använder många ”balett”-koreografer den moderna dansarens rörelsekoncept och balettdansarens övningar används nu i de ”moderna” teknikerna. Modern dans är känd för sitt oberoende, sin uppfinningsrikedom och sin otraditionella attityd. Många koreografer inkluderar nu i sina verk inte bara de svårfångade moderna dansteknikerna, utan även principerna för jazz, afrikansk dans, balett och annan etnisk dans.

Utvecklingen av den moderna dansen som konstform skedde genom att man bröt mot ”reglerna” för vad dansen ”skulle” vara. Under 1900-talet började europeiska dansare göra uppror mot den klassiska balettens rigida regler, de strukturerade teknikerna, kostymerna och balettskorna. Mot slutet av 1800-talet uppträdde hängivna personer som Loie Fuller, Ruth St. Denis, Isadora Duncan och Ted Shawn regelbundet. I brist på ett bättre namn anbringades ”klassisk” dans på de konstnärers arbete som mönstrade sina verk efter idealiserade grekiska eller romerska modeller. Dessa nya dansare föredrog en mer avslappnad och fri dansstil. Pionjärerna inom den moderna dansen dansade med nakna fötter och fritt flytande, ofta avslöjande kostymer.

Modernism kontra realism

Många konstnärer tog medvetet avstånd från realistiska skildringar i konsten till det som blev känt som modernism. Denna nya stil utforskade subjektiva erfarenheter, såsom ens känslor och uppfattningar snarare än observerade verkliga livet. Verken såg abstrakta ut i motsats till realistiska. Till exempel; målaren Pablo Picassos verk, som innehåller igenkännbara kroppsdelar men inte det realistiska ansiktet på en kvinna, är ett exempel på denna modernistiska rörelse inom konsten. Den nya dansen, eller den moderna dansen som den senare blev känd, var intresserad av att skildra abstraktionen av den mänskliga erfarenheten snarare än en realistisk återberättelse av en historia. Den nya dansformen utforskade personers känslor om världen genom abstrakta, obehindrade och icke-bokstavliga rörelser. Precis som modernismen inom konsten manifesterade sig den moderna dansen som ett uppror mot det förflutnas konstnärliga traditioner.

St Denis och Ted Shawn kom samman professionellt och etablerade en skola i Westlake-distriktet i Los Angeles som lockade elever från hela landet. St Denis var musa, förebild och ibland lärare, medan Shawn främst fokuserade på detaljskolan. Deras kompani, som fick namnet Denishawn, turnerade i de populära vaudevillekretsarna och var det viktigaste seriösa danskompaniet i landet.

Under 1900-talets andra decennium hade namnet ”Modern Dance” börjat användas för att beskriva det arbete som utfördes av Denishawns efterföljare som Martha Graham, Doris Humphrey, Charles Weidman, Hanya Holm, Helen Tamrisis och Lester Horton. Det viktigaste kännetecknet för den moderna dansen är att den uppmuntrar dansarna att använda sina känslor och stämningar för att utforma sina steg, kombinationer och danser i stället för att följa en strukturerad teknikkod som i baletten. Rörelseskolor bildades utifrån den enskilde koreografens rörelsevokabulär som härrörde från deras egen uppfattning om var rörelseimpulsen hade sitt ursprung och hur den skulle utvecklas logiskt.

Graham, Humphrey och Weidman förkastade Denishawns estetik, som de kallade ”Dansande gudar och gudinnor”, och valde personliga eller sociala teman, som framfördes i en kostym som låg närmare den samtida klädseln än de exotiska klänningar som de tidigare artisterna bar eller de traditionella klassiska balett-tutusarna. Koreograferna i denna generation utvecklade rörelsestilar som var slagkraftiga och praktiskt taget utan den dramatiska ”stumfilmsgesten” som kännetecknade den föregående generationen samt de stela reglerna för klassisk teknik. Ett annat kännetecken för den moderna dansen i motsats till balett är den medvetna användningen av gravitationen. Medan dansaren i klassisk balett ständigt strävar efter att vara lätt och luftig på fötterna hela tiden. Den moderna dansaren ville ha tunga rörelser, eftersom de ansåg att golvet som de dansade på var en kraftkälla som de skulle uppvakta snarare än ett stöd som de skulle frigöra sig från. De använder ofta sin kroppsvikt för att förstärka rörelsen. Den moderna dansaren förkastar den klassiska ställningen med en upprätt upprest kropp och väljer ofta i stället att medvetet falla och rulla på golvet.

Med början 1934 erbjöd Bennington College Summer School of Dance studenterna möjlighet att studera med de ”fyra stora”: Graham, Humphrey Weidman och Holm. (Hanya Holm emigrerade från Tyskland och öppnade 1933 en studio i New York som byggde på de principer som Mary Wigman hade utvecklat). Förutom teknik erbjöds kurser i komposition, scenkonst och musikhistoria. Elevkåren hämtade i hög grad från lärare på institutioner för fysisk utbildning (mycket få skolor erbjöd en examen i dans) runt om i landet.

Offentlig acceptans kom långsamt under 1930-talet men ökade på 1940-talet när denna generation koreografer inbjöds att koreografera musikaler för den populära teatern och att presentera sitt eget kompani på mer populära teaterscener.

På västkusten kom Lester Horton, vars ursprungliga intresse för Amerind-kulturen (en grupp inhemska amerikanska indianer) förde honom till den moderna dansen. Han etablerade ett kompani och en teater som helt ägnade sig åt danspresentationer i Los Angeles. Han utnyttjade också sina koreografiska talanger i en rad olika filmer. Horton var färgblind i sin utbildning av dansare och hade det första integrerade moderna danskompaniet i USA. Han uppmuntrade bland annat Alvin Ailey, Carmen de Lavallade och Janet Collins. Ailey, liksom Pearl Primus och Katherine Dunham före honom, tog upp teman som rörde jämlikhet mellan raserna, social orättvisa och religiös glöd som härrörde från den svarta erfarenheten. Stilistiskt sett fann de den narrativa strukturen från perioden efter Denishawn mest användbar för sitt arbete, liksom senare koreografer som Talley Beatty, Donald McKayle, George Faison, Garth Fagan och Bill T. Jones.

På 1960-talet tog koreograferna avstånd från alla teatrala konventioner från sina föregångare och koncentrerade sig i första hand på kroppens rörelser, tränade eller otränade. De uppträdde inomhus, utomhus, från hustak till gatulokaler, nästan överallt utom på prosceniumbågade teatrar. Vardagskläder användes ofta som kostym och ibland även nakenhet. Rörelsen hade sina rötter i början av 1960-talet med en kurs i komposition som gavs av pianisten, ackompanjatören och kompositören Robert Dunn vid Cunninghams studio. Det var en icke-dömande undervisning som uppmuntrade kursdeltagarna att förstå logiken i sina egna val och att utforska dem fullt ut.

Den moderna dansen har tagits upp och fortsätter att tas upp som en frigjord form av seriöst dansuttryck i varje land som har exponerats för den. Inflytandet från det kraftfulla kreativa livet i amerikanska kompanier stimulerade på bred front den moderna dansens utveckling i hela världen under andra hälften av 1900-talet. Detta inflytande har uppmuntrat koreograferna att utveckla det rörelsespråk som talar mest direkt till deras publik. Den moderna dansen har från början uppmuntrat till individuellt uttryck i valet av teman och sätt att framträda.

Martha Graham, en tidigare elev till Ruth St. Dennis, anses vara en av de främsta pionjärerna inom den amerikanska moderna dansen. För att uttrycka människans passion, raseri och extas utvecklade hon sitt alldeles egna rörelsespråk. Hon skapade en ny dansteknik som liknade balett men med flera skillnader. Hon fokuserade starkt på grundläggande mänskliga rörelser och koncentrerade sig på rörelser där man drar ihop sig och släpper loss. Istället för långa flytande rörelser var Grahams rörelser skarpa och hackiga. Hennes dans syftade till att exponera grundläggande mänskliga känslor genom rörelse. ”Rörelse ljuger aldrig.” Grahams modiga och djärva vision för den moderna dansen gav henne många priser, utmärkelser och världsomspännande erkännande.

Den moderna dansens historia är knuten till de sociala, politiska och konstnärliga trenderna i den tid då den skapades. Den moderna dansen började som ny dans i början av 1900-talet och formades av kvinnorörelsen, nya trender inom den visuella konsten och en växande kärlek till det vetenskapliga tillvägagångssättet. Den matriarkala generationen med Isadora Duncan, Lorie Fuller och Ruth St. Denis inspirerade dansvärldens fantasi när den tog avstånd från traditionerna från det föregående århundradet.

I takt med att varje epok under 1900-talet förändrades, förändrades också den moderna dansen. 1920- och 1930-talen var konstformens pionjärperiod. Koryféer som Martha Graham, Doris Humphrey och Katherine Dunham började forma och definiera vad denna nya dansgenre skulle bli. Under 1940- och 1950-talen var det pionjärernas efterföljare som gav upphov till nya stilistiska variationer genom konstnärliga giganter som José Limón och Merce Cunningham. Från 1960 till 1980-talet syntetiserade och omprövade koreografer och dansare pionjärernas arbete och förde in nya typer av rörelsevokabulär i den moderna dansen. Ikoner som Alvin Ailey och Twyla Tharp är symboliska för denna tid. Under den sista delen av 1900-talet framhävdes värdet av samarbete genom verkligt uppfinningsrika kreatörer som Bill T. Jones och Pilobolus.

Man kan se likheter och skillnader mellan den traditionella moderna dansen och den postmoderna dansen:

SIMILARITETER:

• Båda presenterade danser som uppvisade innovativa rörelser.
• Båda använde teman som var sociala, politiska och globala.
• Båda använde elementen rum, tid och energi på ett sätt som skiljde sig från balett.

DIFFERENSER:

• En del postmoderna danser var handlingslösa och utan narrativ; många traditionella moderna danser hade starka narrativa linjer.
• Traditionella moderna danser använde sig av tränade dansare; vissa postmoderna koreografer använde sig av otränade dansare.
• Traditionella moderna danser använde sig oftare av kostymer; postmoderna danser presenterades ofta i vardagliga gatukläder.
• Traditionell modern dans presenterades ofta på teatrar; postmoderna danser presenterades på ett antal olika platser.

De bidrag som den postmoderna konstnären gjorde till dansvärlden har haft en djupgående effekt på hur människor koreograferar och ser på dans.

Moderna dansare använder idag dansen för att uttrycka sina innersta känslor, ofta för att komma närmare sitt inre jag. Innan en modern dansare försöker koreografera en kombination eller en dans bestämmer han eller hon vilka känslor han eller hon vill förmedla till publiken. Många moderna dansare väljer ett ämne som ligger dem varmt om hjärtat, t.ex. en förlorad kärlek eller ett personligt misslyckande. Dansaren låter komponera musik eller använder redan komponerad musik som reflekterar eller relaterar till den historia som han eller hon vill berätta, eller så väljer han eller hon att inte använda någon musik alls. Dessutom väljer de en kostym som ytterligare återspeglar de valda känslorna.

Moderna danser fortsätter att vara en relevant och levande konstform på 2000-talet. Dess förenande kännetecken är dess svar på den tid i vilken den skapas, dess motstånd mot tidigare traditioner och dess ständiga omvärdering av dess relevans och betydelse. Den moderna dansens traditioner och tekniker fortsätter att utvecklas i takt med att nya begåvade konstnärer ändrar reglerna.

En sådan förändring är hälsosam. En konstform kan bara växa när nya idéer och uttryckssätt kommer in i den!

Modern dance har och kommer alltid att handla om den värld vi lever i,

och reflekterar allt som världen omfattar i form av rörelse.