Caro lettore, ho scritto molte volte che lo storytelling è uno dei fattori più importanti nella fotografia. Una foto senza una storia è solo una foto superficiale. Senza una storia, la fotografia non ha profondità.

Certo, ci sono immagini che sono belle da guardare. Le albe sopra l’oceano possono scaldare il cuore e fare bella figura al muro. Ma ti parlano? Raccontano una storia diversa da quella della bellezza?

Voglio dire, certo quelle sono belle immagini senza dubbio, ma per me sono tutte una specie di blob. Non sono nemmeno riuscito a distinguerne la maggior parte. Non mi rimangono impresse e non sarei in grado di ricordarle o tornare indietro, solo per trovare un altro dettaglio.

La fotografia documentaria, d’altra parte, è molto più di quello che si vede nella fotografia. L’immagine è solo il catalizzatore nell’innescare una reazione a catena che ti permette di creare una storia nella tua mente.

Queste storie sono ciò che le rende memorabili e iconiche.

Storie impressionanti ed emotive di persone, famiglie e società rimarranno interessanti per le generazioni future.

Creare storie

Un film medio ha 24 fotogrammi al secondo. Con una durata di circa 90 minuti, questo significa che il regista ha 129.600 fotogrammi per raccontare le sue storie.

129.600 fotogrammi per creare una storia dall’inizio alla fine. Dall’introduzione dei personaggi all’affrontare una sfida e infine risolvere il problema.

Quanto tempo ti servirebbe per fotografare 129.600 Street Photographs? Un mese, un anno o un decennio?

Un film ha il lusso di avere molto spazio per trasmettere una tragedia o far ridere il pubblico. Lo storytelling in fotografia ha spazio solo per un fotogramma.

In un solo fotogramma, il fotografo deve creare la stessa tensione, che Hollywood ha 129.600 tentativi e opportunità. Immagino che a questo punto vi rendiate conto di quanto possa essere difficile la narrazione in fotografia.

Come mezzo statico, la fotografia è congelata in un momento. Non si sa cosa sia successo prima o dopo. Questo lascia spazio allo spettatore di inventare lui stesso una storia.

Un regista cinematografico racconta una storia in 90 minuti.

Il fotografo mostra un fotogramma e vuole legare lo spettatore. Non racconta la storia. Crea abbastanza spazio e ispirazione perché lo spettatore sia coinvolto lui stesso.

Ovviamente, ci sono molte differenze rispetto ai mezzi di comunicazione che hanno molto più tempo per far evolvere la loro storia.

La narrazione in fotografia dovrebbe iniziare con un personaggio o un dettaglio interessante che cattura immediatamente l’attenzione dello spettatore. Poi la messa a fuoco dovrebbe portare a un “colpo di scena” che crea tensione e termina con un grande finale.

In realtà, una fotografia è molto più astratta di una semplice storia lineare che è presente in un’immagine. Molto avviene nella nostra mente e le menti degli spettatori sono diverse.

Pertanto non tutti gli spettatori vedono la stessa storia o nessuna. A seconda delle esperienze passate, dei ricordi e della personalità la storia varia.

Il detto comune che una fotografia racconta più del fotografo che dei suoi soggetti può essere vero. Riferendomi alla storia che una fotografia racconta, andrei oltre e direi che la storia racconta più dello spettatore che del fotografo.

L’inizio

Dove inizia la storia in una foto?

Nei film o nei libri, è molto chiaro che la storia inizia da pagina/minuto 1 con l’introduzione. Conosciamo i personaggi e lo spettatore/lettore viene guidato attraverso la storia.

Una fotografia non ha un ordine così chiaro. Tutto ciò che vediamo è un piano bidimensionale dove tutto sembra ugualmente importante e non ha un chiaro inizio, né una fine.

Le fotografie che non hanno una chiara composizione appaiono caotiche e difficili da seguire.

Anche se le fotografie non hanno una linea temporale, la composizione dovrebbe sostenere una direzione che sembra ragionevole per l’osservatore.

Un errore comune che osservo per gli Street Photographers che recentemente hanno iniziato ad esplorare questo genere è che cercano di mettere tutto in una immagine. Sentono la pressione di includere ogni dettaglio o punto interessante in un fotogramma perché altrimenti potrebbe essere troppo noioso. Questo porta a immagini che non hanno una scrittura chiara e sono solo confuse.

Lo storytelling in fotografia dovrebbe venire con un dettaglio che si distingue da tutto il resto. Aiutando l’osservatore a capire dove una potenziale storia potrebbe iniziare.

Gestualità

Ci sono alcuni dettagli di cui si parla spesso nella Street Photography e come dovremmo essere alla loro ricerca. La ragione per cui le fotografie con tali dettagli sono più interessanti è che raccontano più facilmente una storia.

Sono universalmente compresi ed è facile inventare una storia interessante per lo spettatore.

I gesti sono uno di quei dettagli che spesso funzionano bene nella Street Photography.

Come forma di interazione umana, raccontano naturalmente una storia e spesso mostrano le emozioni in modo molto diretto.

Come si vede in questa foto di Nancy Borrowick dalla sua serie “The Family Imprint”, i gesti sono più utili quando ci sono persone che interagiscono direttamente.

Presentare un ritratto di una singola persona di solito non trasmette una storia così forte. Anche quando si hanno personaggi forti davanti all’obiettivo, diventa molto difficile mostrare una storia completa.

Nella fotografia di strada, cercare persone che già comunicano e mostrano una sorta di azione rende molto più facile trovare una storia nell’immagine. In altre parole, la storia è già naturalmente lì, come fotografo non devi fare molto altro che catturarla.

Una singola persona

Quando si presenta solo una singola persona, ci deve essere qualche contesto che aiuta a formare una storia.

Per esempio nello scatto sopra, la persona funziona abbastanza bene in questa foto notturna e con il flash. Da dove viene, qual è il suo lavoro? Sembra quasi il padrino del Ku’Damm di Berlino e le luci dietro di lui supportano tale storia.

Di solito, quando fotografo persone singole è per l’estetica o l’atmosfera, raramente per la storia.

Storie aperte

Le fotografie possono mostrare la storia completa o lasciare alcuni accenni all’interpretazione dello spettatore.

La distinzione è in storie “aperte” o “chiuse”.

Le storie aperte non mostrano l’intera storia.

Ho detto prima che la composizione ha un grande impatto sulla storia. I triangoli sono spesso usati per creare archi narrativi interessanti. La chiave nelle storie aperte è che, per esempio, solo due delle pietre angolari della storia sono visibili mentre la terza è lasciata fuori.

Questo lascia spazio all’interpretazione dello spettatore per raccontare la storia nel modo che preferisce.

Le storie aperte sono più coinvolgenti per lo spettatore perché gli danno la possibilità di avere un’influenza più diretta. In cambio, sono anche più esigenti.

In cambio, sono anche più esigenti.

Spesso, quando non c’è la storia direttamente visibile, ci vuole un po’ di tempo perché lo spettatore arrivi da solo a un’interpretazione dell’immagine. A seconda dell’immaginazione e dell’ispirazione, non tutti avranno “accesso” all’immagine. Alcuni osserveranno la foto con punti interrogativi, mentre altri saranno veramente coinvolti e saranno in grado di dare una grande interpretazione.

Quindi, la critica può essere molto mista e polarizzante. Una metà apprezzerà i tuoi sforzi e “capirà” i tuoi suggerimenti e le direzioni in cui stai conducendo, mentre altri potrebbero essere confusi e non sono in grado di creare una storia.

Il feedback negativo o la critica dura, in questo caso, non dovrebbe renderti insicuro. Se ti senti positivo verso la tua immagine questa dovrebbe essere la tua principale preoccupazione.

La foto sopra è un piccolo esempio di una storia “aperta”. Vediamo solo la donna con uno sguardo molto feroce ma non abbiamo informazioni su ciò a cui sta assistendo.

Storie chiuse

Al contrario, ci sono storie che sono molto ovvie e sono principalmente raccontate dal fotografo, rispettivamente dai soggetti.

Ogni dettaglio rilevante che è importante è visibile nell’immagine che dovrebbe rendere facile per lo spettatore seguire la trama.

In questo caso, lo scenario è abbastanza chiaro. Anche senza ulteriori informazioni di base, è una situazione molto festosa. Con le luci sul retro, ci sono forti allusioni al Capodanno, che è corretto in questa immagine.

Anche se questa particolare immagine non lascia molto spazio all’interpretazione, anche le storie chiuse hanno qualche variante.

Non c’è una verità unica nella fotografia.

Le lacrime possono essere di gioia o di dolore, un abbraccio alla stazione ferroviaria può essere un caldo benvenuto o un triste addio.

Nella Street Photography sento che non è nostro obbligo dire la verità. Siamo narratori che usano la strada come palcoscenico. Ciò che raccontiamo è candido e non esposto, ma non sempre direttamente ciò che stava accadendo nella realtà.

C’è sempre un certo margine di manovra nel raccontare la storia e poiché non esiste un narratore neutrale, anche le storie chiuse possono essere interpretate in modo diverso.

Non tutti devono capire la storia

Lo storytelling in fotografia è un argomento molto complesso.

Le persone che non sono interessate alla fotografia o non hanno più immaginazione, negano che le foto possano raccontare una storia. Sostengono che è totalmente inventato e che l’immagine potrebbe mostrare qualsiasi cosa senza una vera narrazione.

Capisco che non tutte le foto parlano a tutti. Lo stesso accade per i lavori di qualità acclamati. Non tutti vedono le storie quotidiane di Chicago nelle immagini di Vivian Maier.

Il che va benissimo, gusti diversi per persone diverse.

In conclusione, questo non significa che una buona foto parlerà a tutti.

Per me, è più interessante creare immagini controverse che suscitano una forte emozione in alcuni, che rivolgersi a un pubblico più ampio.

Comprendo quindi se trovate che la seguente interpretazione delle immagini di Bruce Gilden sia una stronzata.

Ma lui è un fotografo appassionato ed è la sua versione della storia.

Conclusione sullo Storytelling in Fotografia

La fotografia riguarda storie ed emozioni.

Lo Storytelling in Fotografia può essere molto complesso e difficile da realizzare. Cerca i gesti, le interazioni o in generale le azioni.

Non fotografare semplicemente le persone, fotografa le storie che accadono già davanti alla tua macchina fotografica.

Dona allo spettatore alcuni capisaldi che può lavorare attraverso la tua immagine.

Guidalo con la tua composizione.

Inizia la storia con il dettaglio principale, qualcosa di semplice che sia la prima cosa che uno spettatore nota nella tua immagine. Impiega altri dettagli in modo più sottile che possono essere integrati nella storia.

Non trattenerti dal creare storie “strane” che solo poche persone capiscono.

La tua peggiore paura potrebbe essere che nessuno capisca le tue immagini.

La tua seconda peggiore paura dovrebbe essere che tutti lo facciano.

Le immagini controverse sono più interessanti e preziose che creare noia popolare per intrattenere un pubblico più vasto.

Si tratta di un’immagine che ha un valore più elevato.