OVER MODERNE DANS (Een zeer korte & beknopte geschiedenis)

Moderne Dans is een term die vele soorten danstechnieken beschrijft. Het is een categorie van dansstijlen, vaak aangeduid als een genre van dans. Veel van de belangrijkste stijlen in dit genre worden toegeschreven aan specifieke choreografen die pionierden met nieuwe en unieke manieren van bewegen en nieuwe bewegingsvocabulaires creëerden op basis van hun persoonlijke filosofieën; hun opvattingen over hoe dans functioneert als een artistiek instrument. Dansers die in particuliere dansstudio’s zijn opgeleid, hebben vaak de neiging moderne dans te associëren met of te verwijzen naar de termen lyrische of hedendaagse dans. Hoewel deze studio’s en wedstrijdvormen enkele bewegingen gemeen kunnen hebben met professionele concert moderne dans, verwijst lyrische dans eigenlijk naar een kwaliteit van beweging. Hedendaagse dans betekent meestal dat het recent is gecreëerd, wordt uitgevoerd op hedendaagse muziek, en een fusie is van ballet, jazz en moderne stijlen.

Wat maakt iets dan tot Moderne Dans? Er zijn geen absolute lijnen getrokken in de wereld van de professionele dans, maar voor de doeleinden van deze les, hier zijn beperkte definities van moderne dansvormen die ten minste een van de volgende kenmerken hebben:

• Gebaseerd op een van de gecodificeerde technieken van de vroege meesters, zoals Graham, Humphrey, Limón, Dunham, Horton of Cunningham
• Gebaseerd op bewegingen die ontstaan door gebruik van adem, articulatie van de romp (zoals uitgelijnd, getiteld, of samengetrokken), gebruik van de vloer, of improvisatie, zonder de noodzaak van gedraaide posities van de benen of puntige voeten
• Een fusie van dansstijlen die het bewegingsvocabulaire van ballet, jazz, modern, hip-hop, Afro-Caribisch, capoeira en postmoderne dans gebruiken in dezelfde choreografie
• Een sterke associatie met de grond in bewegingskeuzes; een nadruk op geaarde beweging wanneer men staat en een vocabulaire van bewegingen die liggend of zittend op de vloer worden uitgevoerd.

In plaats van een beknopte definitie van wat Moderne Dans is, is het misschien belangrijker voor u wat het kan bijdragen aan de verrijking van uw leven. Het kan je introduceren in een nieuwe vorm van techniek waarin je de vreugde van beweging ervaart. Het kan je appreciatie van muziek, andere kunsten en bewegingsvormen verhogen. Het kan je respect en begrip voor het beroep van danser doen toenemen. Het kan ook je bewustzijn en waardering vergroten voor de manier waarop jij en anderen bewegen.

Elke kunstenaar is een product van de tijd waarin hij of zij creëert. Terwijl vroegmoderne danskunstenaars vaak aan het front van de verandering stonden, weerspiegelden velen ook de sociale en politieke vooroordelen en omstandigheden van hun tijd. De drijvende kracht voor veel kunstenaars in het begin van de 20e eeuw was hun zoektocht naar elementen van dans.

Hoewel het niet mogelijk is alle choreografen, producenten, pedagogen en dansers die de moderne dans hebben gevormd voldoende erkenning te geven, kunnen verschillende prominente personen helpen bij het traceren van de ontwikkeling van de kunstvorm zoals die vandaag de dag in de studio wordt beoefend en vaak wordt uitgevoerd.

• 1900 – 1920: De Matriarchen, Loie Fuller, Isadora Duncan en Ruth St. Denis
• 1920 – 1940: The Pioneers, Ted Shawn, Doris Humphrey, Martha Graham, Mary Wigman, Katherine Dunham
• 1940 – 1960: 2e Generatie, the Legacy Builders, José Limón, Hanya Holm
• 1940 – 1960: 2e Generatie, the Iconoclasts, Merce Cunningham, Lester Horton, Alwin Nikolais
• 1960 – 1980: Synthesizers, Alvin Ailey, Paul Taylor, Twyla Tharp
• 1980 – 2000: Samenwerkers, Pilobolus, Bill T. Jones

In het verleden vertegenwoordigde ‘Moderne Dans’ de standpunten en bewegingsconcepten van elk van verschillende dansers of choreografen. … Martha Graham techniek, Doris Humphrey Techniek, of Lestor Horton Techniek. Naarmate de horizonten van de danskunstenaar zich hebben verbreed, zijn ook de bewegingsvormen, die meer op elkaar lijken, dan uniek verschillend. Moderne dans is een jongere kunstvorm dan ballet en de bewegingsstijl concentreert zich op de eigen interpretaties van de danser in plaats van de gestandaardiseerde bewegingen en gestructureerde passen van het klassieke of traditionele ballet. Moderne dans gebruikt echter wel veel van het klassieke vocabulaire en de klassieke terminologie. Tegenwoordig gebruiken veel ‘ballet’ choreografen de bewegingsconcepten van de moderne danser en oefeningen van de balletdanser worden nu gebruikt in de ‘moderne’ technieken. Moderne dans staat bekend om zijn onafhankelijkheid, inventiviteit en niet-traditionele houding. Veel choreografen verwerken nu in hun werk niet alleen de ongrijpbare moderne danstechnieken, maar ook de principes van Jazz, Afrikaanse, Ballet, en andere etnische dans.

De ontwikkeling van Moderne dans als kunstvorm kwam tot stand door het doorbreken van de ‘regels’ van wat dans ‘geacht’ werd te zijn. Tijdens de jaren 1900 begonnen Europese dansers in opstand te komen tegen de rigide regels van het klassieke ballet, de gestructureerde technieken, kostuums en balletschoenen. Tegen het einde van de 19e eeuw traden toegewijde individuen als Loie Fuller, Ruth St. Denis, Isadora Duncan en Ted Shawn regelmatig op. Bij gebrek aan een betere naam werd “klassieke” dans geplakt op het werk van die kunstenaars die hun werken naar geïdealiseerde Griekse of Romeinse modellen modelleerden. Deze nieuwe dansers gaven de voorkeur aan een meer ontspannen, vrije stijl van dansen. Pioniers van de moderne dans dansten op blote voeten en in vrij vloeiende, vaak onthullende kostuums.

Modernisme versus Realisme

Veel kunstenaars stapten doelbewust af van realistische uitbeelding in de kunst, naar wat bekend werd als modernisme. Deze nieuwe stijl onderzocht de subjectieve ervaring, zoals iemands gevoelens en percepties in plaats van het waargenomen echte leven. Het werk zag er abstract uit in tegenstelling tot realistisch. De werken van de schilder Pablo Picasso, die herkenbare lichaamsdelen bevatten maar niet het realistische gezicht van een vrouw, zijn bijvoorbeeld een voorbeeld van deze modernistische stroming in de kunst. De nieuwe dans, of moderne dans zoals het later bekend werd, was geïnteresseerd in het uitbeelden van de abstractie van de menselijke ervaring in plaats van een realistische weergave van een verhaal. De nieuwe dansvorm verkende de gevoelens van de mens over de wereld door middel van geabstraheerde, onopgesmukte en niet-letterlijke bewegingen. Net als het modernisme in de kunst, manifesteerde de moderne dans zich als een rebellie tegen de artistieke tradities van het verleden.

St. Denis en Ted Shawn kwamen professioneel samen en richtten een school op in het Westlake district van Los Angeles die studenten uit het hele land aantrok. St. Denis was de muze, rolmodel en soms leraar, terwijl Shawn zich vooral richtte op de detailschool. Hun gezelschap, Denishawn genaamd, toerde op de populaire vaudeville circuits en was het belangrijkste serieuze dansgezelschap in het land.

Tegen het tweede decennium van de 20ste eeuw was de naam “Moderne Dans” begonnen te worden gebruikt om het werk te beschrijven van Denishawn opvolgers zoals Martha Graham, Doris Humphrey, Charles Weidman, Hanya Holm, Helen Tamrisis en Lester Horton. Het belangrijkste kenmerk van moderne dans is dat het dansers aanmoedigt om hun emoties en stemmingen te gebruiken om hun passen, combinaties en dansen te ontwerpen in plaats van een gestructureerde code van techniek te volgen zoals in het ballet. Er werden bewegingsscholen gevormd op basis van het bewegingsvocabulaire van de individuele choreograaf, die waren afgeleid van hun eigen opvatting over waar de bewegingsimpuls vandaan kwam en hoe die logisch moest worden ontwikkeld.

Graham, Humphrey en Weidman verwierpen de esthetiek van Denishawn, en noemden het “Dansende Goden en Godinnen”, en kozen voor persoonlijke of sociale thema’s, uitgevoerd in kostuums die dichter bij hedendaagse kleding lagen dan de exotische gewaden die eerdere performers droegen of de traditionele klassieke ballet tutu’s. De choreografen van deze generatie ontwikkelden bewegingsstijlen die percussief waren en vrijwel verstoken van de dramatische “stomme film” gebaren die de vorige generatie kenmerkten, evenals van de rigide regels van de klassieke techniek. Een ander kenmerk van moderne dans in tegenstelling tot ballet is het opzettelijke gebruik van de zwaartekracht. Terwijl in het klassieke ballet de danser er voortdurend naar streeft om licht en luchtig op zijn voeten te staan. De moderne danser verlangt een beweging met gewicht, omdat hij de vloer waarop hij danst eerder beschouwt als een bron van kracht die hij het hof moet maken dan als een steun waarvan hij zich moet bevrijden. Ze gebruiken vaak hun lichaamsgewicht om de beweging te versterken. De moderne danser verwerpt de klassieke houding van een rechtopstaand lichaam en kiest in plaats daarvan vaak voor opzettelijk vallen en rollen op de vloer.

Beginnend in 1934 bood de Bennington College Summer School of Dance studenten de mogelijkheid om te studeren met de “grote vier”: Graham, Humphrey Weidman en Holm. (Hanya Holm emigreerde uit Duitsland en opende een studio in New York in 1933, gebaseerd op de principes ontwikkeld door Mary Wigman). Naast techniek werden er lessen in compositie, toneelkunst en muziekgeschiedenis aangeboden. De studentenpopulatie bestond voor een groot deel uit leraren van afdelingen lichamelijke opvoeding (zeer weinig scholen boden een graad in dans aan) in het hele land.

De publieke acceptatie kwam langzaam op gang tijdens de jaren 1930, maar nam toe in de jaren 1940 toen deze generatie choreografen werden uitgenodigd om musicals te choreograferen voor het populaire theater en hun eigen gezelschap te presenteren op meer populaire theaterlocaties.

Aan de westkust kwam Lester Horton, wiens aanvankelijke belangstelling voor de Amerind-cultuur (een groep inheemse Amerikaanse indianen) hem naar de moderne dans bracht. Hij richtte een gezelschap en een theater op, geheel gewijd aan dansvoorstellingen in Los Angeles. Hij gebruikte zijn choreografische talenten ook in verschillende films. Horton was kleurenblind in zijn opleiding van dansers en had het eerste geïntegreerde moderne dansgezelschap in de Verenigde Staten. Hij stimuleerde het werk van o.a. Alvin Ailey, Carmen de Lavallade en Janet Collins. Ailey, zoals Pearl Primus en Katherine Dunham voor hem, behandelde thema’s van raciale gelijkheid, sociale onrechtvaardigheid en religieuze vurigheid die voortkwamen uit de zwarte ervaring. Stilistisch vonden zij de narratieve structuur van de post-Denishawn periode het meest bruikbaar voor hun werk, net als latere choreografen als Talley Beatty, Donald McKayle, George Faison, Garth Fagan en Bill T. Jones.

In de jaren zestig distantieerden de choreografen zich van alle theatrale conventies van hun voorgangers en concentreerden zij zich voornamelijk op lichaamsbeweging, getraind of ongetraind. Ze traden binnen op, buiten, van daken tot straatlocaties, bijna overal behalve in theaters met prosceniumbogen. Gewone kleding werd vaak gebruikt als kostuum en soms ook naaktheid. Deze beweging vond haar oorsprong in het begin van de jaren zestig met een cursus compositie onderwezen door pianist, begeleider en componist Robert Dunn in de Cunningham studio. Het was niet-oordelend onderwijs dat degenen die de cursus volgden aanmoedigde de logica van hun eigen keuzes te begrijpen en ze volledig te onderzoeken.

Moderne dans werd en wordt nog steeds opgepakt als een bevrijde vorm van serieuze dansexpressie in elk land dat er mee in aanraking is gekomen. De invloed van het krachtige creatieve leven van de Amerikaanse gezelschappen heeft in de tweede helft van de 20e eeuw de ontwikkeling van de moderne dans over de gehele wereld in ruime mate gestimuleerd. Deze invloed heeft de choreografen aangemoedigd om de bewegingstaal te ontwikkelen die het meest direct tot hun publiek spreekt. Vanaf het begin heeft de moderne dans individuele expressie aangemoedigd in de keuze van thema’s en middelen van uitvoering.

Martha Graham, een vroegere leerlinge van Ruth St. Dennis, wordt beschouwd als een van de belangrijkste pioniers van de Amerikaanse moderne dans. Om de passie, de woede en de extase van de mens tot uitdrukking te brengen, ontwikkelde zij haar geheel eigen bewegingstaal. Ze creëerde een nieuwe danstechniek, vergelijkbaar met ballet, maar met verschillende verschillen. Ze richtte zich sterk op de basale menselijke beweging, waarbij ze zich concentreerde op de bewegingen van samentrekken en loslaten. In plaats van lange vloeiende bewegingen, waren Graham’s bewegingen scherp en gekarteld. Haar dansen was erop gericht om menselijke basisemoties bloot te leggen door middel van beweging. “Beweging liegt nooit.” Graham’s moedige en gedurfde visie op de moderne dans leverde haar vele prijzen, onderscheidingen en wereldwijde erkenning op.

De geschiedenis van de moderne dans is verbonden met de sociale, politieke en artistieke trends van het tijdperk waarin het werd gecreëerd. Begonnen als nieuwe dans in het begin van de 20ste eeuw, werd de moderne dans gevormd door de vrouwenbeweging, nieuwe trends in de beeldende kunst en een groeiende liefde voor de wetenschappelijke benadering. De matriarchale generatie van Isadora Duncan, Lorie Fuller en Ruth St. Denis inspireerde de verbeelding van de danswereld terwijl zij zich losmaakte van de tradities van de vorige eeuw.

Toen elk tijdperk van de 20ste eeuw veranderde, veranderde ook de moderne dans. De jaren 1920-1930 waren het pionierstijdperk van de kunstvorm. Grootheden als Martha Graham, Doris Humphrey en Katherine Dunham begonnen vorm en definitie te geven aan wat dit nieuwe genre van dans zou worden. De jaren 1940 en 1950 zagen de opvolgers van de pioniers, aanleiding geven tot dergelijke nieuwe stilistische variaties door het werk van artistieke reuzen als José Limón en Merce Cunningham. Van 1960 tot 1980 synthetiseerden en heronderzoekten choreografen en dansers het werk van de pioniers en brachten nieuwe soorten bewegingsvocabulaire naar het moderne dansidioom. Iconen als Alvin Ailey en Twyla Tharp zijn emblematisch voor deze tijd. Het laatste deel van de 20ste eeuw bracht de waarde van samenwerking naar voren door het werk van werkelijk inventieve makers, waaronder Bill T. Jones en Pilobolus.

Er zijn overeenkomsten en verschillen te zien tussen traditionele moderne dans en postmoderne dans:

SIMILARITEITEN:

• Beiden presenteerden dansen die vernieuwende beweging vertoonden.
• Beide maakten gebruik van thema’s die sociaal, politiek en mondiaal waren.
• Beide maakten gebruik van de elementen ruimte, tijd en energie op een manier die verschilde van ballet.

VERSCHILLEN:

• Sommige post-moderne dansen waren plotloos en verstoken van verhaallijnen; veel traditionele moderne dansen hadden sterke verhaallijnen.
• Traditioneel moderne dansen maakten gebruik van getrainde dansers; sommige postmoderne choreografen gebruikten ongetrainde dansers.
• Traditioneel moderne dansen maakten vaker wel dan niet gebruik van kostuums; postmoderne dansen werden vaak gepresenteerd in alledaagse straatkleren.
• Traditioneel moderne dans werd vaak gepresenteerd in theaters; postmoderne dans werd gepresenteerd op een aantal verschillende plaatsen.

De bijdragen die de postmoderne kunstenaar aan de danswereld heeft geleverd, hebben een diepgaand effect gehad op de manier waarop mensen choreograferen en dans bekijken.

Moderne dansers gebruiken tegenwoordig dansen om hun innerlijkste emoties uit te drukken, vaak om dichter bij hun innerlijke zelf te komen. Alvorens een combinatie of een dans te choreograferen, beslist de moderne danser welke emoties hij op het publiek wil overbrengen. Veel moderne dansers kiezen een onderwerp dat hen na aan het hart ligt, zoals een verloren liefde of een persoonlijke mislukking. De danser zal muziek laten componeren of reeds gecomponeerde muziek gebruiken die het verhaal dat hij wil vertellen weerspiegelt of ermee verband houdt, of hij kan ervoor kiezen helemaal geen muziek te gebruiken. Bovendien kiezen ze een kostuum om hun gekozen emoties verder te reflecteren.

Moderne dans blijft een relevante en levendige kunstvorm in de 21e eeuw. Haar verbindende kenmerken zijn haar reactie op de tijd waarin ze ontstaat, haar verzet tegen tradities uit het verleden, en haar voortdurende herwaardering van haar relevantie en betekenis. De tradities en technieken van de moderne dans blijven evolueren naarmate nieuwe begaafde kunstenaars de regels veranderen.

Zulke verandering is een gezonde zaak. Een kunstvorm kan alleen groeien als er nieuwe ideeën en uitdrukkingsvormen in komen!

Moderne dans gaat over de wereld waarin we leven en zal dat altijd blijven doen,

als een weerspiegeling van alles wat de wereld omvat in de vorm van beweging.