ÜBER DEN MODERNEN TANZ (Eine sehr kurze & komprimierte Geschichte)

Moderner Tanz ist ein Begriff, der viele Arten von Tanztechniken beschreibt. Es ist eine Kategorie von Tanzstilen, die oft als Tanzgenre bezeichnet wird. Viele der wichtigsten Stile dieses Genres gehen auf bestimmte Choreographen zurück, die neue und einzigartige Bewegungsformen entwickelt und neue Bewegungsvokabeln geschaffen haben, die auf ihren persönlichen Philosophien beruhen, d. h. auf ihren Ansichten darüber, wie Tanz als künstlerisches Mittel funktioniert. Tänzerinnen und Tänzer, die in privaten Tanzstudios ausgebildet werden, neigen oft dazu, den modernen Tanz mit den Begriffen lyrischer oder zeitgenössischer Tanz zu assoziieren oder zu bezeichnen. Während diese Studios und Wettbewerbsformen einige Bewegungen mit dem professionellen konzertanten modernen Tanz gemeinsam haben, bezieht sich der lyrische Tanz auf eine bestimmte Qualität der Bewegung. Zeitgenössischer Tanz bedeutet in der Regel, dass er in jüngster Zeit entstanden ist, zu zeitgenössischer Musik aufgeführt wird und eine Verschmelzung von Ballett-, Jazz- und Modern-Stilen darstellt.

Was macht dann etwas zum Modernen Tanz? In der Welt des professionellen Tanzes gibt es keine absoluten Grenzen, aber für die Zwecke dieses Kurses sind hier begrenzte Definitionen von modernen Tanzformen, die mindestens eines der folgenden Merkmale aufweisen:

• Basierend auf einer der kodifizierten Techniken der frühen Meister, wie Graham, Humphrey, Limón, Dunham, Horton oder Cunningham
• Basierend auf Bewegungen, die durch den Einsatz des Atems, der Artikulation des Rumpfes (z.B. ausgerichtet, betitelt oder kontrahiert), der Verwendung des Bodens oder der Improvisation entstehen, ohne die Notwendigkeit von ausgestreckten Beinpositionen oder spitzen Füßen
• Eine Verschmelzung von Tanzstilen, die das Bewegungsvokabular von Ballett, Jazz, Modern, Hip-Hop, Afro-Karibik, Capoeira und postmodernem Tanz in derselben Choreografie verwenden
• Eine starke Verbindung mit dem Boden in der Bewegungsauswahl; eine Betonung der geerdeten Bewegung im Stehen und ein Vokabular von Bewegungen, die im Liegen oder Sitzen auf dem Boden ausgeführt werden.

Wichtiger als eine knappe Definition dessen, was Moderner Tanz ist, ist für Sie vielleicht, was er zur Bereicherung Ihres Lebens beitragen kann. Er kann Sie in eine neue Form der Technik einführen, in der Sie die Freude an der Bewegung erleben. Er kann Ihre Wertschätzung für Musik, andere Künste und Bewegungsformen erhöhen. Er kann Ihren Respekt und Ihr Verständnis für den Beruf des Tänzers erhöhen. Es kann auch Ihr Bewusstsein und Ihre Wertschätzung für die Art und Weise, wie Sie und andere sich bewegen, erweitern.

Jeder Künstler ist ein Produkt der Zeit, in der er oder sie schafft. Während die frühen modernen Tanzkünstler häufig an der Spitze des Wandels standen, spiegelten viele auch die sozialen und politischen Vorurteile und Umstände ihrer Zeit wider. Die treibende Kraft für viele Künstler zu Beginn des 20. Jahrhunderts war die Suche nach tänzerischen Elementen.

Während es nicht möglich ist, alle Choreographen, Produzenten, Pädagogen und Tänzer, die den modernen Tanz geprägt haben, angemessen zu würdigen, können einige prominente Persönlichkeiten dabei helfen, die Entwicklung der Kunstform nachzuzeichnen, wie sie heute im Studio praktiziert und oft aufgeführt wird.

• 1900 – 1920: Die Matriarchen, Loie Fuller, Isadora Duncan und Ruth St. Denis
• 1920 – 1940: Die Pioniere, Ted Shawn, Doris Humphrey, Martha Graham, Mary Wigman, Katherine Dunham
• 1940 – 1960: 2. Generation, die Legacy Builders, José Limón, Hanya Holm
• 1940 – 1960: 2. Generation, die Ikonoklasten, Merce Cunningham, Lester Horton, Alwin Nikolais
• 1960 – 1980: Synthesizer, Alvin Ailey, Paul Taylor, Twyla Tharp
• 1980 – 2000: Kollaborateure, Pilobolus, Bill T. Jones

In der Vergangenheit repräsentierte ‚Modern Dance‘ die Sichtweisen und Bewegungskonzepte mehrerer Tänzer oder Choreographen. … Martha Graham Technik, Doris Humphrey Technik oder Lestor Horton Technik. In dem Maße, in dem sich der Horizont der Tanzkünstler erweitert hat, haben sich auch die Bewegungsformen, die sich eher ähneln als unterscheiden, weiterentwickelt. Der moderne Tanz ist eine jüngere Kunstform als das Ballett, und der Bewegungsstil konzentriert sich auf die eigenen Interpretationen des Tänzers und nicht auf die standardisierten Bewegungen und strukturierten Schritte des klassischen oder traditionellen Balletts. Allerdings verwendet der moderne Tanz viele der klassischen Vokabeln und Terminologie. Heute nutzen viele Ballett-Choreographen die Bewegungskonzepte des modernen Tänzers, und die Übungen des Balletttänzers werden nun in den „modernen“ Techniken verwendet. Der moderne Tanz ist bekannt für seine Unabhängigkeit, seinen Erfindungsreichtum und seine unkonventionelle Haltung. Viele Choreographen beziehen in ihre Arbeit nicht nur die schwer fassbaren Techniken des modernen Tanzes ein, sondern auch die Prinzipien des Jazz, des afrikanischen Tanzes, des Balletts und anderer ethnischer Tänze.

Die Entwicklung des modernen Tanzes als Kunstform kam dadurch zustande, dass die „Regeln“ dessen, was Tanz sein „sollte“, gebrochen wurden. Um 1900 begannen europäische Tänzer, gegen die starren Regeln des klassischen Balletts, die strukturierten Techniken, Kostüme und Ballettschuhe zu rebellieren. Gegen Ende des 19. Jahrhunderts traten engagierte Menschen wie Loie Fuller, Ruth St. Denis, Isadora Duncan und Ted Shawn regelmäßig auf. In Ermangelung einer besseren Bezeichnung wurde der „klassische“ Tanz mit der Arbeit jener Künstler in Verbindung gebracht, die ihre Werke nach idealisierten griechischen oder römischen Vorbildern gestalteten. Diese neuen Tänzer bevorzugten einen entspannten, freien Tanzstil. Die Pioniere des modernen Tanzes tanzten barfuß und in frei fließenden, oft freizügigen Kostümen.

Modernismus versus Realismus

Viele Künstler wendeten sich bewusst von der realistischen Darstellung in der Kunst ab, was als Modernismus bekannt wurde. Dieser neue Stil erforschte subjektive Erfahrungen, wie die eigenen Gefühle und Wahrnehmungen, anstatt das reale Leben zu beobachten. Die Werke wirkten abstrakt und nicht mehr realistisch. Die Werke des Malers Pablo Picasso zum Beispiel, die erkennbare Körperteile, aber nicht das realistische Gesicht einer Frau enthalten, sind ein Beispiel für diese modernistische Bewegung in der Kunst. Der neue Tanz oder moderne Tanz, wie er später genannt wurde, war eher an der Darstellung der Abstraktion der menschlichen Erfahrung interessiert als an einer realistischen Nacherzählung einer Geschichte. Die neue Tanzform erforschte die Gefühle der Menschen gegenüber der Welt durch abstrakte, klare und nicht wörtliche Bewegungen. Wie der Modernismus in der Kunst war auch der moderne Tanz eine Rebellion gegen die künstlerischen Traditionen der Vergangenheit.

St. Denis und Ted Shawn kamen beruflich zusammen und gründeten im Westlake District von Los Angeles eine Schule, die Schüler aus dem ganzen Land anzog. St. Denis war die Muse, das Vorbild und manchmal auch der Lehrer, während sich Shawn vor allem um die Details der Schule kümmerte. Ihre Compagnie, die den Namen Denishawn trug, tourte durch die populären Vaudeville-Kreise und war die wichtigste seriöse Tanzcompagnie des Landes.

Im zweiten Jahrzehnt des 20. Jahrhunderts hatte man begonnen, den Namen „Modern Dance“ zu verwenden, um die Arbeit von Denishawn-Nachfolgern wie Martha Graham, Doris Humphrey, Charles Weidman, Hanya Holm, Helen Tamrisis und Lester Horton zu beschreiben. Das Hauptmerkmal des modernen Tanzes besteht darin, dass er die Tänzer ermutigt, ihre Emotionen und Stimmungen zu nutzen, um ihre Schritte, Kombinationen und Tänze zu gestalten, anstatt einem strukturierten Technikkodex wie im Ballett zu folgen. Es bildeten sich Bewegungsschulen heraus, die auf dem Bewegungsvokabular der einzelnen Choreographen basierten und sich aus ihrer eigenen Vorstellung davon ableiteten, woher der Bewegungsimpuls kam und wie er sich logisch entwickeln sollte.

Graham, Humphrey und Weidman lehnten die Ästhetik von Denishawn ab, die sie als „tanzende Götter und Göttinnen“ bezeichneten, und entschieden sich für persönliche oder soziale Themen, die in Kostümen aufgeführt wurden, die der zeitgenössischen Kleidung näher standen als die exotischen Kleider, die frühere Tänzer trugen, oder die traditionellen klassischen Ballett-Tutus. Die Choreographen dieser Generation entwickelten Bewegungsstile, die perkussiv waren und praktisch keine dramatische „Stummfilm“-Gestik aufwiesen, die für die vorangegangene Generation charakteristisch war, ebenso wenig wie die starren Regeln der klassischen Technik. Ein weiteres Merkmal des modernen Tanzes im Gegensatz zum Ballett ist der bewusste Einsatz der Schwerkraft. Während im klassischen Ballett der Tänzer ständig bestrebt ist, leicht und luftig auf den Beinen zu sein. Der moderne Tänzer strebt nach einer gewichtigen Bewegung, da er den Boden, auf dem er tanzt, eher als eine Kraftquelle betrachtet, die es zu umwerben gilt, denn als eine Stütze, von der man sich befreien muss. Oft setzen sie ihr Körpergewicht ein, um die Bewegung zu verstärken. Der moderne Tänzer lehnt die klassische Haltung eines aufrecht stehenden Körpers ab und entscheidet sich stattdessen oft für bewusste Stürze und Rollen auf dem Boden.

Ab 1934 bot die Bennington College Summer School of Dance Studenten die Möglichkeit, bei den „großen Vier“ zu lernen: Graham, Humphrey Weidman und Holm. (Hanya Holm war aus Deutschland emigriert und eröffnete 1933 in New York ein Studio, das auf den von Mary Wigman entwickelten Prinzipien basierte.) Neben der Technik wurden auch Kurse in Komposition, Bühnenkunst und Musikgeschichte angeboten. Die Studentenschaft bestand zu einem großen Teil aus Sportlehrern (nur wenige Schulen boten einen Abschluss in Tanz an) aus dem ganzen Land.

Die öffentliche Akzeptanz kam in den 1930er Jahren nur langsam, nahm aber in den 1940er Jahren zu, als diese Generation von Choreographen eingeladen wurde, Musicals für das Volkstheater zu choreographieren und ihre eigene Kompanie in populäreren Theatern zu präsentieren.

An der Westküste entdeckte Lester Horton, dessen anfängliches Interesse an der Kultur der Amerind (einer Gruppe indianischer Ureinwohner) ihn zum modernen Tanz führte. Er gründete in Los Angeles eine Kompanie und ein Theater, das sich ganz der Präsentation von Tanz widmete. Seine choreografischen Talente setzte er auch in einer Reihe von Filmen ein. Horton, der seine Tänzer farbenblind ausbildete, hatte die erste integrierte moderne Tanzkompanie in den Vereinigten Staaten. Er förderte u. a. die Arbeit von Alvin Ailey, Carmen de Lavallade und Janet Collins. Wie Pearl Primus und Katherine Dunham vor ihm beschäftigte sich Ailey mit Themen wie Rassengleichheit, sozialer Ungerechtigkeit und religiöser Inbrunst, die aus der Erfahrung der Schwarzen herrührten. Stilistisch fanden sie die narrative Struktur der Nach-Denishawn-Periode am nützlichsten für ihre Arbeit, ebenso wie spätere Choreographen wie Talley Beatty, Donald McKayle, George Faison, Garth Fagan und Bill T. Jones.

In den 1960er Jahren distanzierten sich die Choreographen von allen theatralischen Konventionen ihrer Vorgänger und konzentrierten sich in erster Linie auf die Bewegung des Körpers, ob trainiert oder untrainiert. Sie traten drinnen und draußen auf, von Dächern bis zu Straßen, fast überall, außer in Theatern mit Proszeniumsbögen. Als Kostüme wurden oft Alltagskleidung und gelegentlich auch Nacktheit bevorzugt. Diese Bewegung hatte ihre Wurzeln in den frühen 1960er Jahren in einem Kompositionskurs, den der Pianist, Begleiter und Komponist Robert Dunn im Cunningham Studio gab. Es war ein nicht wertender Unterricht, der die Kursteilnehmer dazu ermutigte, die Logik ihrer eigenen Entscheidungen zu verstehen und sie in vollem Umfang zu erforschen.

Der moderne Tanz wurde und wird in allen Ländern, die ihn kennengelernt haben, als eine befreite Form des ernsthaften tänzerischen Ausdrucks aufgegriffen. Der Einfluss des lebhaften kreativen Lebens amerikanischer Kompanien hat die Entwicklung des modernen Tanzes in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts in der ganzen Welt gefördert. Dieser Einfluss hat die Choreographen dazu ermutigt, die Bewegungssprache zu entwickeln, die ihr Publikum am direktesten anspricht. Der moderne Tanz hat seit seinen Anfängen den individuellen Ausdruck in der Wahl der Themen und der Darstellungsmittel gefördert.

Martha Graham, eine ehemalige Schülerin von Ruth St. Dennis, gilt als eine der bedeutendsten Pionierinnen des amerikanischen modernen Tanzes. Um die Leidenschaft, die Wut und die Ekstase des Menschen auszudrücken, entwickelte sie ihre ganz eigene Bewegungssprache. Sie schuf eine neue Tanztechnik, die dem Ballett ähnelt, aber einige Unterschiede aufweist. Sie konzentrierte sich stark auf die grundlegenden menschlichen Bewegungen, wobei sie sich auf die Bewegungen des Zusammenziehens und Loslassens konzentrierte. Anstelle von langen, fließenden Bewegungen waren Grahams Bewegungen scharf und zackig. Ihr Tanz zielte darauf ab, grundlegende menschliche Emotionen durch Bewegung darzustellen. „Bewegung lügt nie.“ Grahams mutige und kühne Vision des modernen Tanzes brachte ihr viele Preise, Auszeichnungen und weltweite Anerkennung ein.

Die Geschichte des modernen Tanzes ist mit den sozialen, politischen und künstlerischen Trends der Epoche verbunden, in der er entstanden ist. Der moderne Tanz, der zu Beginn des 20. Jahrhunderts als Neuer Tanz begann, wurde von der Frauenbewegung, neuen Trends in der bildenden Kunst und einer wachsenden Liebe zum wissenschaftlichen Ansatz geprägt. Die matriarchalische Generation von Isadora Duncan, Lorie Fuller und Ruth St. Denis beflügelte die Phantasie der Tanzwelt, die sich von den Traditionen des vorigen Jahrhunderts löste.

Mit jeder Epoche des 20. Jahrhunderts veränderte sich auch der moderne Tanz. Die 1920er bis 1930er Jahre waren die Pionierzeit der Kunstform. Lichtgestalten wie Martha Graham, Doris Humphrey und Katherine Dunham begannen zu formen und zu definieren, was dieses neue Genre des Tanzes sein würde. In den 1940er und 1950er Jahren traten die Nachfolger der Pioniere auf, die durch die Arbeit von Künstlergrößen wie José Limón und Merce Cunningham neue stilistische Variationen hervorbrachten. Von 1960 bis in die 1980er Jahre synthetisierten und überprüften Choreografen und Tänzer die Arbeit der Pioniere und brachten neue Arten von Bewegungsvokabular in die moderne Tanzsprache ein. Ikonen wie Alvin Ailey und Twyla Tharp stehen sinnbildlich für diese Zeit. Der letzte Teil des 20. Jahrhunderts brachte den Wert der Zusammenarbeit durch die Arbeit von wirklich erfinderischen Schöpfern wie Bill T. Jones und Pilobolus hervor.

Man kann die Ähnlichkeiten und Unterschiede zwischen dem traditionellen modernen Tanz und dem postmodernen Tanz erkennen:

SIMILARITÄTEN:

• Beide präsentierten Tänze, die innovative Bewegungen zeigten.
• Beide nutzten soziale, politische und globale Themen.
• Beide nutzten die Elemente Raum, Zeit und Energie auf eine Art und Weise, die sich vom Ballett unterscheidet.

UNTERSCHIEDE:

• Einige postmoderne Tänze waren handlungslos und ohne Erzählung; viele traditionelle moderne Tänze hatten starke Erzählstränge.
• Traditionelle moderne Tänze setzten ausgebildete Tänzer ein; einige postmoderne Choreographen setzten unausgebildete Tänzer ein.
• Traditionelle moderne Tänze verwendeten meistens Kostüme; postmoderne Tänze wurden oft in alltäglicher Straßenkleidung präsentiert.
• Traditioneller moderner Tanz wurde oft in Theatern aufgeführt; postmoderner Tanz wurde an einer Reihe von verschiedenen Orten präsentiert.

Die Beiträge der postmodernen Künstler zur Tanzwelt haben die Art und Weise, wie Menschen choreografieren und den Tanz betrachten, tiefgreifend beeinflusst.

Moderne Tänzerinnen und Tänzer nutzen den Tanz heute, um ihre innersten Emotionen auszudrücken, oft um ihrem inneren Selbst näher zu kommen. Bevor der moderne Tänzer versucht, eine Kombination oder einen Tanz zu choreografieren, überlegt er, welche Gefühle er dem Publikum vermitteln möchte. Viele moderne Tänzer wählen ein Thema, das ihnen sehr am Herzen liegt, wie eine verlorene Liebe oder ein persönliches Versagen. Die Tänzerinnen und Tänzer lassen Musik komponieren oder verwenden bereits komponierte Musik, die die Geschichte, die sie erzählen wollen, widerspiegelt oder mit ihr in Verbindung steht, oder sie entscheiden sich dafür, überhaupt keine Musik zu verwenden. Außerdem wählen sie ein Kostüm, das die von ihnen gewählten Emotionen widerspiegelt.

Der moderne Tanz ist auch im 21. Jahrhundert eine relevante und lebendige Kunstform. Jahrhundert. Seine verbindenden Merkmale sind die Reaktion auf die Zeit, in der er entsteht, sein Widerstand gegen vergangene Traditionen und die ständige Neubewertung seiner Relevanz und Bedeutung. Die Traditionen und Techniken des modernen Tanzes entwickeln sich ständig weiter, da neue begabte Künstler die Regeln ändern.

Solche Veränderungen sind eine gesunde Sache. Eine Kunstform kann nur wachsen, wenn neue Ideen und Ausdrucksformen in sie einfließen!

Moderner Tanz hat und wird immer von der Welt handeln, in der wir leben,

und alles, was die Welt umfasst, in Form von Bewegung widerspiegeln.