Gli anni ’80 sono stati un decennio cruciale al cinema. L’era dei blockbuster sbocciò e i franchise iniziarono a fiorire. Le commedie provocavano lacrime, i drammi provocavano pensieri. C’erano voci nel grano e assolutamente nessun gatto in America. I film degli anni ’80 erano anche eminentemente citabili, dalle battute finali alle scioccanti rivelazioni del terzo atto e oltre. Queste citazioni dei film degli anni ’80 sono impresse nei cuori e nelle anime dei ragazzi degli anni ’80 ovunque.

La performance di Faye Dunaway nel ruolo di Joan Crawford, tirannica star del cinema e madre in Mommie Dearest del 1981, è una delle più terrificanti e indelebili interpretazioni sullo schermo di sempre. Si muove in punta di piedi tra una brillantezza esagerata e un fallimento macabro. La sua esplosione di rabbia nei confronti della figlia per aver usato delle comuni grucce di ferro è una battuta che ha definito la carriera di due attrici.

Se pensate che la battuta sia “Luke, io sono tuo padre”, dovete cercare i DVD della trilogia di Star Wars sul vostro scaffale e dare un’altra occhiata. Ma non importa quale fosse la formulazione precisa, la rivelazione che il cattivo definitivo della galassia era il padre del suo più grande eroe ha mandato onde d’urto attraverso il pubblico cinematografico. Ogni colpo di scena alla fine di un film ha rincorso la confessione di paternità di Darth Vader (James Earl Jones) da allora.

Prendere una sola battuta dal famoso Airplane è un compito quasi impossibile. O lo sarebbe se l’immacolata espressione di Leslie Nielsen in risposta alla domanda “Surely you can’t be serious!” non facesse risaltare questa battuta al di sopra di tutte le altre.

Quello che rende una battuta come “E.T. phone home” così grande è quante emozioni diverse evoca. La prima volta che la dice, c’è la meraviglia di questa piccola creatura aliena che parla. La seconda volta che lo dice – dopo che tutti pensavamo che fosse morto – è il momento più emozionante, che ispira in parti uguali eccitazione e lacrime. Il film di Steven Spielberg dipende dal fatto che il pubblico formi un legame con E.T., e quell’unica battuta lo suggella davvero.

Il panico e la rabbia materna che Shirley MacLaine trasmette quando rimprovera il personale dell’ospedale di dare a sua figlia (Debra Winger) degli antidolorifici mentre sta morendo in ospedale va contro la reputazione del film come un pianto da cinque matasse. Nelle mani esperte di MacLaine (che ha vinto un Oscar per questa interpretazione), il momento è divertente e straziante allo stesso tempo.

Celie (Whoopi Goldberg) finalmente tiene testa al signore violento (Danny Glover) a tavola, puntandogli un coltello alla gola e maledicendolo. È un momento a lungo atteso per Celie, che si riprende il suo potere e promette solo rovina all’uomo che l’ha tenuta a terra per così tanto tempo.

La visione comica del regista James L. Brooks di un’industria dell’informazione televisiva che cambia – passando dalla sostanza sudicia allo stile appariscente – è piena di grandi battute. Ma questa, in cui Holly Hunter risponde a un insulto con sincera autocommiserazione, è allo stesso tempo deliziosamente divertente e intelligentemente tagliente.

Il trionfo assoluto di Cher culminò con un Academy Award, e anche con l’immortalità della sua frase simbolo del film. I fan di Cher, i fan del film e anche le persone che non hanno mai visto il film conoscono il suono di quello schiaffo, seguito dal suo iconico “Snap out of it!”. Le povere facce ignare dei sognatori malinconici non sarebbero più state al sicuro dopo Moonstruck.

Il regista di animazione Don Bluth fu momentaneamente un rivale della Disney alla fine degli anni ’80 con film come An American Tail, che raccontava la storia degli ebrei russi che immigravano negli Stati Uniti per sfuggire ai pogrom attraverso l’allegoria dei topi che immigrano negli Stati Uniti per sfuggire ai gatti. Sulla barca che attraversa l’oceano, Papa Mousekewitz (Nehemiah Persoff) canta la promessa di un’America dorata e accogliente, dove saranno finalmente al sicuro dai gatti, e anche le strade sono lastricate di formaggio.

Sì, sì, le parole che probabilmente vi vengono in mente per prime quando pensate a Field of Dreams sono: “Se lo costruite, lui verrà”. Queste parole, pronunciate da una voce invisibile a Ray Kinsella (Kevin Costner), lo ispirano ad arare sotto il suo campo di mais dell’Iowa e a costruire un campo da baseball dove gli spiriti dei giocatori di baseball morti (spesso scandalosi) possano tornare e giocare di nuovo. Ma il momento della verità per il film arriva proprio alla fine, quando Ray individua un giocatore e lo riconosce come suo padre. Con le ultime parole del film, Ray trova il coraggio di chiedere a suo padre di giocare a baseball. Cue the waterworks.

Dopo che Marty McFly (Michael J. Fox) completa le sue avventure nel 1955 e torna davvero nel futuro, incontra il suo vecchio amico Doc Brown (Christopher Lloyd) un’ultima volta prima dei titoli di coda. Doc è stato nel futuro, e quando ritorna, la sua fidata DeLorean ha subito alcuni aggiornamenti. Pochi film degli anni ’80 hanno fatto gridare il pubblico al sequel in modo più affidabile di Ritorno al futuro, con Doc e Marty e la loro macchina volante.

Il desiderio di un bambino espresso in un (certamente inquietante) gioco di carnevale isolato è ciò che mette in moto questa commedia di Penny Marshall del 1988. Quando il giovane Josh Baskin si sveglia la mattina dopo il suo desiderio, è interpretato da Tom Hanks, un bambino nel corpo di un adulto. Seguono tante buffonate divertenti, ma è quel semplice, lamentoso, oh, così relazionabile desiderio che si sofferma.

La battuta più famosa di When Harry Met Sally, scritto da Nora Ephron e diretto da Rob Reiner, non è pronunciata dal dolcemente sciovinista Harry di Billy Crystal né dalla pignola Sally di Meg Ryan. Invece, viene dalla madre di Reiner, che interpreta una cliente in una scena di una tavola calda che – dopo che Sally ha finito di dimostrare una performance incredibilmente convincente di come una donna possa fingere il piacere – si rivolge semplicemente al suo cameriere e chiede quello che Sally sta prendendo. E così è nato uno dei grandi one-liner di tutta la commedia cinematografica.

La versione cinematografica del popolare gioco da tavolo Clue, che fa ridere a crepapelle, aveva un cast perfetto: Tim Curry, Lesley Ann Warren, Martin Mull, Eileen Brennan, Michael McKean, Christopher Lloyd-ma fu la grande Madeline Kahn a mandare il film nell’immortalità con il suo balbettante monologo sul suo odio incandescente per Yvette la cameriera (Colleen Camp).

L’attore R. Lee Ermey trascorre la prima metà della visione da incubo della guerra del Vietnam di Stanley Kubrick abbaiando una ridicola serie di ordini e invettive profane ai soldati che addestra. Quando finalmente spinge un particolare soldato (Vincent D’Onofrio) oltre il limite al punto da minacciare una rappresaglia armata, il ricorso di Ermey non è quello di tirarsi indietro, ma di aumentare gli abusi. Non una grande idea, come si scopre.

Glenn Close interpreta una donna che porta avanti una relazione con un Michael Douglas sposato, solo per avere lui che si tira indietro e si allontana da lei, cosa a cui lei risponde con violenta ossessione. La performance della Close lavora duramente per bilanciare i tropi della “ex fidanzata pazza”; la sua consegna sulla citazione di cui sopra è tanto giusta quanto minacciosa.

Il film del regista Ivan Reitman su un quartetto di sterminatori di spettri nella New York degli anni ’80 culmina con un’evasione di mostri dalla loro struttura di contenimento. Il risultato? Caos, panico, i vivi che comunicano con i morti e, come riassume iperbolicamente il Peter Venkman di Bill Murray, tutte le leggi della natura e della realtà vengono sconvolte. Cani e gatti! Insieme!

Le probabilità di incontrare qualcuno che abbia visto Shining di Stanley Kubrick e che non abbia tentato almeno una volta di recitare la battuta tipica di Jack Nicholson sono molto alte. La battuta arriva quando è a metà strada nel buttare giù la porta del bagno, cercando di uccidere sua moglie e suo figlio. Non sono sicuro di come Johnny Carson abbia sentito l’associazione.

Il monologo finale di Brian il cervello (Anthony Michael Hall) è la perfetta incapsulazione dell’angoscia adolescenziale. Questi cinque adolescenti disparati passano un sabato pomeriggio nella biblioteca della scuola e scoprono di avere un terreno comune (soprattutto l’odio per i loro genitori!) – e, in un bacio finale al preside, la lezione che imparano è che gli adulti non li capiranno mai veramente.

L’adolescente assenteista più famoso della cultura pop si prende una pausa dal giro di Chicago con l’auto del padre del suo amico e dal canto in bocca in una parata per rivolgersi al pubblico e offrire un consiglio gratuito. Potete ringraziare Ferris (Matthew Broderick) per ogni tweet “la vita ti arriva addosso velocemente” che incontrate.

Solo tre piccole parole che normalmente non suonano come una minaccia a meno che non siano pronunciate da un muro di due metri di muscoli austriaci che si è appena teletrasportato dal futuro per uccidere una futura mamma. L’effetto piatto e privo di emozioni di Arnold Schwarzenegger era la perfetta consegna minacciosa. E come bonus, si scopre che aveva ragione, se cinque sequel di Terminator e il conto alla rovescia sono un’indicazione.

Tom Cruise e Anthony Edwards come amici piloti nel loro programma di addestramento d’elite della Marina sono l’amicizia centrale di uno dei maggiori successi degli anni ’80. Insieme, hanno dato a Top Gun esattamente ciò di cui aveva bisogno, oltre al suo enorme bottino al botteghino e al fascino delle stelle del cinema: un tormentone che si sarebbe impennato ben oltre la fine degli anni ’80, fino alla zona di pericolo (che è quella che noi chiamiamo anni ’90).

La frase è stata imitata, duplicata, presa in prestito, ripresa e parodiata per decenni. Al Pacino nei panni del re della cocaina Tony Montana presenta ai suoi nemici il suo “piccolo amico”, che ovviamente è la sua mitragliatrice. Ne seguì una carneficina e centinaia di poster per dormitori.

Il ripetuto avvertimento al giovane Ralphie (Peter Billingsley) nel duraturo classico di Natale diventa più divertente ogni volta che viene ripetuto. Tutto quello che il giovane ragazzo occhialuto voleva era un fucile ad aria compressa ufficiale Red Ryder, a carabina, con duecento colpi, modello da tiro. Peccato che ogni adulto nella sua vita, incluso un Babbo Natale del centro commerciale, gli abbia detto che era troppo pericoloso.

Con queste parole, Patrick Swayze salva Jennifer Grey dal suo padre iperprotettivo e la porta sulla pista da ballo per stupire quei tipi rigidi delle Catskills con alcune mosse coreografate da esperti.

Si potrebbe trovare piuttosto inconcepibile che questa sia la battuta più memorabile di The Princess Bride, un film praticamente stracolmo di battute esilaranti. Ma Mandy Patinkin come Inigo Montoya è brillantemente impegnato e feroce quando Inigo affronta l’uomo con sei dita che ha ucciso suo padre.

Una battuta come questa è memorabile solo se è pronunciata nella circostanza perfetta dal personaggio perfetto. In altre parole, una bambina (Heather O’Rourke) che fissa l’elettricità statica sul televisore – l’unica che sa che gli spiriti maligni che infestano la casa sono qui per giocare. È un momento supremamente raccapricciante in uno dei film horror caratteristici del decennio.

Jeff Goldblum che si trasforma costantemente in una mosca umana nel corso del film di David Cronenberg è sia disgustoso che terrificante. Per fortuna, non dobbiamo preoccuparci di quale sia la reazione appropriata, perché Ronnie (Geena Davis) lo dice chiaramente: abbiate paura.

Michael Douglas ha vinto un Academy Award per aver interpretato Gordon Gekko, avatar dell’avidità aziendale degli anni ’80. L’interpretazione è una delle migliori del decennio. L’interpretazione è una delle creazioni simbolo del decennio, e il suo ethos mostruosamente semplice – spesso parafrasato con l’ancor più semplice “l’avidità è buona” – ha avuto un’eco negli anni successivi.

Ossie Davis pronuncia la battuta del titolo del film incendiario di Spike Lee del 1989. La frase è detta come un consiglio dato all’impiegato della pizzeria Mookie (Lee), anche se la sua semplicità ironica diventa evidente solo alla fine del film.