Ci sono molti bei termini francesi e italiani per diverse tecniche d’arco. I testi hanno spiegazioni di ciascuno dei diversi colpi d’arco, ma queste spiegazioni variano da eccellenti a confuse a semplicemente contraddittorie (basta cercare su google détaché). Questi termini si riferiscono a cose che la sezione fa “sotto il cofano”. Come orchestratore, è importante capirli, perché sono i rudimenti del suonare gli archi. Ricorda che alla fine, comunque, la cosa importante è sapere come annotare il tuo intento; la sezione si occuperà della tecnica.

Quando si parla di tecnica dell’arco è importante notare che diversi termini che i musicisti usano per descrivere un colpo sono anche termini usati in notazione; tuttavia, hanno un significato leggermente diverso in questo caso. I due principali a cui fare attenzione sono staccato e legato, che saranno discussi in questa sezione.

Il default per l’arco è quello di suonare sulla corda e cambiare direzione ad ogni nota.

Note lunghe
Le note lunghe sono suonate sulla corda, o stenografate, il che significa che tra le note l’arco non lascia la corda, ma piuttosto mantiene il contatto. L’arco cambierà direzione per ogni nuova nota. Se volete più di una nota per colpo, usate una legatura per designare quante note devono cadere sotto ogni arco.

Quante note potete scrivere per arco dipende da diverse variabili. Alcune non sono negoziabili; per esempio, a dinamiche forti l’arco deve muoversi più velocemente per mantenere un tono pieno, quindi sono possibili meno note. Quando la dinamica è morbida, si possono suonare molte più note e il numero di cambi e la velocità dell’arco possono creare dei bei colori. Guardate un arco di sezione; la velocità cambia continuamente e questo è ciò che dà vita alla frase. C’è una terza variabile: il posizionamento. I suonatori metteranno l’arco in posizioni leggermente diverse sulla corda per produrre suoni diversi. Gli estremi sono sul ponticello e sul tasto, ma ci sono molte piccole variazioni nel mezzo che, combinate con la velocità e la pressione, danno ad ogni nota un suono unico.

La ragione per cui i campioni non hanno “vita” è che ogni nota è registrata a velocità e pressioni simili, quindi non c’è relazione tra tecnica e contesto musicale.

Note brevi
Il default è ancora suonare sulla corda. Se volete che il suono sia pesante e sulla corda, potete etichettarlo come marcato. Marcato è un termine che si riferisce all’attacco; per le corde viene eseguito con il colpo martelé. Le note iniziano sulla corda e hanno un grande attacco dovuto alla pressione extra applicata. Si noti che marcato non significa necessariamente corto; riguarda l’attacco, e a causa della fisica di come viene eseguito, le note avranno una separazione, e quindi per default saranno più corte. Una serie di ottavi di marcato darà l’impressione di essere staccato. E’ importante rendersi conto della distinzione però, e capire che un normale arco corto sulla corda è chiamato arco staccato.

L’alternativa all’arco sulla corda è, naturalmente, l’arco fuori dalla corda. Questo è dove l’arco lascia la corda tra le note. L’esempio più comune di uno stile d’arco fuori dalla corda è lo spiccato. Un malinteso comune è che lo spiccato stesso sia il modo in cui si etichetta un passaggio come fuori dalla corda. Non è così. E’ solo un particolare stile di archeggio fuori dalla corda. Comunque, se si usa quella parola e forse non è il colpo corretto per la frase, i suonatori faranno ciò che sanno fare meglio e adatteranno il loro colpo d’arco al contesto musicale corrente.

Credo che il malinteso e l’uso improprio dei termini marcato e spiccato sia dovuto a certe librerie di archi che usano questi nomi per le loro patch di note brevi. Nel mondo reale è impossibile suonare lo spiccato così forte e pesante come suona in queste patch, e come detto sopra, storicamente il marcato è un tipo di attacco, non la durata.

‘Off-ish’
Lo spiccato è un colpo d’arco molto utile e comune, ma se si guarda alla fisica di esso, non è utile per attacchi più pesanti e dinamiche più forti. Per questi abbiamo bisogno di più contatto con la corda e il rimbalzo dell’arco non lo permette. Ma vogliamo comunque che l’archetto si stacchi tra una nota e l’altra, anche se è molto leggero. Questo è un colpo che sta tra uno spiccato e un marcato. Non se ne parla spesso, ma se guardate una sezione, vedrete che è ciò che accade naturalmente quando devono suonare note brevi e pesanti. Ho anche notato che anche quando gli si chiede di suonare sulla corda, quando la musica diventa veloce e forte, succede la stessa cosa e gravitano su questo stesso colpo, l’arco sembra sollevarsi un po’ mentre cambia direzione. Spesso lo fanno anche per chiarezza. Nel violoncello e nel basso, suonare velocemente sulla corda non proietta e non viene fuori così bene come nel violino.

Sotto pressione: Guardando l’arco(ie)

Nota come ho arcuato la frase precedente. Anche se non ho segnato un crescendo, ci sarà un leggero crescendo quando la velocità dell’arco e l’enfasi cambiano e il suono diventa più intenso. Se segnassi questo come un crescendo, vorrei anche lo stesso tipo di arco. Più forte è il suono, più velocemente l’arco deve viaggiare per mantenere un tono di qualità. Se fosse un grande crescendo e non l’avessi segnato in questo modo, andrebbero automaticamente ad almeno due archi per battuta man mano che la musica diventa più forte.

Ci sono così tante sottili differenze nel suono che si possono fare quando si pensa all’arco.

Ecco Endre Granate che dimostra questi colpi.

L’inchino non segue sempre la frase, ma come si inarca fa la frase.

1. C’è una scuola di pensiero che dice che si dovrebbe usare una lunga legatura come segno di frase e la sezione risolverà il problema. Sì, possono risolvere qualcosa, ma otterrete il risultato che VOI volete se vi prendete il tempo di scodellare il passaggio da soli. In questo caso, il preside deciderà come arcuare. Ma loro non conoscono la musica o quanto intenso vorrei ogni nota.
2. Questo è il modo in cui probabilmente lo suonerebbero, iniziando con un arco in alto, naturalmente. Potrebbero anche legare il Do all’Ab. Ogni battuta usa la stessa quantità di arco, e il suono sarà coerente.
3. Come potrei farlo io. Questo darà alla frase molta più vita rispetto all’arco uniforme di #2. Più note, più lento è l’arco ma più pressione viene applicata. Meno note o note singole portano l’arco a muoversi più velocemente con meno pressione, dando una diversa intensità e un bel fraseggio. Così, mentre la sezione userà un arco intero per coprire le sei battute dell’Ab e del G, useranno da metà a tre quarti solo per il Eb. Questo è ciò che rende la musica magica, e perché i campioni hanno difficoltà a sostituire l’emozione di una sezione reale.

Tenete a mente che anche se le note possono essere slurrate, ci sono spesso posti dove i musicisti dovranno cambiare le corde. Queste note non avranno il suono ‘stonato’ perché la nuova corda non vibrerà prima che inizi la nota successiva. I suonatori possono aggirare questo problema in molti casi suonando la linea in una posizione che eviti il cambio di corda, ma se l’intervallo è ampio, questo potrebbe non essere possibile. Si tratta di un effetto molto sottile, e i buoni suonatori saranno quasi in grado di mascherarlo, ma è comunque qualcosa a cui pensare.

In realtà una buona sezione può cambiare la direzione dell’arco senza che tu lo sappia. Questo è molto facile sul violino, ma diventa più difficile sugli strumenti più grandi. Sul violino, la corda non si muove molto mentre vibra, ma sul basso si muove molto, quindi fermare e far partire la corda mentre l’arco cambia è più percettibile. Un buon leader di sezione farà in modo che la sezione mischi l’arco per evitare questo problema, specialmente nei passaggi tranquilli.

A volte non vorrete sentire alcun cambio d’arco, ma solo una linea completamente liscia e uniforme. Per ottenere questo effetto avrete bisogno che la sezione cambi di arco in momenti diversi. Questo può essere dettato scrivendo due schemi di archi sovrapposti, una serie di legature sopra e una sotto. Questo maschererà i cambiamenti ed è a volte indicato come “divisi bowing”. Negli studi spesso segniamo la frase con una lunga legatura e chiediamo alla sezione di “inchinarsi liberamente”. Quindi cambieranno arco in tempi diversi, non come un gruppo. Purtroppo ‘free bow’ non è un termine universale. Non ho trovato un modo comune per descrivere questa pratica, quindi spesso è necessario qualche chiarimento per evitare che la sezione si inchini tutta insieme. Se si scrive solo un segno di frase senza altre indicazioni, gli esecutori seguiranno il principale.

Come già detto, ci sono molte cose che influiscono su quante note possono (fisicamente) o dovrebbero (musicalmente) andare sotto ogni arco, e anche l’orchestratore più esperto non riesce a farlo sempre bene. Per nostra fortuna, stiamo scrivendo per esseri umani, non per computer. Loro possono fare chiamate di giudizio e adattare l’archetto per adattarlo alla situazione musicale. Quindi, se sbagliate, non preoccupatevi, state ancora dando alla sezione preziosi indizi su ciò che state cercando.

Guardare e ascoltare è il modo migliore per imparare ad usare l’archetto.

Articoli utili

a. Nessuna enfasi, nessuno spazio tra le note.
b. Leggera enfasi, spazio molto piccolo dovuto alla ricarica dell’arco per l’enfasi.
c. Distaccato, l’arco si ferma tra i colpi.
d. Attacco pesante con un calo fino a un piccolo spazio mentre l’arco si ricarica per l’attacco successivo. Si può aggiungere un tenuto per limitare lo spazio, ma l’accento sarà minore.
e. Louré, tutte le note sotto un arco. L’arco pulsa le note rallentando, rilasciando la pressione poi applicando e accelerando di nuovo.
f. Come sopra, ma l’arco fa una pausa tra una nota e l’altra.

Se volete un cambio d’arco extra morbido, segnatelo sostenuto. Questo è l’equivalente per le corde del legato su uno strumento a fiato.

Notazione
Come detto, il default è di suonare sulla corda, quindi non è richiesta alcuna notazione speciale se questo è ciò che vuoi. Ma ora entriamo nel territorio in cui i termini delle corde iniziano a significare una cosa per i suonatori, ma un’altra nella notazione. Staccato, quando è usato nella partitura, si riferisce alla lunghezza della nota e non significa necessariamente suonare il colpo d’arco staccato.

Si deve anche fare attenzione quando si usa la parola legato. Mentre generalmente significa solo collegare le note, è spesso interpretato come il significato di legare. In Europa il legato significa letteralmente legare. In realtà, se si va con il default e non si hanno marcature, si otterrà legato, che significa collegato ma non legatura.

Nei miei spartiti, se voglio che la corda sia staccata la segno in staccato (con punti o la parola stacc.). Preferisco usare la parola non i punti. È più pulito, più facile da cambiare se vogliamo suonarlo diversamente, e mantiene le note chiare per quando si vogliono aggiungere accenti. Guardate quanto meno disordinato appare il b. e come potrebbe essere cambiato in ‘sulla corda’ semplicemente togliendo la parola stacc.

Se le corde stanno suonando ottave a dinamiche leggere suoneranno spiccato e come la dinamica diventa più alta o è richiesta più intensità andranno nello stile ‘off-ish’ che ho descritto sopra. I suonatori adattano lo stile dell’arco alla dinamica e all’intensità della musica, e io non ho bisogno di microgestirli.

Se lo voglio pesante lo etichetto stacc. e marc. Se accentate ogni nota non avete modo di ottenere un accento quando lo volete davvero. Questo è l’equivalente notazionale del ‘gridare al lupo’.’

Raramente uso la parola ‘On’ o ‘Off’ in uno spartito; il default o la notazione sopra implica come dovrebbe essere suonato. Se avevo etichettato staccato e la sezione successiva non lo è, uso solo qualche tenuto o se si tratta di note ripetute, è sicuro usare il legato. Abbiate fiducia nei vostri musicisti. Se gli date un punto di partenza chiaro, poi ascolteranno anche ciò che è intorno a loro e verranno fuori con il colpo migliore per la situazione musicale. Spesso si finisce per avere una combinazione di colpi diversi. Questa miscela casuale, spesso involontaria, è ciò che dà vita alla musica, qualcosa che non può essere replicato con i campioni.

Queste semplici indicazioni mi hanno fatto superare centinaia di sessioni, dagli spunti più leggeri e felici alle battaglie con i boss più aggressivi.

Accenti
Gli accenti vengono eseguiti aggiungendo pressione, velocità e durata al contatto dell’arco e della corda. Nell’esempio qui sotto, le note accentate saranno un po’ più lunghe di quelle non accentate.

Questo suona molto naturale ed è facile da suonare a tempi lenti e medi, fino a 130 bpm circa. Ma quando diventa più veloce, o se si trattasse di sedicesimi, lo sforzo necessario per fare gli accenti può rendere difficile mantenere le note non accentate morbide e metriche. Quando sento questo problema in studio, faccio in modo che i musicisti pensino solo agli accenti. Ma è sempre bene pensare in anticipo e orchestrare intorno a questo problema.

Non si potrebbe pensare che un motivo come questo possa causare problemi, e forse per alcuni non è così, ma essendo un batterista, voglio che tutto sia il più uniforme e metrico possibile, e quando sento i violini suonare questo il tempo spinge e tira leggermente intorno agli accenti. Ci sono diverse soluzioni a questo problema. In questo caso, dato che le note accentate sono un’altezza diversa, sporgeranno comunque, così recentemente, quando questo problema si è presentato in una sessione, ho semplicemente fatto ignorare loro gli accenti. Ma immaginiamo che tutto sia della stessa altezza, o che il compositore voglia davvero grandi accenti. Ecco cosa si fa –

Ho tolto gli accenti dalla prima parte e i secondi suonano solo le note accentate. Non vi mancheranno i secondi su tutte le note, e i primi potranno effettivamente suonare più pesantemente ora, dato che non devono tenere conto degli accenti. Infine, anche il tempo sarà perfetto. Il prodotto finito suonerà molto meglio e sarà più facile da suonare. Se ci sono più degli archi nell’orchestra si potrebbero aggiungere anche dei fiati, forse un oboe con i secondi. Anche le percussioni possono aiutare. Infatti se avete percussioni e ottoni che colpiscono gli accenti, non ne avete affatto bisogno negli archi, poiché il risultato complessivo suonerà accentato.

L’indicazione della direzione e della posizione dell’arco
Il 99% delle volte non è necessario. I suonatori d’archi suonano da quando avevano quattro anni, e scegliere se iniziare con un arco verso l’alto o verso il basso è una seconda natura. In generale, se una frase inizia su una battuta debole (un pickup, per esempio) sarà un arco in su. Se inizia su una battuta forte, sarà un down, semplice. Le note lunghe a dinamiche morbide iniziano con un up-bow perché questo è il modo più semplice per iniziare in modo morbido. L’unica volta che è comune etichettare è quando si vuole una serie di attacchi pesanti, nel qual caso si segnano tutti gli archi in basso. In realtà, i suonatori sono abbastanza bravi in un attacco pesante in entrambe le direzioni, ma ciò che una serie di archi in giù fa è assicurare che ci sia uno spazio tra le note in quanto il suonatore deve riprendere tra ognuna di esse. Giocheranno anche alla rana. Più della metà delle volte che ho visto scrivere una serie di archi in giù è stata ignorata dai suonatori!

L’arco è tenuto alla rana, quindi questo è il posto più facile per il giocatore di esercitare la maggior pressione sulla corda. La punta è il punto più lontano dalla mano, quindi di conseguenza è il posto più facile per suonare con la minore pressione, producendo il tono più leggero. Alcuni orchestratori segnano di suonare sulla punta o sulla rana. Proprio come la direzione, ho scoperto che i suonatori tendono a scegliere la posizione migliore senza alcun input se non una dinamica. Suoneranno un tranquillo tremolo in punta, e una pugnalata alla rana, perché è una seconda natura. Ma se volete rompere questo default, allora segnatelo diversamente.

Styles
Ordinario (ord.) – Il default, usate ord. per cancellare qualsiasi delle seguenti cose. L’arco è in una posizione neutra, il ‘sweet spot’ tra la tastiera e il ponte. Questa non è una posizione fissa, poiché si sposta a seconda della lunghezza delle corde.

Sul Tasto – Sulla tastiera. L’arco suona sopra la fine della tastiera, producendo un tono più morbido con un attacco meno tagliente e meno armonici alti. Vedi sotto per ulteriori discussioni su questa tecnica.
Sul Ponticello (Sul Pont.) – Sul ponte. Suono opposto a quello di Sul Tasto. L’arco si sposta più vicino al ponte producendo un tono rauco e tagliente. C’è meno fondamentale e più armoniche alte nel suono. Se si va estremamente vicino al ponte si può perdere completamente la fondamentale e si otterranno solo armoniche.

Flautando – L’arco si muove più velocemente del normale con una pressione molto leggera producendo un tono puro, simile al flauto.

Col Legno – ‘Con il legno’. Ci sono due tipi di col legno. Tratto è dove si inchina la corda con la parte di legno dell’arco. Battuto è dove il legno colpisce la corda. L’impostazione predefinita è battuto. Tenete a mente che il suono dei campioni di col legno non viene mai replicato nel mondo reale. Ai suonatori non piace spaccare il loro arco da 10K$ contro il loro strumento da 200K$. A volte i suonatori potrebbero tirare fuori il loro 2° arco, non così prezioso, o ho sentito di persone che chiedono loro di suonare con righelli o pezzi di tassello. Non importa, colpiranno lo strumento ‘così’ forte con qualsiasi cosa. Nelle partiture in cui il compositore vuole un col legno forte e irrealistico, di solito usiamo solo i campioni e non proviamo nemmeno a suonarlo. Se il passaggio è solo qualche nota isolata, si può sostituire il piffero a scatto. Quando si tratta di Tratto, non fa quasi nessun rumore, e il rumore che fa non è molto acuto. Per farlo funzionare, i suonatori di solito lasciano un po’ di peli dell’archetto a contatto con la corda. Quella registrazione dove pensavate di aver sentito col legno tratto, forse no!

Ricochet e jeté sono colpi fuori corda dove l’arco suona più note in una direzione rimbalzando. Li ho trovati poco pratici per il lavoro in studio, a meno che non sia solo un effetto. I rimbalzi multipli a tempi medi e veloci non sono abbastanza precisi per ciò di cui abbiamo bisogno nella registrazione moderna. A volte sento un suonatore suggerirlo come un modo per suonare una figura veloce e leggera e gli chiederò gentilmente di suonarla con colpi separati.

La mano sinistra
A parte le note più basse sulla corda più bassa, e le note più alte sulla corda più alta, tutte le altre note possono essere suonate in più di una posizione. Più alta è la posizione sulla corda (entro certi limiti), più scuro e meno tagliente sarà il timbro. Questo può essere annotato: Sul G (‘sulla corda G’) i passaggi sono molto comuni sul violino, ma in molti altri casi questo è il tipo di chiamata di giudizio che un giocatore farà in base alla situazione musicale. Mentre questo non ha niente a che fare con l’arco, influisce sul suono poiché posizioni più alte significano corde più corte.

Sul Tasto – Not So Fasto
Ho notato dal podio che quando ai violini è stato chiesto di suonare sul tasto, spesso non sembrano suonare sopra la tastiera. Non è stato fino alla ricerca di questo articolo che ho imparato cosa stava realmente accadendo. Ci sono alcuni fattori tecnici e sonori da considerare quando si suona sopra la tastiera. Ho sentito diverse interpretazioni su ciò che accade quando gli esecutori vedono questa indicazione, ma una cosa è certa: sul tasto non è così semplice come i libri vorrebbero farvi pensare.

Nel caso del violino, le corde sono relativamente corte, quindi il “punto dolce” dove l’arco produce il miglior suono è abbastanza piccolo. Inoltre si sposta costantemente a seconda della posizione della mano. Man mano che le dita accorciano la corda, lo sweet spot si avvicina al ponte. Infatti quando si suona nella gamma più alta del violino, al fine di mantenere il rapporto corretto e quindi lo sweet spot, l’arco è effettivamente al ponte. Nelle posizioni più alte se si suona davvero sul tasto, le corde non vibrano bene. Ora stai inchinando troppo vicino al centro della corda ed è impossibile produrre un buon tono.

Ma c’è di più. Al ponte o nella posizione normale, le corde sono in un bell’arco che permette al suonatore di suonare qualsiasi corda senza toccare le altre con l’arco. Se state suonando in qualsiasi altra posizione che non sia la prima e l’archetto è vicino o sulla tastiera, premendo le corde si appiattisce questo arco e diventa molto più difficile (a volte impossibile) evitare di suonare le altre corde. Su alcuni violini, e anche sulla viola, è anche possibile che l’arco colpisca il corpo dello strumento quando si suona sulle corde esterne. Nella posizione normale, l’archetto cade proprio nell’incavo del corpo, ma quando ci si sposta sulla tastiera, la forma dello strumento non lavora più a proprio favore.

Il vero suono del sul tasto sul violino è un tono vaporoso, quasi sfocato. In molti casi, quello che stiamo veramente chiedendo con il tasto sul è un tono più morbido, meno tagliente. Alcuni lo chiamerebbero “muto”, ma il suono reale del suono con sordino e quello sul tasto non sono così vicini. Ci sono diversi modi per creare questo suono. I violinisti realizzano l’effetto sul tasto usando una combinazione di una leggera pressione dell’arco e una bassa velocità dell’arco. Possono effettivamente avvicinarsi alla tastiera a seconda dell’altezza, ma non sempre. Man mano che gli strumenti diventano più grandi, anche lo sweet spot diventa più grande, ed effettivamente suonare sulla tastiera non diventa affatto un problema. La viola ha alcuni problemi simili a quelli del violino, ma non ce ne sono sul violoncello o sul basso. Altre tecniche che i suonatori usano per fare un tono più morbido includono suonare in una posizione più alta su una corda più bassa e usare meno peli sulla corda.

In studio, i suonatori possono fare una chiamata di giudizio al fine di creare un suono più pieno che si fonde con gli altri strumenti e proietta bene per i microfoni, il tutto catturando l’essenza del sul tasto ed evitando le difficoltà tecniche.

Parla con i suonatori, e scoprirai una gamma di opinioni su questa tecnica. Nella sala da concerto, i violinisti cercheranno un sul tasto più letterale di quello che fanno in uno studio di registrazione. Come ha detto un suonatore, “cercherei di suonare un po’ sopra la tastiera, ma non così estremo come un direttore d’orchestra potrebbe voler vedere”. Lo stesso suonatore ha anche notato che lo strumento di ognuno è un po’ diverso, quindi anche il loro approccio potrebbe dover essere diverso. La situazione qui sembra essere simile a quella dei doppi stop o dei divisi, dove quello che succede realmente non è ancora filtrato agli autori dei libri di testo.

In base all’ambiente musicale, i suonatori possono suonare sul tasto (o fingere) senza che gli venga detto. In realtà, stanno sempre facendo piccoli aggiustamenti, poiché a seconda dell’altezza, del volume e del contesto, lo sweet spot può essere in un posto diverso per ogni nota. Ricordate, più alta è la nota sulla corda, più vicino al ponte sarà quello sweet spot.

Invece di chiamare la tecnica “sulla tastiera” una definizione migliore sarebbe “verso la tastiera”. Con tutto questo in mente, vedrete che sul tasto è un tipo di colore o effetto, e non necessariamente solo la tecnica dell’arco sopra la tastiera.

Ecco Endre Granat che discute e dimostra lo ‘sweet spot’, Sul Tasto e Sul Ponticello e Con Sordino.