• Ornette Coleman

Ritenuto uno dei fondatori del free jazz, Coleman possedeva una voce improvvisativa unica.

L’arrivo del suo quartetto a New York, con una residenza molto discussa al Five Spot, fu enormemente controverso, e il suono del gruppo era diverso da qualsiasi altro che era venuto prima di lui.

Il quartetto avrebbe suonato uno dei temi memorabili di Ornette come ‘head in’ all’inizio, e ‘head out’ alla fine, proprio come farebbe una normale jazz band. Tuttavia, gli assoli improvvisati tra queste melodie facevano a meno dei cambi di accordo e della forma, in una tecnica conosciuta come ‘time, no changes’.

Nonostante la natura radicale di questo modo di suonare, la musica è swingante, bluesy e molto informata dalla storia del jazz.

Coleman avrebbe poi sperimentato altri strumenti, suonando la tromba e il violino oltre al sassofono. Si riferiva al suo approccio e alla sua filosofia come “harmolodics”, anche se il significato pratico esatto di questo è un po’ misterioso.

Raccomandato l’album Ornette Coleman: The Shape of Jazz to Come

Rilasciato nel 1959, questo è l’album più famoso di Coleman e, in brani come ‘Peace’ e ‘Lonely Woman’, contiene alcune delle sue composizioni più durature.

La reazione al quartetto di Coleman fu mista, con alcuni critici che salutarono una nuova direzione rivoluzionaria nel jazz, mentre i detrattori di alto profilo includevano Miles Davis e Charles Mingus.

Ornette era autodidatta e non poteva essere considerato un virtuoso scolarizzato in senso tradizionale, ma il suo suono da contralto piangente è profondamente espressivo e le melodie da lui composte sono innegabilmente forti.

The Shape of Jazz To Come presenta il suo classico primo quartetto con Billy Higgins (che sarebbe poi stato sostituito da Ed Blackwell) alla batteria, Charlie Haden al contrabbasso e Don Cherry, probabilmente il più importante collaboratore di Ornette, alla cornetta.

L’album Free Jazz di Coleman del 1961 ha dato il nome al movimento.

• Eric Dolphy

Multistrumentista, Dolphy è conosciuto soprattutto come sassofonista contralto e per essere stato uno dei primi musicisti a suonare il clarinetto basso in un ambiente jazz.

Inizialmente radicato nel bebop – esiste una registrazione privata di lui che si esercita con il grande trombettista Clifford Brown – si interessa all’avanguardia, il suo modo di suonare è caratterizzato da un tono un po’ selvaggio e da ampi intervalli che possono essere stati influenzati dalla musica classica contemporanea.

Tristemente, morì a soli 36 anni mentre era in tournée in Germania, essendo caduto in coma a causa di un diabete non diagnosticato.

Come sideman suonò in importanti album di John Coltrane, Charles Mingus e Oliver Nelson.

Raccomandato album di Eric Dolphy: Out To Lunch

Tutti i musicisti di questo album del 1964 avevano un serio pedigree jazz – specialmente il trombettista Freddie Hubbard, che forse è considerato più un giocatore hard bop – ma questo è uno dei dischi più lungimiranti del catalogo Blue Note degli anni ’60.

La combinazione del clarinetto basso di Dolphy con il vibrafono di Bobby Hutcherson è un suono particolarmente caratteristico.

Il batterista Tony Williams (incluso in questa lista dei migliori batteristi della storia del jazz) aveva appena compiuto 18 anni e aveva da poco iniziato il suo periodo con il Second Great Miles Davis Quintet.

• John Coltrane

Musicista che non ha bisogno di presentazioni, il caratteristico suono del sassofono tenore di Coltrane fu ascoltato in una serie di contesti stilistici negli anni ’50 e ’60, sia come bandleader che come sideman.

L’hard bop del First Great Miles Davis Quintet e del suo Blue Train fu seguito dal nuovo approccio modale di Milestones e Kind of Blue e poi dall’armonia complessa e veloce di composizioni come Giant Steps e Countdown.

Il suo quartetto classico, che produsse A Love Supreme, suonò un intenso jazz modale con una dimensione sempre più spirituale, che accennava alla direzione più libera che la musica di Coltrane avrebbe preso negli ultimi due anni della sua vita.

Dal 1965 fino alla sua morte per cancro al fegato nel 1967 la sua musica fu spesso interamente improvvisata, rinunciando a sequenze di accordi e tempi organizzati.

Le sue ultime registrazioni lo vedono collaborare con musicisti come la pianista e arpista Alice Coltrane (che sposò nel 1965), i sassofonisti Archie Shepp e Pharoah Sanders, e il batterista Rashied Ali, con cui registrò l’album in duo Interstellar Space.

Raccomandato album di John Coltrane: Ascension

Considerato un momento spartiacque nella carriera di Coltrane, questo segnò il suo spostamento verso il free jazz e l’allontanamento dal suo classico formato di quartetto con McCoy Tyner, Jimmy Garrison ed Elvin Jones.

La band di 11 elementi alterna passaggi d’insieme più strutturati a sezioni soliste che sono essenzialmente libere, con i solisti che ricevono informazioni armoniche scheletriche, più l’istruzione di finire con un crescendo.

Il lavoro di Coltrane ha continuato a costruire sulla dissonanza ruggente che si sente qui, e i suoi ultimi album continuano a dividere le opinioni tra i fan e i critici.

• Alice Coltrane

Nata Alice McLeod a Detroit, Michigan, ha lavorato come pianista jazz in vari ambienti straight-ahead e swinging, incluso con Lucky Thompson, Kenny Clarke e il quartetto del vibrafonista Terry Gibbs.

Dopo aver incontrato John Coltrane le vite e la musica della coppia divennero più apertamente spirituali, e lei sostituì McCoy Tyner come pianista nella band di John nel 1966 quando la sua musica abbracciò forme più libere.

Dopo la morte del marito iniziò a registrare come leader.

Ora si sente all’arpa come al piano &all’organo, e accompagnata da lussureggianti arrangiamenti di archi e grandi ensemble, questi suoni cosmici si sono dimostrati molto influenti.

Raccomandato l’album di Alice Coltrane: Universal Consciousness

Questa registrazione del 1971 è il quinto album da solista di Alice Coltrane, con la bandleader che suona l’arpa, l’organo e contribuisce con arrangiamenti di archi.

La musica mistica e altamente spirituale combina elementi di jazz modale, improvvisazione libera e composizione più strutturata. Un saggio su “100 Records That Set The World On Fire” in The Wire afferma che Universal Consciousness “si connette chiaramente ad altre tradizioni di jazz dispeptico – il trio d’organo, i solisti con gli archi – eppure li proietta nello spazio esterno, nell’antico Egitto, nel Gange, nel grande oltre.”

• Cecil Taylor

Un altro importante pioniere del free jazz americano, Cecil Taylor era noto per il suo pianismo radicale e percussivo e, come Ornette Coleman, suonava forme altamente sperimentali di jazz già alla fine degli anni ’50 a New York.

Di formazione classica, mostrava l’influenza di compositori europei moderni come Bela Bartók e Karlheinz Stockhausen.

L’album Coltrane Time del 1959 (inizialmente pubblicato sotto il nome di Taylor come Stereo Drive) è un ascolto strano, con lo stile atonale del pianista che contrasta estremamente con una band che, essendo stata messa insieme dalla casa discografica, presenta giocatori più conservatori come il trombettista Kenny Dorham su un programma di standard.

In seguito, guidando le proprie band, fu riconosciuto come un importante musicista americano, esibendosi nelle principali sale da concerto e vincendo vari premi e borse di studio di alto profilo. Scrisse anche musica per la danza e incorporò la sua poesia nelle sue performance musicali.

Raccomandato l’album di Cecil Taylor: Unit Structures

Questo album del 1966 fu il debutto di Taylor per la Blue Note Records. Uno dei più intensi album dei primi anni del free jazz, è grande sulla dissonanza atonale, pesanti gruppi di accordi e complessi poliritmi, suonati da un settetto che include due contrabbassisti: certamente non è un ascolto facile, ma è ora considerato uno dei dischi più importanti del decennio.

Un saggio di Taylor, Sound Structure of Subculture Becoming Major Breath/Naked Fire Gesture, accompagna l’album.

• Albert Ayler

Dopo aver inizialmente suonato R&B, le registrazioni free jazz di Albert Ayler degli anni ’60 danno priorità all’espressione pura e cruda. Inizialmente fu il mentore di John Coltrane, facendo musica apertamente spirituale e rivolgendosi a Coltrane per un aiuto finanziario quando era indigente, ma le registrazioni successive del vecchio sassofonista furono a loro volta pesantemente influenzate da Ayler.

Infatti, Ayler affermò che “Trane era il padre. Pharoah era il figlio. Io ero lo spirito santo.”

Durante la sua vita è stato talvolta accusato di ciarlataneria e ha avuto poco successo commerciale. Tuttavia, alla fine si è dimostrato molto influente su una moltitudine di musicisti nel mondo del free jazz e dell’improvvisazione, e su vari stili di rock sperimentale e ‘noise’.

Raccomandato album di Albert Ayler: Spiritual Unity

Questo album del 1964 vede il sassofonista tenore in compagnia di Sunny Murray – un pioniere del drumming free jazz – e del bassista Gary Peacock, che ha anche suonato in ambienti di trio jazz più convenzionali con Bill Evans e Keith Jarrett.

Il trio raramente si attiene a un tempo rigido e c’è un alto grado di interazione di gruppo in gioco. Ayler si lamenta attraverso il suo sassofono, utilizzando le estremità dello strumento e tecniche estese, compresi i microtoni.

L’album presenta due interpretazioni dell’orecchiabile inno Ghosts, un inno dell’avanguardia degli anni ’60. Per tutto il radicalismo e il caos di Ayler, la sua musica contiene anche melodie cantabili ed elementi della musica di chiesa e del blues.

• Sun Ra

La musica altamente idiosincratica di Sun Ra attinge a tutta la storia del jazz – dal ragtime, i suoni di New Orleans, il bebop, il jazz modale, la fusion e il free jazz – per creare un mondo sonoro cosmico che è stato valorizzato dalle sue performance dal vivo altamente teatrali.

Nato Herman Poole Blount, adottò il nome Le Sony’r Ra, poi abbreviato in Sun Ra.

Considerato un pioniere dell’estetica afrofuturista, sosteneva di essere un alieno in missione da Saturno. È meglio conosciuto per aver guidato l’Arkestra, nella quale è stato uno dei primi ad adottare le tastiere elettriche e i sintetizzatori.

Sun Ra è morto nel 1993, ma la band, che ha sempre avuto un cast di musicisti a rotazione, continua a fare tour sotto la guida del suo discepolo di lunga data, il sassofonista Marshall Allen. Sono noti per indossare elaborati costumi ispirati all’Antico Egitto e all’Era Spaziale.

Raccomandato album di Sun Ra: Space is the Place

Sun Ra ha lasciato un’enorme discografia, anche se molte delle sue prime registrazioni erano sforzi autoprodotti che venivano stampati solo in piccoli lotti; molti non elencavano nemmeno i nomi dei brani o dei musicisti presenti!

Da non confondere con l’album della colonna sonora dell’omonimo film del 1974, il grande ensemble di questa registrazione del 1972 include i membri dell’Arkestra di lunga data Marshall Allen, John Gilmore e Pat Patrick.

L’ipnotica traccia del titolo, simile a un canto, è uno dei maggiori successi della band.

• Anthony Braxton

Uno dei molti musicisti degni di nota emersi dall’Association for the Advancement of Creative Musicians (AACM), il gruppo educativo & di Chicago, il sassofonista Anthony Braxton avrebbe vinto un ‘Genius Grant’ della Fondazione MacArthur (1994) e sarebbe stato nominato National Endowment for the Arts Jazz Master (2004).

La sua enorme discografia spazia dalla composizione d’avanguardia, alla scrittura per orchestra e opera, alle interpretazioni di sinistra di standard jazz e della musica di Charlie Parker e della scuola di Tristano.

Ha anche suonato in gruppi guidati da grandi del jazz come Chick Corea e Dave Holland, con cui ha registrato il seminale Conference of the Birds, sebbene abbia preso le distanze dalla parola ‘jazz’.

Raccomandato album di Anthony Braxton: 3 Compositions of New Jazz

Il debutto del 1968 di Braxton lo presenta insieme ad altre tre figure incredibilmente importanti dell’avanguardia americana, tutte provenienti da Chicago e con legami con l’AACM: il violinista Leroy Jenkins, il trombettista Wadada Leo Smith e Muhal Richard Abrahams, anche se tutti e quattro si sentono qui su una serie di strumenti. T

Due dei tre brani sperimentali sono intitolati con diagrammi, cosa per cui Braxton è noto. Il suo successivo disco For Alto (1969) è il primo album interamente per sassofono solo.

• Archie Shepp

Il sassofonista tenore Archie Shepp irruppe sulla nascente scena del jazz d’avanguardia nella New York degli anni 60 con apparizioni in gruppi di alto profilo guidati da Cecil Taylor e John Coltrane.

Insieme al collega tenore Pharoah Sanders, fu all’avanguardia di un movimento che prese influenza da varie culture e tradizioni africane.

È stato coinvolto nella lotta per i diritti civili, e ha anche scritto ed eseguito poesie e spoken word.

Sebbene sia principalmente associato ad un marchio afrocentrico di free jazz, ha anche suonato repertorio tratto da R&B, blues e spirituals, e ha registrato album di tributo a Charlie Parker e Sidney Bechet.

Raccomandato album di Archie Shepp: The Magic of Ju-Ju

Questo fu il decimo album di Shepp come bandleader fu il suo ottavo per Impulse! l’etichetta discografica che produsse molti dei dischi più importanti dell’avanguardia americana degli anni ’60.

L’epica traccia di apertura di questa sessione del 1967 vede il suo tenore appassionato che ringhia sopra una pulsante batteria africana, in un ensemble che include cinque percussionisti.

• Peter Brötzmann

Il sassofonista e clarinettista tedesco Peter Brötzmann fu uno dei primi musicisti europei ad abbracciare le nuove sonorità free jazz della metà degli anni ’60, poiché i pionieri americani di questa forma trovarono una risposta più calorosa quando andavano in tour in Europa che negli Stati Uniti.

Il suono brutale del tenore di Brötzmann si ispira principalmente ad Albert Ayler e, dopo essere apparso su oltre 100 album, continua a fare tour e registrazioni. Inizialmente si è formato come artista visivo e ha disegnato le copertine della maggior parte dei suoi album.

Raccomandato album di Peter Brötzmann: Nipples

Questo album del 1968 presenta Brötzmann in un potente sestetto di giganti dell’avanguardia europea, tra cui il batterista olandese Han Bennink e gli inglesi Derek Bailey ed Evan Parker, rispettivamente alla chitarra e al sassofono tenore.

La recensione di Scott Hreha di Pitchfork paragona la musica al “suono della carne strappata da un insieme di ossa sottili”

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