• Ornette Coleman

Als einer der Begründer des Free Jazz besaß Coleman eine einzigartige improvisatorische Stimme.

Die Ankunft seines Quartetts in New York mit einer vieldiskutierten Residency im Five Spot war sehr umstritten, und der Sound der Band war anders als alle anderen, die vor ihr gekommen waren.

Das Quartett spielte eines von Ornettes einprägsamen Themen als „head in“ am Anfang und als „head out“ am Ende, genau wie eine normale Jazzband. Die improvisierten Soli zwischen diesen Melodien verzichteten jedoch auf Akkordwechsel und Form, in einer Technik, die als „time, no changes“ bekannt ist.

Trotz der Radikalität dieser Spielweise ist die Musik swingend, bluesig und sehr von der Geschichte des Jazz geprägt.

Coleman experimentierte später mit anderen Instrumenten und spielte neben dem Saxophon auch Trompete und Geige. Er bezeichnete seinen Ansatz und seine Philosophie als „Harmolodics“, obwohl die genaue praktische Bedeutung dieses Begriffs etwas rätselhaft ist.

Empfohlenes Ornette Coleman Album: The Shape of Jazz to Come

Dieses 1959 veröffentlichte Album ist Colemans berühmtestes und enthält mit Stücken wie „Peace“ und „Lonely Woman“ einige seiner nachhaltigsten Kompositionen.

Die Reaktion auf das Coleman-Quartett war gemischt: Einige Kritiker begrüßten eine revolutionäre neue Richtung im Jazz, während zu den prominenten Gegnern Miles Davis und Charles Mingus gehörten.

Ornette war Autodidakt und konnte nicht als geschulter Virtuose im traditionellen Sinne betrachtet werden, aber sein weinerlicher Alt-Sound ist zutiefst ausdrucksstark und die von ihm komponierten Melodien sind unbestreitbar stark.

The Shape of Jazz To Come zeigt sein klassisches frühes Quartett mit Billy Higgins (der später durch Ed Blackwell ersetzt werden sollte) am Schlagzeug, Charlie Haden am Kontrabass und Don Cherry, wohl Ornettes wichtigstem Mitarbeiter, am Kornett.

Colemans Album Free Jazz von 1961 gab der Bewegung ihren Namen.

• Eric Dolphy

Als Multiinstrumentalist ist Dolphy vor allem als Altsaxophonist bekannt und dafür, dass er einer der ersten Musiker war, der die Bassklarinette im Jazz spielte.

Er spielte auch Flöte und, seltener, Klarinette & Piccolo.

Anfänglich im Bebop verwurzelt – es existiert eine private Aufnahme, die ihn beim Üben mit dem großen Trompeter Clifford Brown zeigt – interessierte er sich für die Avantgarde, sein Spiel zeichnete sich durch einen etwas wilden Ton und weite Intervalle aus, die möglicherweise von der zeitgenössischen klassischen Musik beeinflusst waren.

Traurigerweise starb er mit nur 36 Jahren auf einer Deutschlandtournee, nachdem er infolge einer nicht diagnostizierten Diabetes ins Koma gefallen war.

Als Sideman spielte er auf wichtigen Alben von John Coltrane, Charles Mingus und Oliver Nelson.

Empfehlenswertes Eric Dolphy Album: Out To Lunch

Alle Musiker auf diesem Album von 1964 hatten einen ernsthaften Jazz-Stammbaum – besonders der Trompeter Freddie Hubbard, der vielleicht eher als Hard-Bop-Spieler angesehen wird – aber dies ist eine der zukunftsweisendsten Platten im Blue-Note-Katalog der 1960er Jahre.

Die Kombination von Dolphys Bassklarinette mit Bobby Hutchersons Vibraphon ist ein besonders markanter Klang.

Drummer Tony Williams (in dieser Liste der besten Schlagzeuger der Jazzgeschichte enthalten) war gerade 18 Jahre alt geworden und hatte gerade seine Arbeit mit dem Second Great Miles Davis Quintet begonnen.

• John Coltrane

Ein Musiker, der kaum vorgestellt werden muss: Coltranes unverwechselbarer Tenorsaxophon-Sound war in den 50er und 60er Jahren in einer Reihe von Stilrichtungen zu hören, sowohl als Bandleader als auch als Begleitmusiker.

Auf den Hard Bop des First Great Miles Davis Quintet und seines eigenen Blue Train folgte der neue modale Ansatz von Milestones und Kind of Blue und dann die komplexe, sich schnell bewegende Harmonie von Kompositionen wie Giant Steps und Countdown.

Sein klassisches Quartett, das A Love Supreme produzierte, spielte intensiven modalen Jazz mit einer zunehmend spirituellen Dimension, die die freiere Richtung andeutete, die Coltranes Musik in den letzten beiden Jahren seines Lebens einschlagen sollte.

Von 1965 bis zu seinem Tod durch Leberkrebs im Jahr 1967 war seine Musik oft vollständig improvisiert und verzichtete auf Akkordfolgen und organisierte Tempi.

Bei seinen letzten Aufnahmen arbeitete er mit Musikern wie der Pianistin und Harfenistin Alice Coltrane (die er 1965 heiratete), den Saxophonisten Archie Shepp und Pharoah Sanders und dem Schlagzeuger Rashied Ali zusammen, mit dem er das Duo-Album Interstellar Space aufnahm.

Empfohlenes John Coltrane Album: Ascension

Es gilt als Wendepunkt in Coltranes Karriere und signalisiert seine Hinwendung zum Free Jazz und die Abkehr von seinem klassischen Quartettformat mit McCoy Tyner, Jimmy Garrison und Elvin Jones.

Die 11-köpfige Band wechselt zwischen strukturierteren Ensemble-Passagen und Solopassagen, die im Wesentlichen frei sind, wobei die Solisten ein harmonisches Gerüst und die Anweisung erhalten, mit einem Crescendo zu enden.

Coltranes Werk baut weiterhin auf der hier zu hörenden dröhnenden Dissonanz auf, und seine letzten Alben spalten weiterhin die Meinungen von Fans und Kritikern.

• Alice Coltrane

Geboren als Alice McLeod in Detroit, Michigan, arbeitete sie als Jazzpianistin in verschiedenen geradlinigen und swingenden Zusammenhängen, unter anderem mit Lucky Thompson, Kenny Clarke und dem Quartett des Vibraphonisten Terry Gibbs.

Nachdem sie John Coltrane kennengelernt hatte, wurden das Leben und die Musik des Paares offenkundig spiritueller, und sie ersetzte 1966 McCoy Tyner als Pianistin in Johns Band, als seine Musik freiere Formen annahm.

Nach dem Tod ihres Mannes begann sie, als Leaderin Aufnahmen zu machen.

Jetzt sowohl auf der Harfe als auch auf dem Klavier & und der Orgel zu hören, begleitet von üppigen Streicherarrangements und großen Ensembles, haben sich diese kosmischen Klänge als sehr einflussreich erwiesen.

Empfohlenes Alice Coltrane Album: Universal Consciousness

Diese Aufnahme von 1971 ist Alice Coltranes fünftes Soloalbum, auf dem die Bandleaderin Harfe und Orgel spielt und Streicherarrangements beisteuert.

Die mystische und hoch spirituelle Musik verbindet Elemente des modalen Jazz, der freien Improvisation und der strukturierteren Komposition. In einem Essay über „100 Records That Set The World On Fire“ in The Wire heißt es, dass Universal Consciousness „eindeutig an andere dyspeptische Jazztraditionen anknüpft – das Orgeltrio, die Solisten mit Streichern – und sie dennoch in den Weltraum, das alte Ägypten, den Ganges und das große Jenseits katapultiert.“

• Cecil Taylor

Ein weiterer bedeutender Pionier des amerikanischen Free Jazz, Cecil Taylor, war bekannt für sein radikales, perkussives Klavierspiel und spielte, wie Ornette Coleman, bereits Ende der 1950er Jahre in New York höchst experimentelle Formen des Jazz.

Klassisch ausgebildet, zeigte er den Einfluss moderner europäischer Komponisten wie Bela Bartók und Karlheinz Stockhausen.

Das 1959er Album Coltrane Time (zunächst unter Taylors Namen als Stereo Drive veröffentlicht) ist ein seltsamer Hörgenuss, denn der atonale Stil des Pianisten steht in krassem Gegensatz zu einer Band, die, von der Plattenfirma zusammengestellt, mit konservativeren Spielern wie dem Trompeter Kenny Dorham ein Programm aus Standards spielt.

Später, als er seine eigenen Bands leitete, wurde er als bedeutender amerikanischer Musiker anerkannt, der in großen Konzertsälen auftrat und verschiedene hochrangige Preise und Stipendien erhielt. Er schrieb auch Musik für den Tanz und bezog seine eigenen Gedichte in seine musikalischen Darbietungen ein.

Empfohlenes Cecil Taylor Album: Unit Structures

Dieses Album von 1966 war Taylors Debüt für Blue Note Records. Es ist eines der intensivsten frühen Free-Jazz-Alben, mit viel atonaler Dissonanz, schweren Akkordclustern und komplexer Polyrhythmik, gespielt von einem Septett, zu dem auch zwei Kontrabassisten gehören: sicherlich keine leichte Kost, aber es gilt heute als eine der wichtigsten Platten des Jahrzehnts.

Ein Essay von Taylor, Sound Structure of Subculture Becoming Major Breath/Naked Fire Gesture, liegt dem Album bei.

• Albert Ayler

Nachdem er zunächst R&B gespielt hatte, legen Albert Aylers Free-Jazz-Aufnahmen aus den 1960er Jahren den Schwerpunkt auf einen reinen, rohen Ausdruck.

Sein Tenorsaxophon-Sound ist wie bei keinem anderen: hupend, weltfremd und ursprünglich. Ursprünglich wurde er von John Coltrane betreut, der offenkundig spirituelle Musik machte und Coltrane um finanzielle Hilfe bat, als er mittellos war, aber die späteren Aufnahmen des älteren Saxophonisten wurden wiederum stark von Ayler beeinflusst.

Ayler behauptete sogar: „Trane war der Vater. Pharoah war der Sohn. Ich war der heilige Geist.“

Zu Lebzeiten wurde er manchmal der Scharlatanerie bezichtigt, und er hatte wenig kommerziellen Erfolg. Letztendlich hat er jedoch eine Vielzahl von Musikern in der Welt des Free Jazz und der Improvisation sowie verschiedene experimentelle Rock- und „Noise“-Stilrichtungen beeinflusst.

Empfohlenes Albert Ayler Album: Spiritual Unity

Auf diesem Album aus dem Jahr 1964 ist der Tenorsaxophonist in Begleitung von Sunny Murray – einem Pionier des Free Jazz-Schlagzeugs – und dem Bassisten Gary Peacock zu hören, der auch in konventionelleren Jazztrio-Konstellationen mit Bill Evans und Keith Jarrett gespielt hat.

Das Trio hält sich selten an ein strenges Tempo, und es ist ein hohes Maß an Gruppeninteraktion im Spiel. Ayler schreit durch sein Saxophon, nutzt die Extreme des Instruments und erweiterte Techniken, einschließlich der Mikrotöne.

Das Album enthält zwei Wiedergaben des eingängigen, hymnischen Ghosts, einer Hymne der Avantgarde der 60er Jahre. Bei aller Radikalität und allem Chaos enthält Aylers Musik aber auch singbare Melodien und Elemente der Kirchenmusik und des Blues.

• Sun Ra

Sun Ra’s höchst eigenwillige Musik schöpft aus der gesamten Geschichte des Jazz – von Ragtime, den Klängen von New Orleans, Bebop, Modal Jazz, Fusion und Free Jazz – um eine kosmische Klangwelt zu schaffen, die durch seine höchst theatralischen Live-Auftritte noch verstärkt wurde.

Geboren als Herman Poole Blount, nahm er den Namen Le Sony’r Ra an, der später zu Sun Ra verkürzt wurde.

Er gilt als Pionier der Afrofuturismus-Ästhetik und behauptete, er sei ein Außerirdischer auf einer Mission vom Saturn. Am bekanntesten ist er als Leiter des Arkestra, in dem er schon früh elektrische Keyboards und Synthesizer einsetzte.

Sun Ra starb 1993, aber die Band, die immer aus wechselnden Musikern bestand, tourt weiterhin unter der Leitung seines langjährigen Schülers, des Saxophonisten Marshall Allen. Sie sind bekannt für ihre aufwendigen Kostüme, die vom alten Ägypten und dem Weltraumzeitalter inspiriert sind.

Empfohlenes Sun Ra Album: Space is the Place

Sun Ra hinterließ eine enorme Diskographie, obwohl viele seiner früheren Aufnahmen selbst produziert und nur in kleinen Auflagen gedruckt wurden; viele enthielten nicht einmal eine Liste der Titelnamen oder der beteiligten Musiker!

Nicht zu verwechseln mit dem Soundtrack-Album zum gleichnamigen Spielfilm von 1974, umfasst das große Ensemble auf dieser Aufnahme von 1972 die langjährigen Arkestra-Mitglieder Marshall Allen, John Gilmore und Pat Patrick.

Das hypnotische, chantartige Titelstück ist einer der größten Hits der Band.

• Anthony Braxton

Der Saxophonist Anthony Braxton ist einer von vielen bemerkenswerten Musikern, die aus der Association for the Advancement of Creative Musicians (AACM) hervorgegangen sind, einer in Chicago ansässigen Gruppe, die sich für die & Ausbildung von Musikern einsetzt. Er erhielt 1994 einen „Genius Grant“ der MacArthur Foundation und wurde 2004 zum National Endowment for the Arts Jazz Master ernannt.

Seine umfangreiche Diskografie reicht von Avantgarde-Kompositionen über Kompositionen für Orchester und Opern bis hin zu eigenwilligen Interpretationen von Jazz-Standards und der Musik von Charlie Parker und der Tristano-Schule.

Er spielte auch in Bands von Jazz-Größen wie Chick Corea und Dave Holland, mit denen er die bahnbrechende Conference of the Birds aufnahm, obwohl er sich von dem Wort „Jazz“ distanziert hat.

Empfehlenswertes Anthony Braxton-Album: 3 Compositions of New Jazz

Braxtons Debüt aus dem Jahr 1968 zeigt ihn neben drei anderen unglaublich wichtigen Figuren der amerikanischen Avantgarde, die alle ebenfalls aus Chicago stammen und Verbindungen zur AACM haben: dem Geiger Leroy Jenkins, dem Trompeter Wadada Leo Smith und Muhal Richard Abrahams, obwohl alle vier hier auf einer Vielzahl von Instrumenten zu hören sind. T

Zwei der drei experimentellen Stücke sind mit Diagrammen betitelt, etwas, wofür Braxton bekannt ist. Sein folgendes Album For Alto (1969) ist das erste reine Solo-Saxophon-Album.

• Archie Shepp

Der Tenorsaxophonist Archie Shepp tauchte in der aufkeimenden Avantgarde-Jazz-Szene im New York der 1960er Jahre auf und spielte in hochkarätigen Bands unter der Leitung von Cecil Taylor und John Coltrane.

Gemeinsam mit seinem Tenoristenkollegen Pharoah Sanders stand er an der Spitze einer Bewegung, die sich von verschiedenen afrikanischen Kulturen und Traditionen beeinflussen ließ.

Er engagierte sich im Kampf um die Bürgerrechte und schrieb und sang auch Gedichte und gesprochene Worte.

Während er in erster Linie mit einem afrozentrischen Free Jazz in Verbindung gebracht wird, hat er auch Repertoire aus R&B, Blues und Spirituals gespielt und Tribute-Alben für Charlie Parker und Sidney Bechet aufgenommen.

Empfohlenes Archie Shepp Album: The Magic of Ju-Ju

Dies war Shepps zehntes Album als Bandleader und sein achtes für Impulse! dem Plattenlabel, das viele der wichtigsten Platten der amerikanischen Avantgarde der 1960er Jahre produzierte.

Im epischen Eröffnungstrack dieser Session von 1967 knurrt sein leidenschaftlicher Tenor über pulsierenden afrikanischen Trommeln, in einem Ensemble, das fünf Perkussionisten umfasst.

• Peter Brötzmann

Der deutsche Saxophonist und Klarinettist Peter Brötzmann war einer der ersten europäischen Musiker, die sich den neuen Free-Jazz-Klängen Mitte der 1960er Jahre zuwandten, da die amerikanischen Pioniere dieser Form auf ihren Tourneen in Europa mehr Anklang fanden als in den Vereinigten Staaten.

Brötzmanns brutaler Tenorsound ist in erster Linie von Albert Ayler inspiriert, und er ist auf über 100 Alben zu hören, mit denen er weiterhin auf Tournee geht und Aufnahmen macht. Er wurde ursprünglich als bildender Künstler ausgebildet und hat die Cover der meisten seiner Alben entworfen.

Empfehlenswertes Peter Brötzmann Album: Nipples

Auf diesem Album aus dem Jahr 1968 spielt Brötzmann in einem kraftvollen Sextett europäischer Avantgarde-Giganten, darunter der holländische Schlagzeuger Han Bennink und die Engländer Derek Bailey und Evan Parker an der Gitarre bzw. am Tenorsaxophon.

Eine Pitchfork-Kritik von Scott Hreha vergleicht die Musik mit „dem Klang von Fleisch, das von einem spindeldürren Knochenpaket abgerissen wird“

.