Die 1980er-Jahre waren ein entscheidendes Jahrzehnt im Kino. Die Blockbuster-Ära blühte auf und Franchises begannen zu florieren. Komödien rührten zu Tränen, Dramen regten zum Nachdenken an. Es gab Stimmen im Mais und absolut keine Katzen in Amerika. Die Filme der 80er Jahre waren auch hervorragend zitierfähig, von den Pointen bis zu den schockierenden Enthüllungen im dritten Akt und darüber hinaus. Diese 80er-Jahre-Filmzitate haben sich in die Herzen und Seelen der 80er-Jahre-Kids überall eingeprägt.

Faye Dunaways Darstellung der Joan Crawford, tyrannischer Filmstar und Mutter in Mommie Dearest von 1981, ist eine der erschreckendsten und unauslöschlichsten Filmleistungen aller Zeiten. Sie bewegt sich auf dem schmalen Grat zwischen übertriebener Brillanz und schauerlichem Versagen. Ihr Wutausbruch über ihre Tochter, weil sie so erbärmliche Drahtbügel benutzt, ist ein Satz, der die Karrieren zweier Schauspielerinnen geprägt hat.

Wenn Sie denken, dass der Satz „Luke, ich bin dein Vater“ lautet, müssen Sie die DVDs der Star Wars-Trilogie in Ihrem Regal suchen und noch einmal nachschauen. Aber egal, wie der genaue Wortlaut lautete, die Enthüllung, dass der ultimative Bösewicht der Galaxis der Vater ihres größten Helden ist, hat das Kinopublikum schockiert. Jede schockierende Wendung am Ende eines Films ist seitdem hinter Darth Vaders (James Earl Jones) Vaterschaftsbekenntnis her.

Eine einzige Zeile aus dem berühmt-berüchtigten, witzigen Film Airplane herauszusuchen, ist eine fast unmögliche Aufgabe. Das wäre es auch, wenn Leslie Nielsens makellose Schlichtheit bei der Antwort auf die Aufforderung „Das kann doch nicht dein Ernst sein!“ nicht dazu führen würde, dass sich diese Zeile von allen anderen abhebt.

Was eine Zeile wie „E.T. phone home“ so großartig macht, ist, wie viele verschiedene Emotionen sie hervorruft. Das erste Mal, als er ihn sagt, ist es das Wunder, dass diese lustige kleine außerirdische Kreatur spricht. Das zweite Mal, als er es sagt – nachdem wir alle dachten, er sei tot -, ist es einfach der spannendste Moment, der zu gleichen Teilen Aufregung und Tränen hervorruft. Steven Spielbergs Film lebt davon, dass das Publikum eine Bindung zu E.T. aufbaut, und diese eine Zeile besiegelt es wirklich.

Die mütterliche Panik und Wut, die Shirley MacLaine an den Tag legt, als sie das Krankenhauspersonal ausschimpft, damit es ihrer Tochter (Debra Winger) Schmerzmittel gibt, während sie im Krankenhaus stirbt, widerspricht dem Ruf des Films, ein Heulsusen-Film zu sein. In den erfahrenen Händen von MacLaine (die für diese Darstellung einen Oscar gewann) ist der Moment gleichzeitig lustig und erschütternd.

Celie (Whoopi Goldberg) widersetzt sich endlich dem beleidigenden Mister (Danny Glover) am Esstisch, hält ihm ein Messer an die Kehle und verflucht ihn. Es ist ein lang erwarteter Moment für Celie, als sie ihre Macht zurückerobert und dem Mann, der sie so lange unterdrückt hat, nichts als Ruin verspricht.

Die komödiantische Sicht von Regisseur James L. Brooks auf eine sich verändernde TV-Nachrichtenindustrie – die sich von der schmuddeligen Substanz zum schrillen Stil wandelt – ist voll von großartigen Zeilen. Aber diese eine, in der Holly Hunter auf eine Herabsetzung mit aufrichtigem Selbstmitleid reagiert, ist gleichzeitig herrlich witzig und intelligent bissig.

Chers absoluter Triumph gipfelte in einem Oscar und in der Unsterblichkeit ihrer charakteristischen Zeile aus dem Film. Cher-Fans, Filmfans und sogar Leute, die den Film nie gesehen haben, kennen den Klang dieser Ohrfeige, gefolgt von ihrem ikonischen „Snap out of it!“ Die armen, ahnungslosen Gesichter der sehnsüchtigen Träumer würden nach „Mondsüchtig“ nie wieder sicher sein.

Animationsregisseur Don Bluth war in den späten 80er Jahren mit Filmen wie Ein amerikanischer Schwanz, der die Geschichte russischer Juden, die in die Vereinigten Staaten einwandern, um den Pogromen zu entkommen, anhand der Allegorie von Mäusen erzählt, die in die Vereinigten Staaten einwandern, um den Katzen zu entkommen, kurzzeitig ein Rivale von Disney. Auf dem Boot, das den Ozean überquert, singt Papa Mauskewitz (Nehemiah Persoff) von der Verheißung eines goldenen, gastfreundlichen Amerikas, in dem sie endlich vor Katzen sicher sein werden und sogar die Straßen mit Käse gepflastert sind.

Ja, ja, die Worte, die Ihnen wahrscheinlich als erstes einfallen, wenn Sie an Feld der Träume denken, sind: „Wenn du es baust, wird er kommen.“ Diese Worte, die von einer unsichtbaren Stimme zu Ray Kinsella (Kevin Costner) gesprochen werden, inspirieren ihn dazu, sein Maisfeld in Iowa umzupflügen und ein Baseballfeld zu bauen, auf dem die Geister toter (oft skandalumwitterter) Baseballspieler zurückkehren und wieder spielen können. Aber der Moment der Wahrheit für den Film kommt ganz am Ende, als Ray einen Spieler sieht und ihn als seinen Vater erkennt. Mit den letzten Worten des Films nimmt Ray den Mut auf, seinen Vater zu fragen, ob er Fangen spielen möchte. Da geht die Post ab.

Nachdem Marty McFly (Michael J. Fox) seine Abenteuer im Jahr 1955 beendet hat und tatsächlich in die Zukunft zurückgekehrt ist, trifft er vor dem Abspann ein letztes Mal seinen alten Freund Doc Brown (Christopher Lloyd). Doc ist in der Zukunft gewesen, und als er zurückkehrt, hat sein treuer DeLorean einige Verbesserungen erfahren. Nur wenige Filme der 80er Jahre haben das Publikum so zuverlässig nach einer Fortsetzung schreien lassen wie Zurück in die Zukunft – mit Doc und Marty und ihrem fliegenden Auto.

Ein Kinderwunsch, der zu einem (zugegebenermaßen gruseligen) isolierten Karnevalsspiel gemacht wird, setzt diese Komödie von Penny Marshall aus dem Jahr 1988 in Bewegung. Als der junge Josh Baskin am Morgen nach seinem Wunsch aufwacht, ist er, gespielt von Tom Hanks, ein Kind im Körper eines Erwachsenen. Es folgen viele lustige Streiche, aber es ist dieser einfache, klagende, ach so nachvollziehbare Wunsch, der im Gedächtnis bleibt.

Der berühmteste Satz in dem von Nora Ephron geschriebenen und von Rob Reiner inszenierten Film When Harry Met Sally wird weder von Billy Crystals sanft chauvinistischem Harry noch von Meg Ryans penibler Sally gesagt. Stattdessen kommt er von Reiners Mutter, die in einer Diner-Szene eine Kundin spielt, die sich – nachdem Sally mit einer unglaublich überzeugenden Darbietung, wie eine Frau Vergnügen vortäuschen kann, fertig ist – einfach an den Kellner wendet und fragt, was Sally haben möchte. Und damit war einer der größten Einzeiler in der gesamten Filmkomödie geboren.

Die minutengenaue Verfilmung des beliebten Brettspiels Clue bot eine perfekte Besetzung – Tim Curry, Lesley Ann Warren, Martin Mull, Eileen Brennan, Michael McKean, Christopher Lloyd – aber es war die großartige Madeline Kahn, die den Film mit ihrem stammelnden Monolog über ihren glühenden Hass auf das Dienstmädchen Yvette (Colleen Camp) in die Unsterblichkeit schickte.

Der Charakterdarsteller R. Lee Ermey verbringt die erste Hälfte von Stanley Kubricks Albtraumvision des Vietnamkriegs damit, den Soldaten, die er ausbildet, eine lächerliche Aneinanderreihung von Befehlen und Schimpfwörtern entgegenzubellen. Als er schließlich einen bestimmten Gefreiten (Vincent D’Onofrio) so weit treibt, dass er mit bewaffneter Vergeltung droht, gibt Ermey nicht klein bei, sondern steigert seine Beleidigungen. Keine gute Idee, wie sich herausstellt.

Glenn Close spielt eine Frau, die eine Affäre mit einem verheirateten Michael Douglas hat, nur damit er sich zurückzieht und sich von ihr entfernt – worauf sie mit heftiger Besessenheit reagiert. Die Darstellung von Close arbeitet hart daran, die Tropen der „verrückten Ex-Freundin“ auszugleichen; ihre Darbietung des obigen Zitats ist ebenso rechtschaffen wie bedrohlich.

Regisseur Ivan Reitmans Film über ein Quartett von Geisterjägern im New York der 1980er-Jahre gipfelt in einem Ausbruch der Geister aus ihrer Eindämmungseinrichtung. Das Ergebnis? Chaos, Panik, die Lebenden kommunizieren mit den Toten, und, wie Bill Murrays Peter Venkman es überspitzt zusammenfasst, alle Gesetze der Natur und der Realität werden auf den Kopf gestellt. Hunde und Katzen! Zusammen!

Die Chancen stehen gut, dass man jemanden trifft, der Stanley Kubricks The Shining gesehen hat und nicht mindestens einmal versucht hat, Jack Nicholsons typischen Spruch nachzumachen. Der Satz kommt, als er gerade dabei ist, die Badezimmertür einzuschlagen und versucht, seine Frau und seinen Sohn zu ermorden. Ich bin mir nicht sicher, wie Johnny Carson sich bei dieser Assoziation gefühlt haben muss.

Der abschließende Monolog von Brian, dem Gehirn (Anthony Michael Hall), ist die perfekte Verkörperung der Angst eines verletzten Teenagers. Diese fünf ungleichen Teenager verbringen einen Samstagnachmittag in der Schulbibliothek und entdecken, dass sie alle etwas gemeinsam haben (vor allem den Hass auf ihre Eltern!) – und in einem abschließenden Abschiedsgruß an den Schuldirektor lernen sie die Lektion, dass Erwachsene sie nie wirklich verstehen werden.

Der berühmteste schwänzende Teenager der Popkultur nimmt sich die Zeit, im Auto des Vaters seines Freundes durch Chicago zu fahren und bei einer Parade Lippensynchronisation zu machen, um sich an das Publikum zu wenden und einen kostenlosen Ratschlag zu geben. Du kannst Ferris (Matthew Broderick) für jeden „Das Leben kommt schnell auf dich zu“-Tweet danken, der dir begegnet.

Es sind nur drei kleine Worte, die normalerweise nicht wie eine Bedrohung klingen, es sei denn, sie werden von einer 1,80 m großen Wand aus österreichischen Muskeln gesprochen, die gerade aus der Zukunft herüberteleportiert wurde, um eine werdende Mutter gnadenlos zu ermorden. Arnold Schwarzeneggers flacher, emotionsloser Affekt war die perfekte, bedrohliche Darstellung. Und als Bonus stellte sich heraus, dass er Recht hatte, wenn man von fünf Terminator-Fortsetzungen ausgeht.

Tom Cruise und Anthony Edwards als Fliegerkumpel in ihrem Elite-Trainingsprogramm bei der Navy sind die zentrale Freundschaft in einem der größten Hits der 80er Jahre. Zusammen gaben sie Top Gun genau das, was der Film neben seinem enormen Einspielergebnis und seinem Star-Appeal brauchte: ein Schlagwort, das noch lange über das Ende der 80er Jahre hinaus bis in die Gefahrenzone (so nennen wir die 90er Jahre) wirken sollte.

Der Spruch wurde jahrzehntelang imitiert, vervielfältigt, ausgeliehen, nachgeahmt und parodiert. Al Pacino als Kokainboss Tony Montana stellt seinen Feinden seinen „kleinen Freund“ vor, bei dem es sich offensichtlich um sein Maschinengewehr handelt. Ein Gemetzel und Hunderte von Wohnheimpostern folgten.

Die wiederholte Warnung an den jungen Ralphie (Peter Billingsley) in dem langlebigen Weihnachtsklassiker wird mit jeder Wiederholung lustiger. Alles, was der bebrillte Junge wollte, war ein offizielles Red Ryder-Luftgewehr mit Karabinerverschluss und zweihundert Schuss Reichweite. Zu dumm nur, dass alle Erwachsenen in seinem Leben – bis hin zum Weihnachtsmann im Einkaufszentrum – ihm sagten, es sei zu gefährlich.

Mit diesen Worten rettet Patrick Swayze Jennifer Grey vor ihrem überfürsorglichen Vater und entführt sie auf die Tanzfläche, um diese verklemmten Catskills-Typen mit ein paar gekonnt choreografierten Bewegungen zu begeistern.

Es ist kaum vorstellbar, dass dies der denkwürdigste Satz aus Die Braut des Prinzen ist, einem Film, der vor witzigen Zitaten nur so strotzt. Aber Mandy Patinkin als Inigo Montoya ist brillant engagiert und wild, als Inigo den Mann mit den sechs Fingern konfrontiert, der seinen Vater getötet hat.

Ein Satz wie dieser ist nur dann denkwürdig, wenn er unter den perfekten Umständen von der perfekten Figur gesagt wird. Mit anderen Worten, ein kleines Mädchen (Heather O’Rourke) starrt auf das Rauschen des Fernsehers – die Einzige, die weiß, dass die bösartigen Geister, die das Haus heimsuchen, zum Spielen hier sind. Ein äußerst gruseliger Moment in einem der bedeutendsten Horrorfilme des Jahrzehnts.

Jeff Goldblum, der sich im Laufe dieses David-Cronenberg-Films nach und nach in eine menschliche Fliege verwandelt, ist sowohl ekelerregend als auch erschreckend. Zum Glück müssen wir uns keine Gedanken darüber machen, welche Reaktion die richtige ist, denn Ronnie (Geena Davis) sagt es geradeheraus: Habt Angst.

Michael Douglas gewann einen Oscar für die Rolle des Gordon Gekko, dem Avatar der Unternehmensgier der 1980er Jahre. Die Darstellung ist eine der charakteristischsten Schöpfungen des Jahrzehnts, und sein monströs einfaches Ethos – oft umschrieben als das noch einfachere „Gier ist gut“ – hat in den folgenden Jahren ein Echo gefunden.

Ossie Davis spricht die Titelzeile von Spike Lees aufrührerischem Film von 1989. Der Satz wird als Ratschlag an den Pizzaladen-Angestellten Mookie (Lee) gegeben, doch seine ironische Einfachheit wird erst am Ende des Films deutlich.