Mach bessere Hip-Hop-Beats und Rap-Beats mit diesen Tipps des legendären Hip-Hop-Produzenten Johnny Juice.

Bei flüchtigem Hinhören mögen Tracks von Jay-Z, Tupac oder KRS-One einfach konstruiert erscheinen – charismatische Reime auf einem treibenden, sich wiederholenden Schlagzeug-Groove. Aber wenn Sie schon einmal versucht haben, Hip-Hop-Beats von Grund auf selbst zu bauen, wissen Sie wahrscheinlich, dass es gar nicht so einfach ist, etwas Treibendes, Mutiges, Frisches und Originelles zu produzieren – wo fangen Sie also an? Wir haben einen der Gründungsexperten des Genres zu Rate gezogen.

Der mehrfach mit Platin ausgezeichnete Produzent Johnny „Juice“ Rosado ist einer der Pioniere des Hip-Hop. Er hat mit Künstlern wie Run DMC, Public Enemy, den Beastie Boys, Ashanti und Dan the Automater zusammengearbeitet und ist auch ein hoch angesehener DJ und Scratcher. Hier ist, was Juice empfohlen hat, um deinen originalen Hip-Hop-Beats den Funk und die Power zu geben, die sie brauchen.

Finde einen einzigartigen Einfluss

Wenn du deine eigene einzigartige Stimme als Beat-Programmierer entwickelst, empfiehlt Juice, dich an einem Einfluss zu orientieren, der dich inspiriert – egal, ob er aus dem Hip-Hop kommt oder nicht – und tief einzutauchen. „Studiere, was diesen Musiker, Komponisten, Produzenten oder Sänger so klingen lässt, wie er klingt“, sagt er. „

Juice befolgt in dieser Hinsicht seit langem seinen eigenen Rat und zollt den verschiedensten Einflüssen in seiner Produktion und DJ-Arbeit Tribut. „Ich scratche nicht wie ein DJ“, erklärt er. „Ich wollte immer so scratchen, wie Ray Baretto Conga gespielt hat. Ich scratche auch zu Aufnahmen von Bobby Timmons, der ein großartiger Jazz-Pianist ist.

Unabhängig davon, ob deine Einflüsse aus dem Grunge oder dem Go-Go kommen, Juice bestätigt, dass genaues Zuhören und das Studieren jedes Stils, der dich inspiriert, dir helfen wird, eine neue Perspektive in die Beats einzubringen, die du letztendlich baust.

Lerne etwas über Schlagzeug – und andere Instrumente

Juice empfiehlt, mindestens ein Instrument so gut wie möglich zu beherrschen – und nicht nur Samples davon zu programmieren – und zumindest die Grundlagen von so vielen anderen wie möglich zu lernen. „Ich sehe viele Produzenten, die nicht verstehen, wie Schlagzeuger eigentlich Schlagzeug spielen“, sagt er. „Sie lassen die Hi-Hat während des gesamten Songs spielen, und wenn Sie jemals einem Schlagzeuger beim Spielen zugesehen haben, wissen Sie, dass die Hi-Hat normalerweise aufhört, wenn er oder sie ein Fill spielt, bis das Fill vorbei ist. Auch wenn Sie einen Drumcomputer verwenden, der nicht wie ein echter Schlagzeuger klingen soll, sollten Sie ihn so programmieren, als ob ein echter Schlagzeuger spielen würde. Außerdem schlage ich immer ein Crash-Becken mit der Kick-Drum darunter an, um dem Schlag mehr Kraft zu verleihen – denn so spielen viele echte Schlagzeuger.

„Wenn man auch nur ein Instrument kennt, ist das sehr nützlich, wenn man programmieren muss“, fährt er fort. „Wenn du Schlagzeug studierst und einen Beat bauen willst, fang mit der Schlagzeugspur an.

Baue dir eine Sound-Bibliothek auf

Keyboard-Synthesizer, softwarebasierte virtuelle Instrumente, DVDs voller exotischer Drum-Hits – die Sounds, die du für deine Beats verwendest, können von überall her kommen, und Juice empfiehlt, sich eine möglichst umfangreiche, vielfältige und einzigartige Sammlung anzulegen. „Lerne, was ein Santour ist!“, sagt er. „Das ist ein wirklich cool klingendes persisches Instrument – ähnlich wie eine Gitarre, aber mit Stöcken gespielt. Es klingt großartig – versuchen Sie also, damit anzufangen und einen Beat darum herum zu konstruieren. Stellen Sie sicher, dass Sie alle Arten von ungewöhnlichen Dingen in Ihrem Repertoire haben. Ein neuer Sound kann ein kreativer Funke sein, und man neigt dazu, anders zu programmieren, wenn man verschiedene Sounds verwendet.“

Fangen Sie mit einem Song an, den Sie lieben

„Wenn Sie Schwierigkeiten haben, Inspiration zu finden, empfehle ich immer, Ihre Lieblingsplatte zu sampeln, ein Schlagzeug darunter zu legen, ein paar Keyboard-Parts hinzuzufügen – und dann das Sample herauszunehmen“, sagt Juice. „Was übrig bleibt, ist ein Spiegelbild des Songs, den du liebst, aber es ist dein eigenes. Es hat vielleicht dasselbe Tempo und dieselben Akkordfolgen wie der Originalsong, aber es ist etwas Neues, Einzigartiges und wirklich Eigenes.“ Danach fügen Sie weitere Elemente hinzu, um die Lücke zu füllen, die das ursprüngliche Sample, das Sie zur Inspiration verwendet haben, hinterlassen hat.

Diese Technik kann mit Tracks fast aller Genres funktionieren – Country, Reggae, Metal, was auch immer. Achte nur darauf, dass die Platte, die du als Ausgangsmaterial verwendest, einen guten Groove hat und dich zum Musizieren anregt.

Vergiss das Paning nicht

„Panning ist eine verlorene Kunst im Hip Hop“, sagt Juice. „Viele Hip-Hop-Platten klingen heute wie ein einziger großer Mono-Track.

Unabhängig davon, ob deine Drumsounds von einem akustischen Schlagzeug oder einer klassischen Roland TR-808 Drum Machine stammen – oder irgendwo dazwischen -, musst du deine Drumsounds so ausrichten, wie sie auf der Bühne klingen sollen, sagt Juice. „Man braucht ein Panning-Arrangement, das allem seinen Platz gibt. Ich schwenke die Snare-Drums immer ein wenig nach rechts, denn wenn ich einen Schlagzeuger anschaue, ist die Snare ein wenig weiter rechts. Die Hi-Hat ist ein bisschen weiter rechts. Die Toms gehen von rechts nach links, von einer höheren Tonhöhe zu einer tieferen.“

Schneller Tipp: Wenn du dir nicht sicher bist, wo du einen bestimmten Schlagzeugsound schwenken sollst, höre dir ein paar klassische Jazz-Alben mit einem guten Kopfhörer an und achte besonders darauf, welche Klangelemente wo von links nach rechts platziert sind.

Achtet auf Mono und Stereo

Viele der Sounds, die in Hip-Hop-Beats verwendet werden, stammen von beliebten Keyboard-Synthesizern wie dem Korg Triton und dem Yamaha Motif, sagt Juice – aber wenn man Sounds von diesen leistungsstarken Instrumenten in ein Audio-Interface zur Aufnahme ausgibt, muss man vorsichtig sein, warnt er.

„Wenn man von einem Triton aufnimmt, gehen der linke und der rechte Ausgang in die Kanäle 1 und 2 des Mischpults, so dass man leicht alles, was aus dem Keyboard kommt, als Stereospur aufnehmen kann“, sagt er. „Das kann dazu führen, dass man etwas in Stereo aufnimmt, das eigentlich nur mono sein sollte, wie z.B. eine Kick- oder Snare-Drum.“

Wenn man ein Sample aufnimmt, das von einer einzelnen Punktquelle kommt – wie z.B. eine Kick- oder Snare-Drum – sollte man es einfach von einem einzelnen Ausgang als Monospur aufnehmen und dann ein wenig schwenken, sagt Juice. „Viele Produzenten nehmen ihre Sounds vom Keyboard aus in Stereo auf und gehen davon aus, dass sie bereits richtig gepannt sind, was aber nicht der Fall ist. Wenn du einen Kick-Sound in Stereo aufnimmst, nimmst du im Grunde nur zwei identische Monospuren auf, die ineinander verschachtelt sind. Man muss das Panning selbst machen.“

Vermeiden Sie schlampiges Tuning

Um einen einzigartigen Sound zu erzeugen, ändern Hip-Hop-Produzenten oft die Stimmung eines Samples, so dass es höher oder tiefer klingt als das Original. „Sie verstimmen und verlangsamen ein Sample bis zur Unkenntlichkeit“, sagt Juice. „Das ist in Ordnung – aber lernen Sie wenigstens Ihre Noten auf dem Klavier, damit Ihr Sample, wenn Sie es verstimmen, auf eine echte Note gestimmt ist und nicht auf eine Grauzone zwischen E und Es.“

Warum ist das Stimmen so wichtig? „Wenn ein Sänger oder Live-Musiker über deinen Beat aufnimmt, kann das Probleme verursachen“, fährt er fort. „Ich behebe das oft in meinem Studio. Wenn der Sänger scheiße klingt, liegt das Problem meist daran, dass das Sample nicht richtig gestimmt ist.“ Eine ungenaue Verstimmung eines Samples kann auch zu Problemen führen, wenn Sie gesampelte Basslinien oder andere melodische Elemente zu Ihrem Jam hinzufügen möchten. „Synthesizer und virtuelle Instrumente sind in der Regel richtig gestimmt, so dass sie wirklich stören können, wenn sie gegen ein schlecht gestimmtes Sample anspielen.“

Raum lassen

„Denken Sie daran, dass die Vocals das letzte Instrument in einem Beat sind“, sagt Juice. „Der Rapper oder Sänger ist das, was man braucht, um den Beat fertigzustellen – wenn du ihn fertig programmiert hast, sollte dein Beat an dem Punkt sein, an dem du nur noch die Vocals hinzufügen, abmischen und auflegen musst. Wenn du an den Punkt kommst, an dem ein Sänger mit dem Beat um Platz kämpft, ist er zu voll und du musst etwas herausnehmen.“ Auch wenn du selbst kein professioneller Sänger bist, kannst du ganz einfach feststellen, ob du genug Platz lässt, indem du eine erfundene Melodie summst oder einen unsinnigen Vers über deinen Beat legst. Wenn du das Gefühl hast, dass du mit der Musik kämpfst, versuche, den Beat ein wenig zu reduzieren, um mehr Raum zu schaffen – aber wenn die Vocals und der Beat zusammen zu atmen scheinen, bist du auf dem richtigen Weg.

Experiment

„Musik ist kein Hundefutter“, sagt Juice. „Hundefutter wird hergestellt. Es gibt eine Formel und einen Prozess. Leider kann es passieren, dass man in die Falle tappt, Musik zu produzieren, anstatt sie zu erschaffen. Deshalb ist es wichtig, kreativ zu bleiben und nicht das Gefühl zu haben, dass man nur formelhaft einen Fließbandprozess durchläuft.“

Um zu vermeiden, dass man sein eigenes klangliches Hundefutter kreiert, empfiehlt Juice, sich mehr Zeit zu geben, um neue Dinge auszuprobieren, die entweder in die Hose gehen oder zu etwas Aufregendem führen könnten. „Das Experimentieren mit allen möglichen Dingen ist der Schlüssel“, sagt er. „Jeder Produzent programmiert anders, also fangen Sie nicht immer mit demselben Instrument an. Versuchen Sie, ein Instrument zu verwenden, das Sie noch nie benutzt haben. Versuchen Sie, ein Cembalo mit etwas Reggae zu mischen. Und geben Sie sich die Zeit, neue Dinge auszuprobieren. Viele Leute sind heutzutage wild entschlossen, Dinge zu erledigen, und das kann echter Kreativität im Weg stehen.“

Disc Makers‘ regelmäßiger Mitarbeiter Michael Gallant erhielt für sein Debüt-Trioalbum Completely eine Vier-Sterne-Kritik vom DownBeat Magazine und eine Fünf-Sterne-Kritik von Critical Jazz, in der es hieß: „Das, meine Freunde, ist die Zukunft des Jazz. Frisch, belebend, progressiv – es gibt einfach nicht genug positive Adjektive, um sie hier aufzuzählen.“ Erfahren Sie mehr, laden Sie es über iTunes herunter oder kaufen Sie es über CD Baby. Folgen Sie Michael auf Twitter unter @Michael_Gallant oder auf Facebook.