Dieses Feature erschien ursprünglich im Oktober 2014. Wir lassen es wieder aufleben, da Halloween immer näher rückt.

Wie wichtig ist Musik im Film?

„Musik und Kino passen natürlich zusammen. Denn es gibt eine Art innewohnende Musikalität in der Art und Weise, wie bewegte Bilder funktionieren, wenn sie zusammengefügt werden. Man hat gesagt, dass Kino und Musik als Kunstformen sehr nahe beieinander liegen, und ich denke, das stimmt.“ -Martin Scorcese

„Eine zu weit gefasste Frage. Sagen wir einfach, sie deckt eine Vielzahl von Sünden ab.“ -Woody Allen

Abgesehen von Musicals profitiert kein Filmgenre mehr von der Musik als der Horror. Sie ist das Lebenselixier eines jeden Gruselfilms, sei es eine Kakophonie von Streichern, eine unheimliche Klaviertonleiter oder ein ohrenbetäubender Anfall von Stille. Versuchen Sie, sich an einige der kultigsten Horrorszenen zu erinnern, und die Chancen stehen gut, dass Ihnen auch die dazugehörige Filmmusik in den Sinn kommt – oder umgekehrt.

Da Halloween immer näher rückt, hat das Filmteam von Consequence of Sound beschlossen, eine Liste der 10 wichtigsten Horrormusiken zusammenzustellen. Wir haben nur die Originalmusik ausgewählt, so dass Filme wie Der Exorzist, The Shining und Die Nacht der lebenden Toten nicht berücksichtigt wurden. Andernfalls wären sie mit Sicherheit dabei.

Wenn Sie weitere Vorschläge haben, zögern Sie nicht, diese zu kommentieren. Wir werden es beobachten.

Hellraiser

Christopher Young

Die Musik für Pinhead und seine Mitstreiter kommt immer wieder zu kurz, dank der populäreren Musik, die für seine Horrorfilm-Rivalen geschrieben wurde: Freddy Krueger, Michael Myers und Jason Voorhies. Die Gothic-Musik von Hellraiser hebt ihn jedoch von den anderen Titanen des Genres ab. Ohne einen einzigen Synthesizer oder ein „Ki-Ki-Ki, Ma-Ma-Ma“ macht der Komponist Christopher Young eine Kehrtwende im Vergleich zu seiner düsteren, unterschätzten Filmmusik von A Nightmare on Elm Street Part 2: Freddy’s Revenge, indem er sich dafür entscheidet, einen Film mit wunderschöner Musik zu versehen, in dem es hauptsächlich um persönliche Dämonen und tatsächliche, richtige Dämonen geht. Die orchestrale Hauptmusik ist entscheidend für das Thema Schönheit und Schmerz, die für den Hauptantagonisten des Films (Onkel Frank ist hier der eigentliche Bösewicht, nicht Pinhead) nebeneinander bestehen, aber es sind die Glocken, die läuten, wenn sich die Zönobiten nähern, die wirklich die schlechten Träume verursachen. Unterm Strich: Die Musik zu Clive Barkers Hellraiser wird dir die Seele aus dem Leib reißen! -Justin Gerber

Under the Skin

Mica Levi

Spoiler: Wir lieben Jonathan Glazers „Under the Skin“. Er war unser Film Nr. 1 des Jahres 2014 und obwohl er sich als etwas zwiespältig erwiesen hat, ist es schwer, Mica Levis unerbittlichen Score zu bestreiten. Da es so gut wie keinen Dialog gibt, stützt sich der Film auf Levis raue Kompositionen, um die Geschichte des gefährlichen außerirdischen Besuchers zu erzählen. „Was man mit den synthetischen Streichern erreichen kann, ist, dass es ewig weitergeht, während ein Mensch das nicht kann … es gibt menschliche Fehler“, sagte Levi gegenüber Variety. „Aber damit bekommt man dieses Gefühl der Unendlichkeit.“ Ein einfaches Schlagzeug fungiert als Herzschlag des Films und verschwindet selten für einen Moment, aber es sind diese unruhigen Streicher, die wie rostige Nägel auf einer Kreidetafel klingen. Alles in allem weiht uns das Chaos in ein Geheimnis ein, das die Männer des Films nicht kennen: Mit Scarlett Johansson stimmt etwas nicht. -Justin Gerber

Der weiße Hai

John Williams

Steven Spielberg hatte am Set von Der weiße Hai ein großes Problem: Seine drei animatronischen Haie fielen ständig aus. Als er zusah, wie der erste 250.000 Dollar teure Bruce (er benannte die Haie kollektiv nach seinem Anwalt) in den Tiefen des Wassers versank, wusste er, dass ihm die Zeit und die Möglichkeiten ausgingen. Aber diese potenziell karriereschädigenden Pannen erwiesen sich als Segen, denn 1) den Hai die meiste Zeit des Films nicht zu sehen, erwies sich als beängstigender als ihn tatsächlich zu sehen; 2) John Williams‘ ominöses, inzwischen ikonisches Thema wurde zum Schlüssel für den Schrecken des Films.

„Da-da…da-da…“ Das ist der Klang des Weißen Hais, der näher kommt und das Fleisch menschlicher Beine begutachtet, die unter Wasser baumeln. „Da-da-da-da-da-da-da“, die Musik steigert sich, während er schneller schwimmt, direkt unter den Körper, bis zu dem schreienden Moment, in dem eine Frau wie eine Stoffpuppe von einer Seite zur anderen geschleudert und unter Wasser gezogen wird, oder das Floß eines kleinen Jungen in einem Geysir aus Blut umkippt. Mit seiner Entscheidung für eine gewagtere Herangehensweise an den ungesehenen Feind hat Spielberg die Art und Weise, wie Filme gemacht werden, verändert, während die Filmmusik von Williams noch immer Generationen von Strandbesuchern verfolgt, die immer noch zweimal überlegen, bevor sie ins Wasser springen. -Leah Pickett

A Nightmare on Elm Street

Charles Bernstein

Freddy Krueger bleibt einer der fiesesten und furchterregendsten Bösewichte des Horrorfilms, weil er an einem Ort existiert, dem man nie ganz entkommen kann: in den Träumen. Viele der Tracks aus A Nightmare on Elm Street, wie das düstere „Prologue“ und „Main Title“, wirken wie verzerrte Wiegenlieder, die einen in einen unruhigen Schlaf versetzen. Der starke Einsatz von Synthesizern (z. B. in „Dream Attack“, „Terror in the Tub“ und „No Escape“) erinnert an die 80er Jahre, funktioniert aber auch heute noch, indem er die fiebrigen Seltsamkeiten von Albträumen darstellt. „Laying the Traps“ klingt eher wie ein Stück aus einem Actionfilm, was funktioniert, weil sich die Protagonisten im Film tatsächlich wehren und vernünftige Pläne schmieden, um Kruegers Angriffe zu überleben. Einer der gruseligsten Teile der Partitur ist jedoch der spärliche, aber stark verzerrte Einsatz von Gesang, den Bernstein tatsächlich durch Aufnahmen mit digitalen Delay- und Echopedalen von Boss erzeugt hat. -Killian Young

The Thing

Ennio Morricone

John Carpenter hat den Ruf, ein Alleskönner zu sein; er führte Regie, produzierte, schrieb, komponierte und schauspielerte in zwei seiner ersten Hits, Assault on Precinct 13 und Halloween. Für die Vertonung von The Thing holte sich Carpenter jedoch den vielseitig begabten Ennio Morricone ins Boot. Carpenter bat Morricone Berichten zufolge, seinen ersten Versuch der Filmmusik zu vereinfachen, was zu der endgültigen, bedrohlichen Version führte, die sich nahezu perfekt in Carpenters Musikstil einfügt.

Morricone – der es bis in die letzte Runde unserer Leserwahl zum größten Filmkomponisten aller Zeiten geschafft hat – schaffte es, die wichtigsten Themen von The Thing wie Isolation, Paranoia und Angst vor dem Unbekannten aufzugreifen. „Main Theme – Desolation“ bietet stakkatohafte Synthesizer gepaart mit gothicartigen Orchesterklängen, während die klaustrophobische Klangflut von „Contamination“ das Gefühl vermittelt, dass gruselige Viecher auf einem herumkrabbeln.

Die elektronischen Schnörkel passen zu dem futuristischen außerirdischen Antagonisten und dem Schauplatz in einer antarktischen Forschungseinrichtung, aber die traditionelleren Orchesterstücke – wie die tiefen, sich langsam bewegenden Streicher, die bei „Bestiality“ schriller und drängender werden – spielen die Stärken von „The Thing“ als schaurig-schöner Monsterfilm aus. -Killian Young

Suspiria

Goblin

Es kommt nicht oft vor, dass man ein Live-Konzert zum Soundtrack eines Gothic-Horrorfilms sieht. Doch genau das macht Goblin. Tatsächlich hat die italienische Prog-Rock-Band ihre kultigen Filmmusiken im Laufe der Jahre unzählige Male in vollem Umfang aufgeführt, von Theatern bis zu Filmfestivals. Wenn man sich das Gothic-Publikum für diese Show vorstellt – ein Mangel an Mollys, ein Überschuss an schwarzen T-Shirts – ist schon ziemlich wild.

Die Anziehungskraft ist gerechtfertigt, besonders wegen ihrer Arbeit an Dario Argentos Suspiria. Es ist ein eingängiges Werk, das auch außerhalb des Films süchtig macht, was zum Teil erklärt, warum Raekwon, Ghostface Killah oder RJD2 in der Vergangenheit seine Melodien gesampelt haben. In Bezug auf den Film funktioniert Suspiria jedoch elegant in seiner erstickenden Enge, dank der Litanei von Moog-Sounds, chorischem Grunzen, rasselnden Trommeln und dem eher unschuldigen Glockenspiel.

Goblin arbeitete eng mit Argento an seiner Ballettschul-Horror-Show zusammen und schuf die Musik und den Score bemerkenswerterweise, bevor überhaupt etwas gedreht wurde. (Die daraus resultierende Musik ist ein Zeugnis ihrer jeweiligen Stärken und hat seitdem sowohl bei Kritikern als auch in der Öffentlichkeit großen Anklang gefunden. Also, sehen wir uns beim nächsten Goblin-Gig? Bitte kein Rasierklingendraht-Cosplay. -Blake Goble

Rosemary’s Baby

Krzysztof Komeda

Nie hat „La la la“ gruseliger geklungen als in Rosemary’s Baby, wenn Mia Farrows gehauchtes Wiegenlied über klimpernden Tasten und dissonantem elektrischem Cembalo dahinplätschert und andeutet, dass im märchenhaften Manhattan der späten 1960er Jahre dunkle Mächte am Werk sein könnten. Die vom polnischen Jazzpianisten und Komponisten Krzysztof Komeda arrangierte, vom Jazz beeinflusste Titelmusik zwickt immer wieder unharmonische Noten, die einen von Streichern geführten Walzer und ein kaum wahrnehmbares Brummen ausgleichen, um ein süßes, unheimliches Kinderlied zu suggerieren.

Als die feenhaarige, schwangere Rosemary (Farrow) beginnt, jedem in ihrem Umfeld zu misstrauen, von den neugierigen Nachbarn (Ruth Gordon, Sidney Blackmer) über ihren zwielichtigen Ehemann (John Cassavetes) bis hin zu dem ungeborenen Baby, das in ihr heranwächst, nagt die Spannung in jedem Zupfen und Beben von Komedas Orchester und steigert sich zu einem fiebrigen Ausmaß des Grauens. In der Schlussszene – „Was habt ihr mit seinen Augen gemacht?!“ – erreicht die Partitur ihren heulenden, kakophonischen Höhepunkt und gibt dem Wort „Schwangerschaftsangst“ eine neue, erschreckende Bedeutung. -Leah Pickett

Alien

Jerry Goldsmith

“ hat mich wirklich zu Tode erschreckt, um brutal ehrlich zu sein. Ich hatte schreckliche Angst davor, was gut ist, denn es hilft mir, wenn ich mich hinsetzen und die Musik schreiben muss“, erklärte der verstorbene Jerry Goldsmith in einer Dokumentation zu Ridley Scotts Meisterwerk von 1979. „Bei jedem Film, den ich mache, versuche ich, ihn zuerst als Zuschauer zu sehen und als Zuschauer zu reagieren und mich von dem zu distanzieren, was ich letztendlich zu tun habe.“

So entwickelt sich Goldsmiths Partitur für Alien ziemlich organisch mit den Gefühlen des Zuschauers von Staunen und Angst. Er ist paranoid und doch oft elegant. Die anschwellende Spannung im ikonischen (und überarbeiteten) „Main Title“ driftet in fantastische Teile, die an seine beste Arbeit bei Star Trek erinnern. Im weiteren Verlauf des Films umarmt Goldsmith den Terror mit leichten Stößen („Eggs“, „Inside the Air Shaft“, „Trekking“) und erwürgt schließlich alle in den letzten Akten („The Droid“, „Ripley Doubles Back“, „And Then There Was One“).

Es war allerdings kein einfacher Prozess. Ursprünglich wollte Scott den Komponisten Isao Tomita, aber 20th Century Fox bestand auf einem bekannten Namen wie Goldsmith, der darauf drängte, einen Hauch von Romantik in den Vorspann zu bringen. Scott war nicht interessiert, und Goldsmith gab nach, indem er, wie er sagte, „das Offensichtliche herausholte: schräg und seltsam, was alle liebten.“ Es half auch nicht, dass Cutter Terry Rawlings Teile von Goldsmiths früheren Kompositionen verwendete – insbesondere Freud: The Secret Passion – verwendet hat, sehr zum Ärger des Komponisten.

„Man kann sehen, dass ich mit den Filmemachern des Films sozusagen an entgegengesetzten Enden der Pole stand“, bemerkte Goldsmith später. Nichtsdestotrotz wirkten sich die Änderungen positiv auf den Film aus, und Scott würde sich später für die Originalmusik einsetzen, indem er sie als „ernsthaft bedrohlich“, aber „wunderschön“ bezeichnete. Im Nachhinein betrachtet hat dieser Zwiespalt dazu beigetragen, Alien zu einem der fesselndsten Kinofilme aller Zeiten zu machen. Es sind berauschende zwei Stunden puren Horrors, die durch H.R. Giger, Scott und natürlich Goldsmith ermöglicht wurden. -Michael Roffman

Psycho

Bernard Herrmann

REE! REE! REE! REE! REE! REE! REE! REE!

Du weißt genau, was das ist, oder? Es ist die meisterhafteste Filmmusik des Meisters der Spannung.

Psycho bekommt aus zwei Gründen einen unglaublich hohen Rang auf dieser Liste. Erstens: Bernard Herrmanns wunderbar scharfe und furchteinflößende Filmmusik basiert auf einem Fundament von Fäden, die in alle Richtungen gezogen und geschoben werden, was einen ohnehin schon fiebrigen und schockierenden Film noch weiter anhebt.

Zweitens: Gibt es eine Filmmusik, die kanonischer ist, die in der Popkultur mehr Resonanz findet und auf die mehr Bezug genommen wird als die Musik zu Psycho? Das American Film Institute stufte die Filmmusik als die viertbeste aller Zeiten in den „100 Years of Film Scores“ ein, und sogar Hitchcock selbst sagte einmal, dass „33% der Wirkung von Psycho auf die Musik zurückzuführen ist.“ Wir würden sagen, 50 % (die andere Hälfte ist die unglückliche Ballade von Norman Bates).

Hinweis: Ursprünglich sollte die Duschszene, in der Janet Leigh aufgeschlitzt wird, stumm sein, und Hitchcock erwog sogar eine Jazzmusik. Stattdessen setzte sich Herrmann durch, und zwar mit einer Musik, die so wirkungsvoll und unverzichtbar ist, dass man sich den Film ohne sie kaum vorstellen kann. Nicht verrückt nach Norman Bates, aber doch.

Schließlich sollte Herrmann sieben Filme für Hitchcock komponieren. Er beharrte immer auf kreativer Kontrolle. Und er hat sie sich immer verdient. Schließlich ist der beste Freund eines Jungen sein Komponist. -Blake Goble

Halloween

John Carpenter

Eine großartige Filmmusik sollte nicht für sich alleine stehen; sie sollte aufrecht und ungezügelt gehen. John Carpenters Halloween ist ein Beweis für diese Wahrheit. Im Frühsommer 1978, Monate vor der Veröffentlichung des Films im Oktober, erhielt Carpenter eine endgültige Fassung des Films ohne Musik und Soundeffekte, die er einer jungen Führungskraft bei 20th Century Fox vorführte. „Sie war überhaupt nicht erschrocken“, schreibt Carpenter in den Anmerkungen zum Soundtrack und fügt hinzu: „

Inspiriert von Bernard Herrmann und Ennio Morricone kauerten Carpenter und sein kreativer Berater Dan Wyman, mit dem er bereits bei Assault on Precint 13 zusammengearbeitet hatte, in den winzigen Sound Arts Studios im Zentrum von Los Angeles. Zwei Wochen lang komponierten sie im „Doppelblind“-Modus, was laut Carpenter bedeutet, „auf der Stelle, ohne Bezug oder Synchronisation zum eigentlichen Bild“

Das ikonische Thema stammt aus einer Übung, die Carpenters Vater ihm 1961 auf den Bongos beigebracht hat; „Laurie’s Theme“ und „The Myers House“ wurden aus „herrmannesken“ Melodien geboren; und die Verwendung von „Viehzeug“-Stingern erhöhte die visuellen Überraschungen des Films. Das Besondere an diesen minimalen Kompositionen ist jedoch, dass sie eine weitläufige, hypnotische Atmosphäre erzeugen, die jeden Zuschauer verfolgt und verfolgt – nicht anders als die furchterregende Gestalt des Films.

„Die Musik ist einfach fabelhaft“, schwärmte der verstorbene Gene Siskel in seiner Originalbesprechung. „Die Art und Weise, wie er ein Thema beginnt und ein anderes darüber legt, wobei er das andere Thema beibehält. Das ist wirklich gut.“ Es ist auch verblüffend schön. Der schlendernde Aufstieg von „Laurie’s Theme“ ist unheimlich, sicher, aber es gibt einen königlichen Glanz in den Noten, der die jugendliche Unschuld der Namensgeberin des Songs heraufbeschwört. Mit anderen Worten: Carpenter hat nicht einfach nur gruselige Klänge aneinandergereiht, er hat Persönlichkeiten eingefangen.

„Ungefähr sechs Monate später traf ich dieselbe junge Führungskraft“, heißt es in Carpenters Liner Notes, die die Geschichte weiter erzählen. „Auch sie liebte den Film, und alles, was ich getan hatte, war, Musik hinzuzufügen. Aber sie hatte wirklich Recht mit ihrer anfänglichen Reaktion“. Kurze Zeit später schloss er: „Jemand hat mir einmal gesagt, dass Musik, oder das Fehlen von Musik, dich besser sehen lassen kann. Ich glaube daran.“ Im Fall von Halloween hat die Musik den Film nicht nur gerettet, sondern ihn erst geschaffen. -Michael Roffman